Mientras el tiempo pasa " Ante todo porque la memoria es, ella misma, una imagen " Leonor Arfuch ... more Mientras el tiempo pasa " Ante todo porque la memoria es, ella misma, una imagen " Leonor Arfuch La cita de la investigadora argentina Leonor Arfuch (1) es pertinente al comenzar un recorrido abierto por la trayectoria de Liana Lestard, una artista que mantiene la misma pasión desde la precocidad de la niñez hasta ahora. Para Arfuch, prestigiosa analista de géneros discursivos, subjetividad, identidad, memoria y narrativa hacen parte de una práctica tanto discursiva como artística. Vamos a tomar esas cuatro caras del planteo registrables en las producciones de Lestard desde los inicios, como cuestiones para desentrañar su trabajo. Desde muy pequeña, las cosas del arte le estuvieron cercanas, para explorar, para jugar, para encontrar una forma de comunicar por fuera de la palabra. Esa familiaridad con la producción de imágenes y el río, son dos constantes. En la zona donde nació y vive, el río es hoy un espacio recuperado, pero mucho antes fue nada más que una orilla para caminar y ver lo que traía, siempre sorprendiendo. Juan José Saer (2) cuenta en su texto El río sin orillas refiriéndose a la relación entre la pampa o llanura y el caudal de los hermosos ríos del litoral, que éstos últimos han dejado una " escasa huella en la imaginación popular en relación con la omnipresencia de la pampa ". Afirmación que no solamente es exacta, sino también sorprendente, por una causa que parece verosímil: " creo que la causa del olvido viene justamente de ese exceso de frecuentación. Se estaba tan habituado a ellos, que no tenían nada de exóticos, y una prueba indirecta de esta afirmación podría obtenerse observando que los mejores textos sobre el Paraná, el Uruguay y el Río de la Plata fueron escritos por extranjeros ". Liana preserva algunas memorias sobre ese río y también sabe de causalidades, como la de formar familia con un oriundo del delta. Cercanías personales que propiciaron parte de su trabajo ligado al paisaje como un elemento inspirador, como una inagotable fuente de sentidos. Es cierto que existen varias categorías para el paisaje que Lestard ha explorado. Los paisajes externos con sus partes definidas entre el cielo y la tierra por una línea de horizonte y los otros, funcionando como parte de un proceso de hacer visible un estado interno. El paisaje como una construcción ejecutada mediante una técnica propia que la lleva a comenzar a trabajar con el mismo placer de siempre, valorando ese encuentro entre el deseo y los materiales. Liana no presume de tener todo pensado desde el inicio cuando aborda la tela en blanco, se desliza convenientemente por un tiempo a veces más largo que otro sobre algunas cuestiones que la sorprenden y que, de algún modo concreto, se solapan en su vida cotidiana. Viajes exploratorios tanto geográficos como históricos y culturales cargados de esa subjetividad ligada a una identidad que la hace seguir eligiendo un lugar de pertenencia. La serie Horizontes, que despliega en la década de los 90', enhebra de manera muy activa, una sucesión de conceptos: somos de la llanura, sitiados por el horizonte y el omnipresente cielo, casi " isleños en un mar de pampa " como sostuvo Martínez Estrada (3). Una vibración de la línea y el color siguen siendo su marca visible, entraman imagen, escritura, arte y oralidad en un sistema donde subjetividad y objetividad producen una variante en la década siguiente. " Los ríos y arterias que aparecían en los paisajes naturales se fueron haciendo autopistas, ríos urbanos, que vistos desde lo alto llamé Navegantes urbanos " , cuenta Liana en una conversación sobre la forma que va adquiriendo su trabajo. Resulta muy claro percibir estos detalles como formando parte de ese concepto amplio que remite a una identidad narrativa, una capacidad de percibir en cada nueva serie un plano intersticial donde aparece algo muy bien
Análisis y comentarios de la obra expuesta de León Ferrari en el Museo de Arte Moderno de Buenos ... more Análisis y comentarios de la obra expuesta de León Ferrari en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Un texto para acompañar su libro donde analizo las relaciones semánticas y sintácticas de su vide... more Un texto para acompañar su libro donde analizo las relaciones semánticas y sintácticas de su video performance Eternel regard.
Reseña de sus últimos trabajos, la conexión con los anteriores y una apreciación de sus próximos ... more Reseña de sus últimos trabajos, la conexión con los anteriores y una apreciación de sus próximos pasos.
El mecanismo de percepción que lleva a Matilde Marín a encontrar, una y otra vez, la palabra ARTE... more El mecanismo de percepción que lleva a Matilde Marín a encontrar, una y otra vez, la palabra ARTE en sus viajes, comienza por un cartel de caligrafía cuasi manual fotografiado en 1998 en el Centre Pompidou de París. Se trata, nada menos, de aquel que sostiene "La vérité changera l'Art". Da inicio a una serie aún abierta, captados por su cámara, que se presentan en forma casual, aleatoria y fortuita, confirmando el uso extendido en múltiples contextos de la palabra ARTE, verificada en sus recorridos.
The mechanism of perception that leads Matilde Marín to find, again and again, the word ART on he... more The mechanism of perception that leads Matilde Marín to find, again and again, the word ART on her trips, start with a calligraphy poster, nearly a photography manual, in 1998 at the Centre Pompidou in Paris. This is nothing less than which holds "La vérité Changera l' Art". Gives beginning to a series still open, captured by her camera, presented in casual, random and arbitrary manner, confirming the widespread use in multiple contexts of the word ART, verified in her travels. To that first one, that associated the truth as a driver of change in a system that is identified with a capital letter, followed many others who were visualized not necessarily within a cultural center, but on the street, in advertisements, as nominating a coffee, in the patent of the 40's typical cars from Cuba, in the t-shirt of a girl in the middle of a performance or as a graffiti in an classic arch in Rome.
El tiempo de la escritura asediada y Una instalación sobre la resistencia De 1971 a 1977 El títul... more El tiempo de la escritura asediada y Una instalación sobre la resistencia De 1971 a 1977 El título de esta muestra individual, plagea, atrae y evoca una parte invisible de la producción de Roberto Elía que data de los años setenta. Durante muchos años, se lo integró a la llamada generación de los ochenta, con quien en verdad estuvo vinculado por edad y porque estaban produciendo al mismo tiempo, pero en parte el equívoco proviene de dos inclusiones en sendos textos. En 1996, Victoria Verlichak publica "En la palma de la mano. Artistas de los Ochenta", donde incluye a Elía junto a Eduardo Médici, Matilde Marín, Remo Bianchedi, Ana Eckell y Fernando Fazzolari. En el mismo año, el Museo de Bellas Artes bajo la dirección de Jorge Glusberg, realiza la muestra "70-80-90 Setenta artistas de las décadas del ochenta y noventa", donde Roberto aparece nuevamente incluido dentro de ese colectivo de producción que campeó en el retorno de la democracia. Si bien esta esquematización no perturbó su producción, comenzó a turbarlo al punto que sirvió para tratar de focalizar en lo que le parece más justo para definir su obra. Cumplidos 62 años, Elía se propuso consumar un viejo mandato, retomando una de sus fuentes de inspiración, el escritor Julio Cortázar que influenció a toda su generación. En 1986 Roberto gana la Beca Guggeheim indagando con recursos visuales y creativos de su particular poética, el libro "Rayuela" dentro del cual en el capítulo 62 se esboza el germen de su famosa novela, considerada la más experimental "62 Modelo para armar" publicada en 1968.
La muestra curada por María José Herrera junto a Mariana Marchesi en Fundación Osde, se propone a... more La muestra curada por María José Herrera junto a Mariana Marchesi en Fundación Osde, se propone algo muy valioso para los tiempos de revisión que corren en nuestro país. Ya desde el prólogo del texto, aspiran a "poner en estado de reflexión y debate" este segmento de la historia tan peculiar, delimitado entre 1969 y 1977. Tal vez valga y mucho esta aspiración viniendo de la historiadora María José Herrera, quien estuviera con Jorge Glusberg tantos años en el Museo Nacional de Bellas Artes, en una etapa que se diferencia radicalmente de esta primera y fructífera actividad del crítico, empresario y gestor del arte argentino. Me resulta necesario poner en evidencia esta diferencia entre aquel pasado distante y el pasado más reciente, pues en muchos casos la valoración de la joven generación que hoy se forma en historia del arte, posee una muy mala imagen de Glusberg, sin poder reconocer lo que este puntilloso trabajo de reconstrucción hace visible tratándose de tiempos muy contradictorios como los aludidos en el segmento de la investigación.
Un periplo por su fecunda obra permiten evidenciar unas recurrencias que ponen en contacto su per... more Un periplo por su fecunda obra permiten evidenciar unas recurrencias que ponen en contacto su percepción estética de artista con su agudeza reforzada en innumerables viajes, lecturas y encuentros. No es casual que las palabras itinerario o territorio aparezcan en varias series en su obra en distintos períodos. También aparecen ideas de señalamientos e inscripciones: las huellas del fuego en el papel, su propia sombra en el paisaje, el humo intenso en la deshabitada planicie, la luz de los faros en la misión de orientar al humano, la belleza de la naturaleza en un estado puro, la necesidad de superar las crisis. Esa apacible capacidad de alistamiento en la obra de sus búsquedas, nos vuelve partícipes de sus desvelos, como si pudiéramos leer un texto de ensayo sobre el rol que se asigna como testigo y protagonista de un mundo cambiante.
Pop glamoroso I Pablo nació en Mar del Plata, una ciudad que posee unos signos que refieren con m... more Pop glamoroso I Pablo nació en Mar del Plata, una ciudad que posee unos signos que refieren con marcada tendencia a ese gesto del pop cercano a la publicidad, el divismo, el espectáculo, el ocio. Si bien siempre pintó y dibujó con pasión nunca había hecho un curso regular. Su primer maestro fue Juan Carlos Castagnino. En Mar Chiquita, el padre de Pablo era gerente de una hostería. Conociendo la pasión que tenía su hijo por el dibujo, pide a Juan Carlos le diera clases. Así Juan deja una primera huella de producción en Pablo: levantarse a la mañana y hacer dibujos, en silencio, con lápiz. Almorzar y descansar un poco, casi sin hablar, hasta reanudar la tarea pero cambiando de material: a la tarde las tintas y el color eran su preferencia. Este amor por la manualidad y la producción es una práctica adquirida por Pablo desde entonces. Luego hace un trayecto con Policastro, artista del detalle y color del más fino gusto. Este maestro le hizo amar el paisaje, descubrirlo en todas sus variables de tono, de organización. En cada pincelada puesta sobre el lienzo hay una recuperación de matices de una visión poética del entorno. Esta enseñanza le permite captar qué color predomina en cada ciudad en la que vivió y usar esos tonos en la construcción de una imagen en la que, sin embargo, el paisaje como tal nunca estuvo presente. Finalmente en el 60 se abre la Escuela de Artes Visuales en un sector del enorme edificio del Club Mar del Plata, que se incendiara al año siguiente. Allí Pablo recuerda que comenzó su relación con algunos compañeros, con los cuales se animará a romper algunas barreras llegando más lejos que el resto. En 1964 viaja solo a Europa por primera vez. Descubre en la Bienal de Venecia un pabellón, que salía de lo común de la media exhibida, en su mayoría informalismo. La vitalidad del pop lo seduce plenamente, el POP de la muestra del Pabellón Norteamericano: Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg y Jim Dine. Estas dos posturas confrontadas darán la pista a sus deseos de transformarse en artista. Queda encantado con la libertad que expresaba esa pintura simple y alegre pero que no callaba nada. Y era pintura y era figurativa, detallista pero con un gesto, que captaba como nadie los signos de esos tiempos.
Hay en la forma elegida una serie de virtudes destacables: su pulcra regularidad de bordes extrem... more Hay en la forma elegida una serie de virtudes destacables: su pulcra regularidad de bordes extremadamente delicados y blancos, así como el sobrio equilibrio entre cóncavo y convexo; de recipiente contenedor ajeno a la necesidad de cambiar o de tecnologizarse. Simple, perdurable en su utilidad.
Gráfica expandida Panorama del grabado argentino contemporáneo 4 al 21 de octubre Villa Victoria ... more Gráfica expandida Panorama del grabado argentino contemporáneo 4 al 21 de octubre Villa Victoria Curaduría y textos: Lic. Pilar Altilio Producción: Equipo Cuatro y Cultura MdP Gráfica expandida nace como resultado de una evidencia constatada en los últimos tiempos. Una técnica tradicional como el grabado, considerada durante mucho tiempo como un arte menor, que comienza a expandirse gracias a las posibilidades abiertas por la reproducción de la imagen con nuevas tecnologías. Esto sumado a los lenguajes más contemporáneos que los artistas utilizan, han permitido pasar de la experimentación al desarrollo de un proyecto, facilitando una renovación, un aire fresco que esta selección de artistas pretende mostrar.
Mientras el tiempo pasa " Ante todo porque la memoria es, ella misma, una imagen " Leonor Arfuch ... more Mientras el tiempo pasa " Ante todo porque la memoria es, ella misma, una imagen " Leonor Arfuch La cita de la investigadora argentina Leonor Arfuch (1) es pertinente al comenzar un recorrido abierto por la trayectoria de Liana Lestard, una artista que mantiene la misma pasión desde la precocidad de la niñez hasta ahora. Para Arfuch, prestigiosa analista de géneros discursivos, subjetividad, identidad, memoria y narrativa hacen parte de una práctica tanto discursiva como artística. Vamos a tomar esas cuatro caras del planteo registrables en las producciones de Lestard desde los inicios, como cuestiones para desentrañar su trabajo. Desde muy pequeña, las cosas del arte le estuvieron cercanas, para explorar, para jugar, para encontrar una forma de comunicar por fuera de la palabra. Esa familiaridad con la producción de imágenes y el río, son dos constantes. En la zona donde nació y vive, el río es hoy un espacio recuperado, pero mucho antes fue nada más que una orilla para caminar y ver lo que traía, siempre sorprendiendo. Juan José Saer (2) cuenta en su texto El río sin orillas refiriéndose a la relación entre la pampa o llanura y el caudal de los hermosos ríos del litoral, que éstos últimos han dejado una " escasa huella en la imaginación popular en relación con la omnipresencia de la pampa ". Afirmación que no solamente es exacta, sino también sorprendente, por una causa que parece verosímil: " creo que la causa del olvido viene justamente de ese exceso de frecuentación. Se estaba tan habituado a ellos, que no tenían nada de exóticos, y una prueba indirecta de esta afirmación podría obtenerse observando que los mejores textos sobre el Paraná, el Uruguay y el Río de la Plata fueron escritos por extranjeros ". Liana preserva algunas memorias sobre ese río y también sabe de causalidades, como la de formar familia con un oriundo del delta. Cercanías personales que propiciaron parte de su trabajo ligado al paisaje como un elemento inspirador, como una inagotable fuente de sentidos. Es cierto que existen varias categorías para el paisaje que Lestard ha explorado. Los paisajes externos con sus partes definidas entre el cielo y la tierra por una línea de horizonte y los otros, funcionando como parte de un proceso de hacer visible un estado interno. El paisaje como una construcción ejecutada mediante una técnica propia que la lleva a comenzar a trabajar con el mismo placer de siempre, valorando ese encuentro entre el deseo y los materiales. Liana no presume de tener todo pensado desde el inicio cuando aborda la tela en blanco, se desliza convenientemente por un tiempo a veces más largo que otro sobre algunas cuestiones que la sorprenden y que, de algún modo concreto, se solapan en su vida cotidiana. Viajes exploratorios tanto geográficos como históricos y culturales cargados de esa subjetividad ligada a una identidad que la hace seguir eligiendo un lugar de pertenencia. La serie Horizontes, que despliega en la década de los 90', enhebra de manera muy activa, una sucesión de conceptos: somos de la llanura, sitiados por el horizonte y el omnipresente cielo, casi " isleños en un mar de pampa " como sostuvo Martínez Estrada (3). Una vibración de la línea y el color siguen siendo su marca visible, entraman imagen, escritura, arte y oralidad en un sistema donde subjetividad y objetividad producen una variante en la década siguiente. " Los ríos y arterias que aparecían en los paisajes naturales se fueron haciendo autopistas, ríos urbanos, que vistos desde lo alto llamé Navegantes urbanos " , cuenta Liana en una conversación sobre la forma que va adquiriendo su trabajo. Resulta muy claro percibir estos detalles como formando parte de ese concepto amplio que remite a una identidad narrativa, una capacidad de percibir en cada nueva serie un plano intersticial donde aparece algo muy bien
Análisis y comentarios de la obra expuesta de León Ferrari en el Museo de Arte Moderno de Buenos ... more Análisis y comentarios de la obra expuesta de León Ferrari en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Un texto para acompañar su libro donde analizo las relaciones semánticas y sintácticas de su vide... more Un texto para acompañar su libro donde analizo las relaciones semánticas y sintácticas de su video performance Eternel regard.
Reseña de sus últimos trabajos, la conexión con los anteriores y una apreciación de sus próximos ... more Reseña de sus últimos trabajos, la conexión con los anteriores y una apreciación de sus próximos pasos.
El mecanismo de percepción que lleva a Matilde Marín a encontrar, una y otra vez, la palabra ARTE... more El mecanismo de percepción que lleva a Matilde Marín a encontrar, una y otra vez, la palabra ARTE en sus viajes, comienza por un cartel de caligrafía cuasi manual fotografiado en 1998 en el Centre Pompidou de París. Se trata, nada menos, de aquel que sostiene "La vérité changera l'Art". Da inicio a una serie aún abierta, captados por su cámara, que se presentan en forma casual, aleatoria y fortuita, confirmando el uso extendido en múltiples contextos de la palabra ARTE, verificada en sus recorridos.
The mechanism of perception that leads Matilde Marín to find, again and again, the word ART on he... more The mechanism of perception that leads Matilde Marín to find, again and again, the word ART on her trips, start with a calligraphy poster, nearly a photography manual, in 1998 at the Centre Pompidou in Paris. This is nothing less than which holds "La vérité Changera l' Art". Gives beginning to a series still open, captured by her camera, presented in casual, random and arbitrary manner, confirming the widespread use in multiple contexts of the word ART, verified in her travels. To that first one, that associated the truth as a driver of change in a system that is identified with a capital letter, followed many others who were visualized not necessarily within a cultural center, but on the street, in advertisements, as nominating a coffee, in the patent of the 40's typical cars from Cuba, in the t-shirt of a girl in the middle of a performance or as a graffiti in an classic arch in Rome.
El tiempo de la escritura asediada y Una instalación sobre la resistencia De 1971 a 1977 El títul... more El tiempo de la escritura asediada y Una instalación sobre la resistencia De 1971 a 1977 El título de esta muestra individual, plagea, atrae y evoca una parte invisible de la producción de Roberto Elía que data de los años setenta. Durante muchos años, se lo integró a la llamada generación de los ochenta, con quien en verdad estuvo vinculado por edad y porque estaban produciendo al mismo tiempo, pero en parte el equívoco proviene de dos inclusiones en sendos textos. En 1996, Victoria Verlichak publica "En la palma de la mano. Artistas de los Ochenta", donde incluye a Elía junto a Eduardo Médici, Matilde Marín, Remo Bianchedi, Ana Eckell y Fernando Fazzolari. En el mismo año, el Museo de Bellas Artes bajo la dirección de Jorge Glusberg, realiza la muestra "70-80-90 Setenta artistas de las décadas del ochenta y noventa", donde Roberto aparece nuevamente incluido dentro de ese colectivo de producción que campeó en el retorno de la democracia. Si bien esta esquematización no perturbó su producción, comenzó a turbarlo al punto que sirvió para tratar de focalizar en lo que le parece más justo para definir su obra. Cumplidos 62 años, Elía se propuso consumar un viejo mandato, retomando una de sus fuentes de inspiración, el escritor Julio Cortázar que influenció a toda su generación. En 1986 Roberto gana la Beca Guggeheim indagando con recursos visuales y creativos de su particular poética, el libro "Rayuela" dentro del cual en el capítulo 62 se esboza el germen de su famosa novela, considerada la más experimental "62 Modelo para armar" publicada en 1968.
La muestra curada por María José Herrera junto a Mariana Marchesi en Fundación Osde, se propone a... more La muestra curada por María José Herrera junto a Mariana Marchesi en Fundación Osde, se propone algo muy valioso para los tiempos de revisión que corren en nuestro país. Ya desde el prólogo del texto, aspiran a "poner en estado de reflexión y debate" este segmento de la historia tan peculiar, delimitado entre 1969 y 1977. Tal vez valga y mucho esta aspiración viniendo de la historiadora María José Herrera, quien estuviera con Jorge Glusberg tantos años en el Museo Nacional de Bellas Artes, en una etapa que se diferencia radicalmente de esta primera y fructífera actividad del crítico, empresario y gestor del arte argentino. Me resulta necesario poner en evidencia esta diferencia entre aquel pasado distante y el pasado más reciente, pues en muchos casos la valoración de la joven generación que hoy se forma en historia del arte, posee una muy mala imagen de Glusberg, sin poder reconocer lo que este puntilloso trabajo de reconstrucción hace visible tratándose de tiempos muy contradictorios como los aludidos en el segmento de la investigación.
Un periplo por su fecunda obra permiten evidenciar unas recurrencias que ponen en contacto su per... more Un periplo por su fecunda obra permiten evidenciar unas recurrencias que ponen en contacto su percepción estética de artista con su agudeza reforzada en innumerables viajes, lecturas y encuentros. No es casual que las palabras itinerario o territorio aparezcan en varias series en su obra en distintos períodos. También aparecen ideas de señalamientos e inscripciones: las huellas del fuego en el papel, su propia sombra en el paisaje, el humo intenso en la deshabitada planicie, la luz de los faros en la misión de orientar al humano, la belleza de la naturaleza en un estado puro, la necesidad de superar las crisis. Esa apacible capacidad de alistamiento en la obra de sus búsquedas, nos vuelve partícipes de sus desvelos, como si pudiéramos leer un texto de ensayo sobre el rol que se asigna como testigo y protagonista de un mundo cambiante.
Pop glamoroso I Pablo nació en Mar del Plata, una ciudad que posee unos signos que refieren con m... more Pop glamoroso I Pablo nació en Mar del Plata, una ciudad que posee unos signos que refieren con marcada tendencia a ese gesto del pop cercano a la publicidad, el divismo, el espectáculo, el ocio. Si bien siempre pintó y dibujó con pasión nunca había hecho un curso regular. Su primer maestro fue Juan Carlos Castagnino. En Mar Chiquita, el padre de Pablo era gerente de una hostería. Conociendo la pasión que tenía su hijo por el dibujo, pide a Juan Carlos le diera clases. Así Juan deja una primera huella de producción en Pablo: levantarse a la mañana y hacer dibujos, en silencio, con lápiz. Almorzar y descansar un poco, casi sin hablar, hasta reanudar la tarea pero cambiando de material: a la tarde las tintas y el color eran su preferencia. Este amor por la manualidad y la producción es una práctica adquirida por Pablo desde entonces. Luego hace un trayecto con Policastro, artista del detalle y color del más fino gusto. Este maestro le hizo amar el paisaje, descubrirlo en todas sus variables de tono, de organización. En cada pincelada puesta sobre el lienzo hay una recuperación de matices de una visión poética del entorno. Esta enseñanza le permite captar qué color predomina en cada ciudad en la que vivió y usar esos tonos en la construcción de una imagen en la que, sin embargo, el paisaje como tal nunca estuvo presente. Finalmente en el 60 se abre la Escuela de Artes Visuales en un sector del enorme edificio del Club Mar del Plata, que se incendiara al año siguiente. Allí Pablo recuerda que comenzó su relación con algunos compañeros, con los cuales se animará a romper algunas barreras llegando más lejos que el resto. En 1964 viaja solo a Europa por primera vez. Descubre en la Bienal de Venecia un pabellón, que salía de lo común de la media exhibida, en su mayoría informalismo. La vitalidad del pop lo seduce plenamente, el POP de la muestra del Pabellón Norteamericano: Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg y Jim Dine. Estas dos posturas confrontadas darán la pista a sus deseos de transformarse en artista. Queda encantado con la libertad que expresaba esa pintura simple y alegre pero que no callaba nada. Y era pintura y era figurativa, detallista pero con un gesto, que captaba como nadie los signos de esos tiempos.
Hay en la forma elegida una serie de virtudes destacables: su pulcra regularidad de bordes extrem... more Hay en la forma elegida una serie de virtudes destacables: su pulcra regularidad de bordes extremadamente delicados y blancos, así como el sobrio equilibrio entre cóncavo y convexo; de recipiente contenedor ajeno a la necesidad de cambiar o de tecnologizarse. Simple, perdurable en su utilidad.
Gráfica expandida Panorama del grabado argentino contemporáneo 4 al 21 de octubre Villa Victoria ... more Gráfica expandida Panorama del grabado argentino contemporáneo 4 al 21 de octubre Villa Victoria Curaduría y textos: Lic. Pilar Altilio Producción: Equipo Cuatro y Cultura MdP Gráfica expandida nace como resultado de una evidencia constatada en los últimos tiempos. Una técnica tradicional como el grabado, considerada durante mucho tiempo como un arte menor, que comienza a expandirse gracias a las posibilidades abiertas por la reproducción de la imagen con nuevas tecnologías. Esto sumado a los lenguajes más contemporáneos que los artistas utilizan, han permitido pasar de la experimentación al desarrollo de un proyecto, facilitando una renovación, un aire fresco que esta selección de artistas pretende mostrar.
Dos artistas que se formaron juntos, inician una serie de experiencias a partir del primer happen... more Dos artistas que se formaron juntos, inician una serie de experiencias a partir del primer happening de Mar del Plata Todo es Amor, pensado por Pablo Menicucci y realizado con Mercedes Esteves. La muestra curada por especialistas en cada artista, Rodrigo Alonso para Esteves, Pilar Altilio para Pablo Menicucci, marcó un hito en la narrativa de la historia del arte marplatense.
El espíritu pop. Arte argentino de los sesenta. Mar del Plata. Museo de Arte Contemporáneo (MAR), 2013
Catálogo de la exposición "El espíritu pop. Arte argentino de los sesenta", un panorama de las ar... more Catálogo de la exposición "El espíritu pop. Arte argentino de los sesenta", un panorama de las artes visuales argentinas en la década de 1960 autodenominadas o influenciadas por la estética pop. Incluye a artistas como Marta Minujin, Delia Cancela, Pablo Mesejean, Antonio Seguí, Edgardo Giménez, Federico Manuel Peralta Ramos, Martha Peluffo, Luis Benedit, Marie Orensanz, entre muchos otros
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Papers by Pilar Altilio