Brazilian Music

This doctoral essay studies the Brazilian elements in Villa-Lobos's Cello Concerto No. 2.  It shows how these components infuse the finished score and how they appeared in the compositional process.  By understanding the composer's inspirational sources we might enlighten any performance of the concerto.  Although Villa-Lobos does not directly quote any folk themes, the music sounds definitively Brazilian: folk-like elements and dance rhythms permeate the score.  In order to understand Villa-Lobos's use of vernacular elements in the Concerto, this study traces his background, musical style in general, and his particular affection to the cello.  This latter aspect of the study might unveil what compelled him to write such a piece.  In terms of the finished score, we discuss Villa-Lobos's use of Brazilian folk materials, such as idiomatic themes, harmony, rhythm, texture, form, and instrumental color.  Some of these elements are obvious at the surface of the music but others are hidden in the texture.  We consider, in particular, the influence of the guitar in Villa-Lobos's writing as well as the use of rhythmic patterns derived from Brazilian folk instruments, such as the berimbau and pandeiro.  Moreover, we discuss some of the implications of trying to absorb vernacular material into the rarified genre of the concerto.
Concerning the genesis of the piece, we discuss Villa-Lobos's sketches and manuscripts, currently owned by the Villa-Lobos Museum in Rio de Janeiro.  These materials, which are available in facsimile, shed important light on Villa-Lobos's creative approach, as well as on the composition process of the work.  Finally, this doctoral essay does not intend to make an ethnomusicological study of the Brazilian culture, its ultimate purpose is to demonstrate how the understanding of the Brazilian sources might be helpful in shaping the interpretation of the piece.

Resumo: Discussão sobre os conceitos de hibridismo, musicalidade, fricção e fusão de musicalidades e tópicas da musi-calidade brasileira. O objetivo é refletir sobre a questão da mudança e a transformação nos gêneros musicais, bem como a da permanência de elementos e figurações musicais que, por sua vez, carregam consigo nexos sócio-culturais e históricos que, de alguma forma, são experimentados pelos músicos e audiências. Tendo como foco questões da música brasileira, este artigo apresenta a busca de tópicas musicais (" brejeiro " , " época-de-ouro " e " nordestina ") como uma ferramenta para enfrentar o problema das transformações no mundo da música. Palavras-chave: hibridismo; musicalidade; tópicas musicais; música brasileira. Abstract: Discussion about concepts such as hybridism, musicality, friction and fusion of musicalities, and the topics of the Brazilian musicality. It aims at reflecting on the question of the change and transformation in musical genres, as much as that of the permanence of musical elements and figurations that, in its turn, carry socio-cultural and historical connections that are somehow experienced by musicians and audiences. Focusing on questions of the Brazilian music, this article presents the search for musical traces called topics (" brejeiro " [maliciously smart ], " época-de-ouro " [good times], and " nor-destina " [northeasterly Brazilian]) as a tool to face the problem of the transformations in the world of music.

Review of Ivan Fontanari’s 2013 book Os Djs da perifa: música eletrônica, trajetórias e mediações culturais em São Paulo (The Periph DJs: electronic music, trajectories and cultural mediations in São Paulo), written by request from The World of Music (New Series), which rejected it because "it is not usual for reviews to cite from the book reviewed". Short version submitted to Dancecult: Journal of Electronic Dance Music Culture on 10 February 2016.

Resumo: O artigo traça paralelos entre os princípios de ensino de Nadia Boulanger e o pensamento composicional de Almeida Prado: busca pela originalidade, culto à música dos mestres do passado, busca constante de conhecimento, técnica a serviço da expressão musical e macro estruturas ou la grand-ligne.

Régis Duprat (Yearbook-Tulane 1968; Art-UFBA 1983; EDUNESP 1999) – Estanco da Música (resumo)
O artigo destaca que o mercado natural de trabalho do músico no período colonial eram as igrejas. A religiosidade profunda da sociedade colonial integra a música como fator de brilho e engrandecimento do culto. Nesse contexto, as Sés colocavam-se a exigência de apresentar a melhor música dentre as demais igrejas da cidade. O mestre-de-capela é a peça mestra desse sistema: contrata serviços, recebe e paga os executantes de sua escola e os elege conforme suas conveniências artísticas e pecuniárias. O estanco era a concessão do monopólio do beneficiamento e venda de certos produtos de consumo e serviços – o sal, o tabaco, o correio – com o fim de lucrar e criar recursos para a Fazenda Real. O estanco é uma figura jurídica ocorrente na música do Brasil colonial e tratada pela primeira vez na historiografia musical brasileira por Duprat em 1968. A mais antiga menção à prática do estanco da música data de 1698. Já o termo, aplicado à música, data de 1709. Podemos distinguir duas fases, cronologicamente distintas, no desenvolvimento da prática e da polêmica do estanco da música naquele período: uma, que parte do "laissez faire" inicial, durante o qual não se observa ainda uma consciência clara sobre o que estaria acontecendo, e outra fase, em que surgem os primeiros fatos seguidos de protestos isolados contra aquela prática. A primeira fase vai de 1698 a 1709 e a segunda, de 1709 a 1806. O artigo utiliza a documentação que a partir dessas datas abordam o problema do monopólio da música no Brasil colonial e que conduz ao posicionamento, em 1716, do Arcebispo da Bahia, dom Sebastião Monteiro da Vide que, em cartas a El-Rei, chega a questionar a competência ou jurisdição dos ministros para o enfrentamento do problema que, afirma, é um assunto atinente à igreja e que o cantar nelas não seria jamais jurisdição secular, cabendo exclusivamente ao papa dirimir dúvidas em tais questões. Na própria época não se identifica, com precisão, o âmbito de competência ou jurisdição da matéria, pois para o Conselho Ultramarino, seria a Mesa de Consciência e Ordens, à qual eram afetos os assuntos da administração religiosa, enquanto que para o Procurador da Fazenda, bastava ao Rei mandar cessar as irregularidades. No caso da música o agente do estanco é a autoridade eclesiástica; mas a prática é ilegal e vedada pela administração metropolitana. Pelo estanco, o bispo passa provisão ao mestre-de-capela e dá-lhe o direito de cobrar taxa para autorizar outros mestres a fazerem música nas demais igrejas de sua jurisdição. A pensão cobrada pela autoridade eclesiástica ao mestre-de-capela, seria a licença, ou parte dela, cobrada pelo mestre ao autorizar os músicos independentes a fazerem música nas festas das outras paróquias que não a Sé e/ou das irmandades em geral. O produto dessas taxas devia reverter em benefício do serviço da música no templo principal da cidade, compensando os baixos salários pagos pela Fazenda Real ao mestre-de-capela da Sé. Podemos discernir na prática do estanco da música no Brasil colonial pelo menos três aspectos interagentes: o econômico-social; o jurídico-eclesiástico, onde se contrapõem Igreja e Estado, tentando este último, proibir o estanco que ele próprio pratica com relação a outros serviços e produtos de consumo; e o aspecto estético-religioso. O estanco também constituía uma forma de controle estético sobre a música litúrgica. E havia interesses estéticos em choque. A vivência estético-cultural não pode ser diminuída em favor da predominância do fator econômico-social, sob pena de deformação da natureza e dos problemas de um grupo, comunidade ou sociedade.

Maracatu rural or de baque solto (rural-style or free-beat) is a Carnival performance-ritual occurring in the Zona da Mata Norte region of Pernambuco state (Brazil), and strongly associated with an afro-indigenous worship known as Umbanda-Jurema (Garrabé, 2010; Teixeira, 2018). While the urban type of Maracatu, called nação or de baque virado (nation-style or turned-around beat) has spread out internationally (Cruz 2012), Maracatu de baque solto has remained a local and understudied cultural practice. Maracatu de baque solto is a "multi-modal" performance, featuring up to 200 members: a board of directors, tens of masqueraded dancers, 2 poets (mestres de apito) improvising short, chanted verses, a brass section formed by 2 to 4 musicians (músicos) playing trumpets and trombones, and a group of 5 percussionists called terno[2] (Figure 1). Previous field research suggested that these aesthetic means act as protective devices against negative entities unleashed by rivals' envy, affecting people's health (Bonini Baraldi, in press). Sounds and movements, when executed "in consonance" (consonância), i.e., in a highly coordinated way, are believed to "lock" (fechar) the performers' bodies, protecting them. Conversely, a non-coordinated musical or kinetic action produces "holes" (furos) that may "fracture" (desmantelar) the group, exposing its members to any kind of health problems. Our long-term aim is to understand how this high level of acoustic and choreographic coordination is achieved in Maracatu performances. In conjunction with field-research, we believe that recording the terno in separate parts, and the musicians' and dancers' movements with Motion Capture (MoCap) technologies, will allow us to "translate" the concepts of "consonance" and "closure" at the formal level of music and dance analysis. This paper describes how we obtained these multimodal recordings. Additionally, we present some preliminary considerations on the automatic onset detection of the terno instruments. In future research, these onsets will be useful to analyze what musicians mean when they say that the terno is "closed" (highly coordinated). Onset detection also allows the visualization of microtiming profiles, thus contributing to ongoing research on timing deviations in other Latin-American musical genres (Naveda et al., 2011, Fuentes et al., 2019).

This dictionary entry focuses on the dissemination of Heitor Villa-Lobos’s music in the United States during his lifetime, both before and after the Brazilian composer’s first visit to the country in 1944 and including original research by the author.

This article examines the key themes and cultural meanings of 'classic' capoeira lyrics, e.g. prior to the 1960s. First published in: David Treece, Nancy Naro, Roger Sansi (eds.) The Portuguese Black Atlantic, London: Palgrave Macmillan, pp. 199-217. (ISBN-13:978-0-230-60047-8; ISBN-10:0-23--60047-6)

Parallel Wiring: Brazil and the invention of the solid body electric guitar The sound of the Trio Elétrico is the sound of carnaval in the northeastern Brazilian state of Bahia. In 1950 two local musicians, Dodô Nascimento and Osmar Macêdo, paraded during Salvador's Carnival performing in a 1929 Ford equipped with two speakers. These speakers were amplifying their unique electric instruments; a solid body electric guitar trio of cavaquinho (the Brazilian soprano guitar), violão (the six-string guitar) and triolim (tenor guitar). This was the very first Trio Elétrico to perform in Bahia and from that moment Trio Elétricos and the guitarra baiana became synonymous with carnaval in Salvador and Brazil. During the 1930s and 40s when the electric guitar was being developed in North America, the electric guitarra baiana appeared independently in Salvador, Bahia. This curious coincidence has inspired claims that the solid-body electric guitar may have been invented in Brazil. The invention of the electric guitar in the 20 th Century had an enormous impact on the practise, popularity and commercialisation of music. The relationship between the guitar and the listening public was forever altered with the introduction of electromagnetic pickups, amplification and the solid body electric guitar. The creation and development of the electric guitar and its related electronics reflected the changing times, both artistically and culturally (Brosnac 1975).The evolution of the guitar into an electronic instrument was inevitable, increased volume becoming a musical necessity with the expansion in the size of bands in the 1930's. Without going into advanced electronics and engineering, it is fair to say that the pickup is the essential element in any electric guitar. The magnetic field created by the pickup transforms the vibration of the string into an electronic signal that can then be amplified (Tolinski and Di Perna, 2016). Traditional acoustic guitar building focuses on the soundboard as the source of tone production, and the early electric guitar experiments focused on attempts to amplify the vibrations of the guitar's soundboard. However, it was George Beauchamp that realised the string is the best source of vibration (Tolinski and Di Perna, 2016). In 1930-31 Beauchamp had mounted his early pickup experiments on a piece of two-by-four inch timbre using just a single string as the source of vibration, with his design proving to be successful he went about building a full-sized guitar prototype. Tolinski and Di Perna (2016) suggest that while others had tried this kind of thing, it appears only Beauchamp followed through his experiment to its logical conclusion. Beauchamp enlisted the help of his friends, Aldoph Rickenbaker, Harry Watson and Paul Berth to design and build a full-size electric guitar. Together the four men created the Ro-Pat-In company. The initial design they came up with was the 'Frying pan' also called the 'Panhandle' and 'Pancake'. These descriptive names appear apt as the instrument's long neck and small circular body shape resembled a frying pan. The original prototype was made from wood; however, the production models were made from aluminium, a result of the Ro-Pat-In legacy of having worked in The National String Instrument Corporation making cast-iron Dobro instruments. (Tolinski and Di Perna, 2016). The instrument was primarily designed for playing Hawaiian-style, that is horizontally on the lap, although it could be also played using a traditional posture, at the time referred to as Spanish Style. In 1932 the A-25 production model, 25 referring to the scale length in inches, was launched followed by the A-22 which went on to outsell the 25-inch model. The guitar was branded Ro-Pat-In, then Rickenbahcer and ultimately Rickenbacker Electro. The market in the early 1930's was essentially professional players. (Tolinski and Di Perna, 2016).

Bibelstellen- und Namenregister, praktische sowie historische Anmerkungen zum Gesangbuch "Hinos do Povo de Deus" (1981 und öfter) der Evangelisch-Lutherischen Kirche in Brasilien (IECLB ).

Erschienen in Estudos Teológicos , vol. 38, n. 3, 1998, 273-281.

O Batuque está entre as obras mais populares de Nepomuceno. Assim como Cauchemar, de Francisco Braga, e a Congada, de Mignone, não foi escrita no Brasil. Esta peça, que faz parte da Série Brasileira, foi composta enquanto o compositor estava na Alemanha, em 1891. Com o subtítulo Dança de Negros, adquiriu notoriedade separadamente da Suíte. Teve várias gravações, e certamente influenciou o aparecimento de outros tantos Batuques que fazem parte do repertório sinfônico e pianístico brasileiro. A característica do Batuque é a tendência ao acelerando frenético, apoiado sempre no elemento rítmico, que em sua forma popular dançada, era acompanhado por movimentos coreográficos de braços, cabeça e quadris.

O minimalismo surgiu na década de 1960 nos Estados Unidos envolto em muitas questões controversas. No Brasil não deixaram de existir conflitos de opinião e posturas estéticas divergentes frente ao estilo. Este debate enriquece o pensamento sobre a música nacional e aponta para as diversas correntes estéticas presentes na produção musical brasileira.

Em fevereiro de 1871, o Club Mozart reuniu seus membros e convidados para um grande concerto em homenagem a Henrique Alves Mesquita. Tomados pela admiração e simpatia que devotavam ao compositor desencavaram da poeira do esquecimento a pérola mais luminosa do diadema do artista : a ópera O Vagabundo, ou a Infidelidade, Sedução e Vaidade. Após a brilhante performance, objetos valiosos foram ofertados ao compositor, como uma pena de ouro e um álbum com capa de veludo carmesim enfeitado nos cantos com ornatos de ouro. No centro deste álbum havia uma lira, cujas cordas eram entrelaçadas por um ramo de louro. Este seria um dos poucos momentos de celebração a sua obra que Mesquita desfrutou em vida.

The mid-twentieth century songs of popular singer Luiz Gonzaga include lyrics about northeastern Brazil’s traditional ecological knowledge. For individuals who predict rain and drought based on natural patterns in the region’s semi-arid backlands, Gonzaga’s music continues to lend credibility, clarity, and local significance to the practice known as rain prophecy. Through cultural history, lyrical and musical analysis, and ethnography, this article examines the process through which Gonzaga’s voice became a vehicle for the transmission of knowledge about the weather, suggesting that music produced through a profit-driven industry has played a role in the maintenance of local ecological knowledge.

The lecture aims to present an overview of 20th century Brazilian vocal music, focusing on art song, folk and popular song and also choral music. To examine these distinct genres of vocal music, we analyse the song as the locus of alliance between word and music.

Quase sempre louvado pela crítica e publico como o “resistente ideal”, a imagem de Chico Buarque idolatrada por muitos não dá conta dos paradoxos e ambigüidades vividos pelo compositor especialmente no início da carreira. O artigo mostra que até 1968 a imagem hegemônica sobre o compositor era de que ele era “brincalhão” e “bom moço”, imagem bem diferente da versão construída pelo próprio e pelo publico após 1971: “tímido” e “resistente”. Longe de querer negar sua luta contra a ditadura o artigo propõe-se a estudar como e porque em 1968 ele era adorado por ter escrito a ousada peça Roda-viva e ter entre seus fãs o presidente Costa e Silva.

This article is about the construction of the image of the famous brazilian composer and singer Chico Buarque, which has since the military dictatorship of the 70s been associated with the resistence against the authoritarian regime. I intended to show how this image was built and which mediatons were used in this construction.


Artigo publicado como:
ALONSO, Gustavo « Modernité musicale et mythologie politique: La construction résistante du mythe « Chico Buarque » IN: Reis Filho, Daniel et Roland,
Dennis. Modernités nationales – Modernité Importée entre Ancien et Nouveau Mone XIXe-XXIe siècle. Paris : L’Harmattan. 2012. ISBN : 978-2-296-99603-8

este artigo é um versão francesa do artigo em português: ALONSO, Gustavo. "Quando a versão é mais interessante que o fato: a construção do mito Chico Buarque". In: Reis Filho, Daniel Aarão; Rolland, Denis. (Org.). Intelectuais e modernidades. Rio de Janeiro: FGV, 2010, v. , p. 161-194.

Este livro organizado é fruto de uma pesquisa conjunta que se inicia nos anos de 2009/2010 com a criação do Grupo de Pesquisa metodologia e Concepção Social do Ensino Coletivo Instrumental. Em 2018, passa a denominação atualizada para Centro de Musicologia de Penedo-CEMUPE vinculado a Universidade Federal de Alagoas. Busca nesta etapa recuperar o arquivo musical do Maestro Aquino Costa Japiassu onde os autores relatam os objetivos de sua obra instrumental e inauguram dentro do selo proposto a serie de obras neste gênero musical filarmônico que são os Dobrados, para Banda de Música.

Este trabalho procura compreender a produção violonística de Radamés Gnattali e sua relação com o instrumento. Desde as peças para violão solo, para duos, concertos e outras formações contendo o instrumento, assim também como sua fértil relação com os grandes intérpretes e amigos violonistas, que fizeram parte da vida profissional e criativa do compositor.

Resumo: O presente artigo propõe uma forma alternativa de se discutir a execução de ritmos brasileiros na bateria tendo como enfoque a performance individual, quando esta se distancia da representação (adaptação) do instrumental típico da percussão. O objetivo do artigo é apresentar uma possibilidade de compreensão da estética e do significado destas abordagens singulares, cotejando autores como COOK (1998) e OLIVEIRA PINTO (2000) e indicadores extraídos de transcrição musical e entrevistas com o baterista Nenê.

Brazilian Rhythms for Drumset: signifying by transubstantiation Abstract: The present paper proposes an alternative way to discuss the brazilian rhythms execution in the drumset, with a particular focus to individual performance, which practice differs from the representation (adaptation) of the typical percussion instruments. The aim of this paper is to propose a possibility of understanding of aesthetics and meaning of these unique approaches, comparing authors such as COOK (1998) and OLIVEIRA PINTO (2000) and data extracted from musical transcription and interviews with drummer Nenê.

Three codices of music in tablature for the viola (five-course guitar) are about all that remains from the seventeenth- to mid-eighteenth century Portuguese repertory for that instrument. These extremely varied sources illustrate in a remarkable way the musical interactions between Portugal, other European countries, and Iberian colonies. Moreover, part of their content seems to fit into a gray area between art music and the music of oral traditions.
While this dissertation examines these issues in the context of the history of the
instrument and its players in Portugal and Brazil, a substantial section of the
dissertation deals with the origins, development, and transmission of the repertory, isolating some particular Portuguese features from more general characteristics of musical forms and dance-types.
An important part of this repertory relates to the Portuguese colonies in Africa and
South America. This dissertation examines this connection in the Iberian-American musical and literary context, giving special attention to the works of Brazilian poet Gregório de Mattos Guerra (1636-1696). It considers the propagation of this repertory in Brazil as seen in his poetry, and how Brazil may have played a role in the transmission and development of part of this repertory.
An anthology with more than one hundred pieces from Portuguese sources, both in tablature and in conventional notation, with reconstruction of the rhythm, is presented as an appendix to the dissertation.

DVORÁK Sinfonia nº 4 em ré menor, op. 13 Marcos Arakaki, regente Anna Malikova, piano BRAHMS Abertura Trágica, op. 81 SAINT-SAËNS Concerto para piano nº 4 em dó menor, op. 44 NEPOMUCENO Sinfonia em sol menor Fabio Mechetti, regente Ian Parker, piano GUERRA-PEIXE Ponteado GUERRA-PEIXE Suíte sinfônica nº 1, "Paulista" GERSHWIN Abertura Cubana GERSHWIN Concerto em Fá p. 8 p. 26 p. 40 SUMÁRIO Ministério da Cultura e Governo de Minas apresentam César GUERRA-PEIXE Ponteado [5 min] César GUERRA-PEIXE Suíte sinfônica nº 1, "Paulista" [23 min] Cateretê (Allegretto -Moderato) Jongo (Vivace) Recomenda de almas (Andante solene) Tambu (Andante -Presto) primeira audição em belo horizonte i n t e r va l o -George GERSHWIN Abertura Cubana [10 min] [33 min]

Text-music-image of Elis Regina: an analysis of Ladeira da Preguiça by Gilberto Gil and Atrás
da porta by Chico Buarque and Francis Hime
Abstract: Two case studies about the text-music-image relationship in diametrically opposed performance atmospheres
by Brazilian singer Elis Regina, in the songs Ladeira da Preguiça by Gilberto Gil and Atrás da porta by Chico Buarque
and Francis Hime. Departing from an adaptation of the music-movement correspondence proposed by HAGA (2008),
the analyses of historical video recordings (REGINA e GIL, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973; REGINA, BUARQUE e
HIME, 1973/2006) and lead sheets (GIL, 1992; BUARQUE e HIME, 1999) reveal the interaction between textual, musical
and stage performatic elements. Based on these interactions, Elis Regina plans ahead and consolidates her stage gestures
in a structured and planned manner, contrasting or reinforcing different emotional moods.
Keywords: interpretation by Elis Regina; text-music-image relationship; musical performance and body gesture; Brazilian
popular music; analysis of musical multimedia.

Resumo: Este artigo apresenta uma perspectiva histórica e considerações do processo de transcrição/edição do Te Deum CPM 92 de José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) desenvolvido pelo grupo de pesquisa em Linguagem Musical autógrafas e não autógrafas utilizadas neste trabalho, assim como explanações do caminho percorrido nas decisões editoriais. Palavras-chave: Música colonial brasileira, Te Deum, José Maurício Nunes Garcia, Edição musical. Abstract: This article presents a historical perspective and considerations about the transcription/edition process of the Te Deum CPM 92 of José Maurício Nunes Garcia (1767-1830) developed by the research group on Brazilian Musical Language of the Music Education degree at UNASP, Campus Eng. Coelho/SP. There are descriptions of autograph and non autograph manuscript sources and explanations of the path taken in the editorial decisions.

Análise das referencias musicais na obra de Gregório de Mattos (1636-1696) no contexto das práticas luso-brasileiras do século XVII. Acompanha uma antologia de partituras compilada a partir de fontes ibéricas com obras mencionadas e/ou reelaboradas por Mattos.

Musical references in the works of Gregorio de Mattos (1636-1696) are examined in the context of seventeenth-century Luso-Brazilian musical practices. A score anthology, drawn from Iberian sources, features works that Mattos mentioned or used as a source material.

É bastante sabido que a Fundação Biblioteca Nacional guarda um riquíssimo acervo de periódicos brasileiros. Menos conhecido é o fato destes jornais e revistas terem publicado muita música, especialmente durante o longo século XIX. Como está impressa no interior dos volumes, boa parte das partituras é de difícil localização. Com a intenção de aumentar a visibilidade desse valioso repertório, reunimos aqui a edição musical de sessenta canções, publicadas entre 1842 e 1922, tomando o cuidado de ressaltar sua qualidade e variedade. Para tornar as partituras mais acessíveis internacionalmente, elas trazem uma transcrição fonética e uma tradução inglesa dos poemas.

Garota de Ipanema (The Girl From Ipanema nella versione in inglese, su testo di Norman Gimbel) è una canzone composta nel 1962 da Vinícius de Moraes e Antônio Carlos Jobim ed è probabilmente, con Samba de Uma Nota Só, il brano di bossa nova più noto e più eseguito al mondo.

José Fortunato Fernandes holds a Phd in Music. He has been teaching about music education and social inclusion as well as developing extension and research projects on music in prisons in Brazil. ORCID: https://orcid.org/0000-0001-5883-3046. Facebook: https://www.facebook.com/josefortunato.fernandes. Twitter: @jfortunatof7. LinkedIn: linkedin.com/in/josé-fernandes-17932842.

Nas últimas décadas, a música brasileira tornou-se objeto de pesquisa de diferentes áreas das Humanidades. Pesquisadores e pesquisadoras da Musicologia, História, Sociologia e da Comunicação estão reunidos em Diálogos Interdisciplinares sobre a Música Brasileira e nos ensinam variadas formas de abordagem teórica e metodológica da música, enfocando as transformações ocorridas propriamente na linguagem musical, as relações de dependência entre músicos de concerto com círculos das elites econômicas e culturais em São Paulo, os músicos de rua na contemporaneidade, a música como expressão das dores, alegrias e lutas da juventude periférica numa sociedade desigual e discriminatória,  as transformações da indústria fonográfica desde os anos 1980, o crescimento da pirataria de discos, o desenvolvimento dos meios digitais de produção e difusão da música.  A presente coletânea espera contribuir para a reflexão mais ampla e sob diferentes pontos de vista sobre a música brasileira e suas relações com grupos sociais, o mercado e a política.

Minimalism arose in the United States during the sixties surrounded by many controversial attitudes. There have been also conflicts of opinion and diverging aesthetical positions towards the style in Brazil. This article aims to contribute to the debate about Brazilian music and to point to many aesthetical styles present on Brazilian Contemporary Music scenario.