CONCEPTOS

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CONCEPTOS

ARIA: Canción autónoma para voz sola, que por lo general forma parte de una ópera u otra obra
grande. La diferencia entre el “aria” y el “madrigal” estribaba en el texto estrófico del aria con
repetición idéntica de la música o ligeras variantes con cada estrofa. El término no tardó en usarse
para denominar las partes de óperas, oratorios y cantatas que formalmente eran canciones líricas, y
diferenciarlas de las partes discursivas de los *recitativos. En el periodo Clásico, el aria de
concierto con acompañamiento orquestal se desarrolló, a imitación del aria operística, como un
recurso de lucimiento para cantantes solistas en conciertos públicos.
Apartir de 1670 se generalizó la forma ABA o *da capo, llamada así porque al final de la sección B,
el término da capo indicaba la repetición de la sección A. Ésta por lo general consistía de una
melodía simple formada por una frase antecedente y una consecuente, con una semicadencia a la
mitad; en ocasiones, la frase consecuente se ampliaba con alguna repetición.
Otro recurso más drástico consistió en reducir la sección A binaria a un enunciado único para las
dos estrofas del texto. Esta forma es llamada “cavatina”
Una modificación posterior de aria da capo llegó a parecerse a la forma *sonata al finalizar la
sección A en tonalidad de dominante y a la repetición retomar la tonalidad de tónica. Otras formas
se originaron en la opera buffa, como la forma binaria simple ABA’B’. Para los personajes serios de
opera buffa, los compositores acostumbraban componer arias en el estilo de la opera seria, mientras
que para personajes cómicos como Fígaro, usaban mayor variedad de formas y recursos, como
canciones que se prestaran para acompañarse con palmadas e interrupciones repentinas para la
participación en las acciones escénicas. A partir de la década de 1770 comenzó a evolucionar un
nuevo tipo de aria de lucimiento para la prima donna y los personajes principales, denominada
rondò. En esta forma, la repetición de la melodía rompe con la forma da capo e introduce un cambio
con nuevo material melódico a un tiempo más rápido. Otro recurso común fue la aún más rápida
“stretta”, que sirvió para abreviar esta sección repetida y alcanzar un final más brillante. A partir de
estas dos formas evolucionó la cabaletta, común para el despliegue virtuosístico de las grandes
luminarias de la ópera del siglo XIX. Para la época de Rossini, esta forma había desplazado casi por
completo a los otros tipos de aria en óperas cómicas y serias por igual. La forma cabaletta cantabile
a menudo se ampliaba con introducciones en recitativo y pasajes arioso denominados “scena”, así
como con interpolaciones entre las dos secciones principales que incluían acciones escénicas,
entradas de otros personajes e incluso un coro

CADENCIA:[cierre] Movimiento armónico o melódico convencionalmente asociado con el final


de una frase, sección, movimiento o composición. La conexión implícita entre “cadencia” y caída se
realiza de la manera más explícita en la música donde una línea melódica desciende de manera
conclusiva a la final modal o la tónica tonal. Sin embargo, el cierre cadencial en la música modal o
tonal tiene más que ver con un sentido de llegada enfática al intervalo o acorde más fundamental de
la obra en cuestión, que con un descenso literal y uniforme. En la música postonal, se puede lograr
el sentido de cadencia mediante la utilización de formas de énfasis y resolución que son explícitas o
ambiguas en grados diversos, pero no es posible clasificar las cadencias postonales de la forma en
que los tipos de cadencia modal y tonal están definidas líneas abajo. Por supuesto, los compositores
postonales con frecuencia demuestran su independencia de la tradición evitando los efectos
cadenciales y terminando con lo que puede sonar como una brusquedad arbitraria.

CODA: (“cola”). Adición a una forma o diseño estándar, que ocurre después de que la estruc tura
principal de una pieza o melodía ha sido completada con una cadencia en la tonalidad principal. En
la *forma estrófica, por ejemplo, la coda ocurriría después del último verso, en la *forma de
variaciones después de la última variación, en la *forma binaria después de que ha finalizado la
segunda sección (generalmente con un signo de repetición), y en la *forma sonata después de que
todo el material de la exposición ha sido recapitulado.

CONTRAPUNTO: El contrapunto es la combinación coherente de distintas líneas melódicas en


música, y la cualidad que mejor cumple el principio estético de la unidad en la diversidad. Antes del
siglo XX, la coherencia y la unidad se lograban en la música contrapuntística con el apego a las
reglas de conducción de voces predicadas sobre la distinción entre *consonancia y disonancia, y la
necesidad de que la disonancia resolviera en una consonancia. En la música postonal, las líneas
contrapuntísticas pueden seguir principios de simetría (con frecuencia simetría al espejo) y
complementación, donde las no tas de una voz no duplican las notas de otras voces, al interior de
una frase u otra unidad estructural. El contrapunto surge cuando el procedimiento natural de dos o
más voces que entonan exactamente la misma melodía a una octava u otro intervalo de distancia se
modifica, de manera que las voces ya no se oyen en unísono rítmico. Para que el contrapunto sea
estética y técnicamente aceptable, sin embargo, las diferencias entre las voces contrapuntísticas no
deben minar la percepción de coherencia en el resultado musical. El contrapunto tiende a ser
perceptible de manera más inmediata cuando las distintas voces usan el mismo material en cercana
proximidad. Tal es el caso cuan do una textura es *heterofónica o cuando la forma es la de *ronda,
*canon, *fuga o algún otro género en el que la imitación de una voz principal por las otras, es
fundamental.

CROMÁTICO: En el sentido moderno, el uso de una escala que divide la octava en 12 intervalos
iguales de un semitono. En el periodo barroco, el cromatismo fue una importante fuente de Affekt ,
no sólo como recurso expresivo en la música vocal sino también en obras instrumentales como
fugas y otras formas contrapuntísticas sobre sujetos cromáticos. Contra el fondo de un lenguaje
tonal universal, el cromatismo en los periodos clásico y romántico se interpreta usualmente como
un progreso histórico uniforme hacia la disolución de la tonalidad.

DIATÓNICO: (,“en intervalos de un tono”). En el sistema tonal mayor-menor, un carácter


diatónico que puede ser una sola nota, un intervalo, un acorde o todo un pasaje musical es aquel que
usa exclusiva mente notas que pertenecen a una tonalidad. En la práctica, se puede hablar del uso de
una escala en particular, con la previsión de que las notas alternativas de superdominante y sensible
pertenecientes a las escalas armónica y melódica menores permitan el uso de nueve notas
diatónicas, en comparación con las siete disponibles de la escala mayor. Existen pocas piezas en la
música tonal que no tengan una elaboración tal que sugiera la presencia de diferentes tonalidades en
el transcurso de la música: así, una pieza en do mayor que parece modular hacia su dominante, sol
mayor, y regresa a la tónica, puede ser denominada diatónica si sólo emplea notas de las ocho
pertenecientes a las dos tonalidades: do, re, mi, fa, fa# , sol, la y si.

EXPOSICIÓN: Parte inicial de una fuga o de un movimiento de sonata en la que se introduce el


material temático principal. 1.En una *fuga,cada voz entra a su turno con una presentación del
sujeto o respuesta, después continúa con el contrasujeto u otro material contrapuntístico hasta que la
última voz haya completado su entrada. Ahí termina la exposición. 2. En un movimiento en *forma
sonata, el primer sujeto (o grupo temático) es presentado en la tonalidad principal; después hay una
modulación a la tonalidad complementaria, usualmente la dominante o la relativa mayor, en cuya
tonalidad continúa el segundo sujeto (o grupo temático). Puede haber una serie de cadencias en la
nueva tonalidad, la última de las cuales marca el final de la exposición. Esto es seguido a menudo
por una doble barra y signos de repetición, algunas veces con un primer final que proporciona un
retorno al principio.

LEITMOTIV: (“motivo conductor”). Término acuñado a mediados de la década de 1860 por el


historiador musical A.W.Ambros para describir un motivo o tema recurrente en una pieza musical
(generalmente en ópera) que representa a un personaje, objeto, emoción o idea concreta. Se utiliza
en especial asociado con las óperas tardías de Wagner, aunque el compositor no lo utilizó,
prefiriendo los términos Hauptmotiv (motivo principal), thematisches Motiv (motivo temático),
Grundthema (tema básico) y así sucesivamente. Por su parte, los Leitmotiven tienden a aparecer con
mayor frecuencia, al grado que forman parte del material temático básico de la obra.

MODULACIÓN: Recurso mediante el que se abandona una tonalidad para entrar en otra. En el
sistema tonal mayor menor una tonalidad puede ser mayor o menor con cualquiera de las 12 notas
cromáticas como tónica, de manera que es posible formar 24 tonalidades. Conforme a la estructura
tonal tradicional una pieza musical comienza y termina en una misma tonalidad, pero en el curso de
su desarrollo puede modular a una o más tonalidades diferentes. La modulación puede ser:
diatónica, lo que significa que la nueva tonalidad utiliza las mismas notas diatónicas de la original y
se forma a partir de una de éstas, pero con el ordenamiento de los grados tonales de acuerdo con la
nueva tonalidad (Ej. 1a); cromática, lo que significa que se introducen notas “ajenas”a la tonalidad
original, mismas que deberán corregirse al volver a la tonalidad inicial (Ej.1b: si n a sib a si n ); o
enarmónica, lo que significa que un intervalo cambia de nombre y de escritura para convertirse en
un nuevo intervalo modulatorio (Ej.1c: nótese la cuarta aumentada y la quinta disminuida marcadas
con aste risco *). Un concepto importante en la teoría armónica modulatoria es el acorde “pivote” ,
que es común a las dos tonalidades que intervienen en la modulación. Las modulaciones muy
lejanas reducen la posibilidad de encontrar acordes pivote.

MOTIVO: Unidad musical melódica y rítmica que, de acuerdo con Schoenberg en sus
Fundamentos de la composición musical (1967), proporciona “integración, relación, coherencia,
lógica, comprensión y fluidez” al discurso musical de una composición mediante la repetición y la
variación recurrente.

MOVIMIENTO: Término relacionado con las formas musicales (generalmente con sonata,
sinfonía, concierto, cuarteto de cuerdas, etc.) que consiste en un número determinado de partes,
cada una denominada “movimiento”. Cada movimiento,en teoría, constituye una sección completa e
independiente; en la mayoría de los casos, los movimientos están separados entre sí mediante una
pausa breve. La sinfonía y la sonata del Clasicismo por lo general tienen cuatro movimientos que
suelen seguir un orden determinado: forma sonata, lento, danza (como un minueto con trío o un
scherzo) y final (como rondó o variaciones). El concierto tiene tres movimientos: a menudo forma
sonata-ritornello, lento y final (un rondó o una danza). El material musical de cada movimiento es,
con raras excepciones, independiente del resto de la obra.

MUSICA DODECAÓNICA: música dodecafónica. Música en la que las 12 notas de la escala


cromática tienen la misma importancia jerárquica, es decir, un tipo de música que no se basa en una
tonalidad o un modo y que, por lo mismo, puede ser descrita como “atonal”.

RETARDO: Suspensión que se resuelve por grado ascendente y no descendente.

RITARDANDO: ritardato, ritenendo, ritenente “Re tardando”, “retardado”, “reteniendo”,


“retenido”, o sea, reducir la velocidad gradualmente, igual que *rallentando. Suele usarse la
abreviatura rit.

RITORNELLO: ( “regreso”). 1. En el siglo XIV el ritornello de la *caccia y el *madrigal estaba


conformado por los dos versos finales de un poema; generalmente tenía un tratamiento musical de
sección independiente, a menudo con cambio de metro. No era lo mismo que el refrán. 2. En las
óperas y cantatas del siglo XVII el término se usó para referirse a breves secciones instrumentales
conclusivas agregadas a un aria o a canciones de otro tipo. En ocasiones el ritornello aparecía
también al comienzo de la pieza. Además de las sinfonías, estos ritornellos fueron las únicas partes
instrumentales de las primeras óperas.

TEMA: Término común para identificar los pasajes melódicos principales de obras tonales y de
música no tonal que conservan el rasgo de una continuidad melódica. A diferencia de los términos
“idea” o “motivo”, la palabra “tema” suele referirse a frases completas o periodos y generalmente se
usa para los pasajes más importantes de una obra. De tal manera, los temas o “sujetos” primero y
segundo de un movimiento en forma sonata exponen el material melódico principal de la pieza y
tienen el mayor peso estructural. Esta manera de ver las formas tonales en general recibe el nombre
de “tematismo”, principalmente cuando se busca mostrar que, en el movimiento de una obra, temas
aparentemente heterogéneos tienen una fuente común.

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