Cine

Los cambios para el desarrollo educativo de España se ven reflejados en el cine realizado durante la Transición política que, en este trabajo, enmarcaremos entre los años 1973 y 1982. Con este estudio se pretende acercar a la sociedad contemporánea, partiendo del llamado Séptimo Arte, a la educación dada y recibida por la mujer durante la dictadura franquista, a través de películas como las realizadas en 1974 por Saura, La prima Angélica, o en 1975 por José Luis Borau, Furtivos.
Durante el Franquismo, la mujer tuvo un papel sesgado enmarcando sus posibilidades dentro de los roles establecidos por la familia tradicional. Una vez muerto el dictador se abrieron nuevas posibilidades para el sexo femenino; ya su destino no era sólo el ser monja, esposa o madre, sino que se contemplan también las posibilidades de promoción profesional e individual.

Este estudio cualitativo, apoyado con entrevistas a 25 niñas de entre 4 y 9 años de edad, del sector económico medio-alto, tuvo como objetivo conocer cómo estas perciben la realidad de las princesas de las películas; con qué aspectos se identifican, y qué aprendizajes obtienen. Se encontró que la fantasía y la realidad están separadas por un hilo casi invisible y que los medios también son aparadores que proponen patrones de conducta y de actitudes, transmitiendo representaciones sociales que refuerzan esquemas de comportamiento establecidos. En general, las princesas de las películas son percibidas como personajes humanos, porque realizan actividades “verdaderas”. Palabras clave medios, valores, estereotipos

sobre a valorização do teatro e sua sustentabilidade leandro souza e marcio meirelles sumário: correspondência sobre a sustentabilidade do teatro e políticas de formação de plateia baseada no barateamento (R$1,00) ou gratuidade dos ingressos. _______________ correspondência com leandro souza sobre a valorização do teatro e sua sustentabilidade leandro souza me enviou este texto no dia 01/10/2012. fico feliz qdo alguém se preocupa em dar algum retorno ao teatro que fazemos em salvador. a partir daí iniciamos uma correspondência publicada em meu blog.

La representación de la violencia de estado en un episodio de Buscavidas de Carlos Trillo y Alberto Breccia CRISTIÁN PALACIOS Resúmenes Español English En el siguiente trabajo nos proponemos analizar un episodio de la historieta Buscavidas de Carlos Trillo y Alberto Breccia como un caso particularmente significativo del modo en que la historieta argentina intentó posicionarse frente a la violencia y dar cuenta de ella. En efecto, es en esta obra singularmente compleja donde Breccia llevó más al extremo las implicaciones de la premisa ¿cómo representar el horror ? a partir de la cual había producido algunos de sus trabajos más radicalmente revolucionarios. En este artículo nos ocuparemos del último capítulo de aquella serie, que opera como una clave de lectura de todo lo que lo antecede, al manifestar de manera clara su posicionamiento no sólo frente a la historia, sino ante el propio lenguaje artístico al que la obra pertenece In this work we propose to analyse a chapter of the comic book series Buscavidas by Carlos Trillo and Alberto Breccia as a case especially significant of the way in which the argentine comic book search to define its position against the political violence, and to shed light on it. Is in this particularly complex work where Breccia push over the edge the consequences of the premise How to represent the horror? from which he has produced some of his most revolutionary works. In this work we analyse the last chapter of the series that can operate as a key of reading of the whole work. In this chapter Breccia take up stance not only against history but also against the artistic language itself in which the work is placed. It is an episode especially significant of the way in which the argentine comic book search to define its position against the political violence, and to shed light on it Entradas del índice

Este artículo es uno de los resultados de la tesis El derecho administrativo
desde el nuevo contexto constitucional a partir del cine colombiano:
Dos mujeres y una vaca (Bahamón, 2015) y El abrazo de la
serpiente (Guerra, 2015), realizada como trabajo final para la Maestría
en Derecho Administrativo de la Universidad Autónoma Latinoamericana.
En el artículo, cine y derecho se plantean como dos producciones
culturales de honda trascendencia en las sociedades actuales;
particularmente, el cine aborda nuevas miradas sobre diversos fenómenos
sociales, políticos y jurídicos que le permite evidenciar matices,
lecturas y puntos de vista. Por esto el artículo tiene como objetivo
repensar el derecho administrativo utilizando el análisis fílmico como
herramienta para descifrar las conexiones entre cine y esta disciplina
jurídica. Para ello se analizan dos películas en función de visibilizar
sus conexiones con el derecho administrativo. En Dos mujeres y una
vaca (2015) se evidencia que la película constituye una interpelación
desde el séptimo arte a una sociedad que no se reconoce en la memoria
de la guerra que ha padecido y a un Estado que no garantiza
eficazmente las seguridades vitales, derechos y propiedades de los
ciudadanos. En el caso de El abrazo de la serpiente (2015) la película
es un llamado para que el Estado fomente una visión más amplia y holística
de la naturaleza que reconozca la integralidad y codependencia
de todos los elementos naturales en el ecosistema. Ambas películas
hacen un llamado al Estado que supone generar un cambio de paradigma,
transformar profunda y fundamentalmente la administración
pública y orientar la vocación de servicio público al bien común.

The article is one of the results of the thesis entitled: Administrative
law from the new constitutional based on the Colombian cinema:
Two women and a cow (Bahamón, 2015) and Embrace of the snake
(Guerra, 2015), carried out as final work for the Master’s Degree in
Administrative Law at the Universidad Autónoma Latinoamericana. 
In the article, cinema and law are presented as two cultural productions
of deep transcendence in current societies and, particularly,
cinema approaches new views on various social, political and legal
phenomena, which allows it to evidence nuances, readings and points
of view. For this reason, the article aims to rethink administrative
law using film analysis as a tool to decipher the connections between
cinema and this legal discipline. To this end, two films are analyzed
in order to make visible their connections with administrative law. In
Two women and a cow (2015) it is evident that the film constitutes an
interpellation from the seventh art to a society that does not recognize
itself in the memory of the war it has suffered and to a State that does
not effectively guarantee the vital securities, rights and properties of
citizens. In the case of The Embrace of the Serpent (2015) the film
constitutes a call for the State to promote a broader and holistic vision
of nature that recognizes the integrality and co-dependence of
all natural elements in the ecosystem. Both films make a call to the
State that implies generating a paradigm shift, profoundly and fundamentally
transforming public administration, orienting the vocation
of public service to the common good.

Resumen:
Actualmente se usan los musicales como mecanismo de atracción y persuasión. Los anuncios televisivos musicales incorporan los atributos icónicos y los códigos relacionados con el género cinematográfico musical. Pero aunque las principales referencias de los musicales, así como sus usos, generalmente se mantienen en los spots, la interpretación semiótica y su estructura varían considerablemente respecto de las películas. Estas modificaciones son debidas a la influencia de parámetros como la duración, la finalidad, la forma de recepción, el origen del guión y su estructura. Mediante una comparación cualitativa entre cine musical y spots musicales se pretende argumentar esta diferencia de interpretación.

El artículo analiza la presencia de los cines japonés y coreano en la Ciudad de Buenos Aires discutiendo con aquellas teorías que refieren a la homogeneización cultural como producto de la globalización. En primer lugar, nos orientamos hacia una conceptualización del cine sobre la base de una revisión crítica del concepto de ‘industria cultural’ y la reflexión a partir de aportes teóricos provenientes de distintos enfoques culturales/ discursivos. En segundo lugar, buscamos problematizar el cine asiático como categoría de análisis y campo cultural.

The research «Cinema, Diversity and Networks» tries to isolate the principal stimuli or reticences in the consumption of products generated by small cinematographies, analyzing the particular case of the diffusion through the digital interactive networks of cinematographic contents produced in Galicia. It is a multicentral investigation with the collaboration of the universities of Argentina, Brazil and Uruguay – the countries with a significant migratory Galician presence, with special focus on the university groups of reception for their special predisposition to the media intercultural consumption. Our work addresses a statistical determination of the social-demographic and axiologic profile as well as the habits of consumption of the participant groups as an introduction to the confrontation with some representative films produced in Galicia between 2003 and 2008 in order to establish the influence of certain thematic, formal and linguistic variables in the acceptance or objecti...

Las tecnologías del nuevo cine digital hacen posible una experiencia unificada del tiempo, de la
memoria y del cine a través de la autoconciencia del proceso creativo. Esto es: el cineasta se pregunta
quién es y qué lugar ocupa en las muchas tramas de la memoria visual. Si bien Víctor Erice siempre ha
manifestado un gran interés por el papel de las películas en la forja del imaginario infantil (El espíritu de
la colmena, 1973; El Sur, 1983), en el siglo XXI y en disposición de las nuevas herramientas y flujos de
trabajo digitales, explora su propia memoria individual en el mediometraje La morte rouge (2006). Esta
indagación se propone practicar un análisis fílmico de dicha película y sus relaciones intertextuales con
otras obras del mismo autor que aborden, precisamente, esta misma cuestión. El último término se trata
de extraer algunas conclusiones más o menos provisionales, más o menos definitivas, sobre el discurso
cinematográfico como extensión ideológica, intelectual y afectiva en el proceso de formación del artista
audiovisual del siglo XXI.

Resumen. El artículo analiza la película del director español Jaime Rosales Las horas del día (2003). El análisis es doble: por una parte el autor hace una lectura interna del texto; por otra, la lectura es relacionada con el desarrollo del mercado cinematográfico a nivel global o, en otras palabras, con la globalización (ideológica, política, económica) del cine como espectáculo. La película no es un psychothriller pero tiene importantes elementos del género. Puede considerarse un producto híbrido o posmoderno, resultado del intento del director de hacer un cine "de autor" con elementos del cine de intriga y terror (concretamente un asesino en serie) a la manera del cine de masas norteamericano. El resultado es ambiguo. El autor del presente artículo señala las tensiones formales e ideológicas de Las horas del día y señala su similitud con otros productos análogos que, por razones parecidas, aparecen en el mercado por las mismas fechas.

Para la década de 1960 en el campo de la historia, las películas se configuraron en problema de estudio, por esto, se asumieron como fuentes que posibilitaron el análisis de las versiones del pasado y el cuestionamiento del presente. En este artículo de investigación se abordó la producción académica que desde la historia ha fundamentado teóricamente la investigación de las películas como objeto de las interpretaciones que han predominado sobre los pasados recientes y lejanos. En el texto se da cuenta de los trabajos pioneros, los desarrollos conceptuales y metodológicos en España y Latinoamérica, así como, los aportes analíticos para comprender las versiones del pasado que circulan en las películas. During the 1960s, movies became subject of study in the field of thistory. As a result, they were assumed as sources that enabled the analysis of versions of the past and the questioning of the present. This research article addresses the academic production that, from a history standpo...

Resumen: Este artículo es una reflexión sobre la influencia del cine en la publicidad comercial, concretamente del séptimo arte en los spots. Y mucho más puntual, el estudio se centrará en un caso en particular: se trata del comercial 'Cinco años' del coche Mercedes clase C en el que se encuentran nexos con la película protagonizada por Tom Hanks, Big. El objetivo del siguiente pretende, mediante un análisis de contenido, evidenciar que realmente existe dicha intertextualidad. Los protagonistas, la música, los temas, el eslogan… son algunas de las claves que apuntan hasta este vínculo intencionado por parte de la casa Mercedes. Abstract: This article is a reflection about cinema's influence on commercial advertising, specifically the cinema on spots. And much more timely, the research will be based on a particular case: it's about Mercedes C-class' spot called 'Five years' in which we can find connections the movie starring the actor Tom Hanks, Big, in 1988. The present objective, then, is to prove, through the analysis of the content, that the above-mentioned intertextuality does exist. Main characters, music, matters and slogan… are some of the keys that show that there is really a deliberate link made by the creators of the spot.

La celebrada El laberinto del fauno (Del Toro, 2006) pone en escena un cuento de hadas situado en los convulsos tiempos de la primera posguerra civil española. La crítica ha señalado las dificultades para evaluar la conflictiva relación entre historia y fantasía en el ambiguo final feliz de la película, y ha tratado de relacionar la moraleja final con el trauma de la Guerra Civil.

En este trabajo, preferimos leer el film a la luz de otro trauma social, el que marca el momento de su producción. Si tenemos en cuenta que la Transición de una dictadura fascista a una monarquía parlamentaria no ha sido abierta ni pacíficamente debatida en las décadas siguientes y que cierto silencio sobre este tema persiste todavía hoy; es posible entender la película como una forma de abordar algunos asuntos pendientes de la cultura española contemporánea.

El objetivo de este modelo de análisis es contribuir a la sistematización de las ideas de cada espectador/a de cine. El placer estético y el placer intelectual son parte de una experiencia concreta, intransferible y necesariamente irrepetible.

El género denominado "ciencia ficción" engloba aquellas obras literarias cuyo argumento central se apoya en principios científicos para generar la verosimilitud de su trama. La lógica científica es forzada no para explicar lo existente, sino lo racionalmente posible dentro de los escenarios fantásticos de la historia. Lo científico, entonces, resulta ser el elemento de cohesión, es decir, lo que permite la credibilidad y sienta las bases de la realidad inventada.

Paolo Sosa, bachiller en Ciencia Política y Gobierno de la PUCP y Director de Investigaciones de la Asociación Civil Politai, escribe para esta edición especial acerca de la imágen de Sendero Luminoso en el cine Peruano durante las últimas dos décadas. El artículo se pregunta si las películas peruanas sobre esta temática podrían llegar a tener "un nivel de difusión capaz de dirigir imágenes e insertarlas en los imaginarios colectivos dentro de una sociedad acusada de desmemoriada y apolítica, pero que vivió una de las crisis más sangrientas del continente".

Several methodologies have been used for the study of film. This article seeks to introduce a methodology that, in spite of a long tradition of critical approaches, has been little explored in this area: that of iconology. The elements of iconological tradition will serve as tools to approach the construction of Mary Magdalene's character in the film directed by Cecil B. DeMille in 1927: King of Kings. I first justify the possibility of applying iconology to cinematographic media and especially to religious films. I next demonstrate the analysis scheme and the analysis results. In addition, I emphasize the different phases of continuity and variation in Mary Magdalene's character.

Esta película y el relato histórico en la que se inspira se sitúa en el Chaco argentino. El Gran Chaco es una región sudamericana que se extiende por varios países, fundamentalmente Bolivia y Paraguay, pero también Brasil y Argentina. En el caso argentino, se encuentra en su parte norte, donde se establece como una provincia, que en la actualidad es de las pocas en este país que tiene varios idiomas oficiales: el qom, wichi, moqoit, además del castellano, debido a los diferentes pueblos aborígenes que contiene en su región 1 . El Chaco es una gran llanura que se distingue de la Pampa fundamentalmente por la densidad de sus bosques 2 . Hay poca agua dulce en el Chaco y mucha salinidad en la tierra y sus aguas 3 . Con todo este panorama, mantiene muchos conflictos de carácter ambiental, sobre todo con la deforestación. En el centro hay sobre todo sabana. Presenta una pequeña inclinación de arriba a abajo de oeste hacia este. El clima es semitropical 4 , llegando vientos del Atlántico, y a medida que marchamos hacia el oeste en dirección al interior se va haciendo continental, con los bosques y la cordillera andina. Por esta zona se encuentra el famoso bosque de El Impenetrable.

Este estudio cualitativo, apoyado con entrevistas a 25 niñas de entre 4 y 9 años de edad, del sector económico medio-alto, tuvo como objetivo conocer cómo estas perciben la realidad de las princesas de las películas; con qué aspectos se identifican, y qué aprendizajes obtienen. Se encontró que la fantasía y la realidad están separadas por un hilo casi invisible y que los medios también son aparadores que proponen patrones de conducta y de actitudes, transmitiendo representaciones sociales que refuerzan esquemas de comportamiento establecidos. En general, las princesas de las películas son percibidas como personajes humanos, porque realizan actividades “verdaderas”.

Palabras clave
medios, valores, estereotipos

Disney, en solitario o, desde 1995, junto a Pixar, es además de una macro industria que genera millones de ganancias la gran creadora de referentes infantiles. Sus películas son acontecimientos sociales apoyados por una eficaz e inteligente campaña de merchandising que inunda el imaginario de niños y niñas. Éstos y éstas no sólo ven las películas. Pueden dormir entre sábanas de Mickey o Minnie, beber de vasos de Buzz Lightyear e incluso vestirse con calcetines de Cars y chubasqueros de princesas.

Reseña, con análisis intertextual e ideológico, de la película postapocalíptica 'Soy Leyenda', protagonizada por Will Smith, sobre la supervivencia tras un colapso de la civilización. Está basada en una novela de Richard Matheson, y dirigida por Francis Lawrence.

'I Am Legend'. Dir. Francis Lawrence. Based on the novel by Richard Matheson. Cast: Will Smith, Alice Braga, Dash Mihok, Salli Richardson. USA, 2007.
http://www.soyleyenda-es.com

El cambio climático se ha convertido en la principal amenaza para las futuras generaciones, como demuestran los sondeos de opinión y las propuestas realizadas desde las principales instituciones, como las Naciones Unidas o la Unión Europea. Esta repercusión ha dado lugar, también, a un interesante y prolífico fenómeno de estudio para los académicos de diversas disciplinas. En los últimos años se han consolidado a nivel nacional varios grupos de estudio en torno a la representación mediática del fenómeno del cambio climático, como el que encabeza José Luis Piñuel Raigada-Mediación Dialéctica de la Comunicación Social-, el dirigido por Bienvenido León Anguiano-Grupo de investigación sobre comunicación en ciencia-, o el proyecto que lidera Pablo Ángel Meira Cartea-Resclima-, que han tomado como objeto de análisis la prensa y la televisión generalista principalmente. Esta característica coincide con la tendencia manifiesta en el ámbito académico internacional, con autores de obligada referencia como los hermanos Maxwell y Jules Boykoff, Anabela Carvalho, Mike Hulme, Nick Pidgeon, Matthew Nisbet, etc., que nos han permitido obtener una panorámica del tratamiento realizado por los medios de comunicación tradicionales fuera de nuestras fronteras, ofreciendo interesantes coincidencias, pero también notables puntos de desencuentro. Esta comunicación propone abrir una nueva vía de estudio a través del análisis de una importante fuente de representación de la realidad social, hasta ahora inexplorada entre los académicos, como es el tratamiento cinematográfico del fenómeno del cambio climático. En nuestro estudio proponemos un sólido diseño metodológico, que toma como referencia los análisis realizados sobre los medios de comunicación tradicionales, pero también los principales elementos del análisis fílmico, para abordar cuestiones como la representación de las causas, consecuencias y soluciones del fenómeno del cambio climático, el estudio de los personajes sobre los que recaen tanto la acción como la responsabilidad, y los recursos estilísticos que intervienen en la elaboración del discurso. Los resultados obtenidos serán interpretados mediante un análisis de encuadres, basado en la propuesta de David A. Snow y Robert D. Benford, para determinar las claves del discurso cinematográfico en función de los marcos de diagnóstico, pronóstico y motivación. La puesta en práctica de esta propuesta metodológica, que forma parte de la futura tesis doctoral del autor-El cambio climático en el cine. ¿Representación social del fenómeno o ficción argumental?-, permitirá explorar el tratamiento del problema desde una nueva perspectiva, la del celuloide, que desde sus inicios ha jugado un papel fundamental en la generación de corrientes de opinión en las distintas sociedades, a través de la elaboración de relatos que superan las limitaciones espacio-temporales del discurso periodístico, que apelan a la identificación de la audiencia con sus protagonistas, y que configuran, en definitiva, un nuevo imaginario social ante una realidad, como lo es el cambio climático, difícilmente perceptible en el día a día de los países occidentales.

"ESPAÑOL: La ciencia ficción suele mostrar mundos futuros para incitar a la reflexión sobre nuestro propio presente. El presente artículo analiza el mensaje y el contexto histórico de las películas Blade Runner, Brazil, Cuando el destino nos alcance, El dormilón, El show de Truman y Metrópolis.

ENGLISH: Science Fiction use to show a future age in order to reflect about our own present. This article analizes message and historical context in Blade Runner, Brazil, Gattaca, Metropolis, Sleeper, Soylent Green and The Truman Show."

La película es una representación casi literal de lo que fué la violencia bipartidista y se construye por medio de un contexto particular; los hechos ocurridos en la ciudad de Tuluá tras la muerte de Gaitán y resultado de la tensión generada entre conservadores y liberales durante años. Por medio de ciertos hechos concretos y escenas particulares, la película universaliza la idea de la violencia en Tuluá y proyecta una visión genérica de lo que sería la visión de las partes dentro de este conflicto.

Mark Cousins es un escritor, crítico de cine, productor y director de documentales. Es catedrático honorario de Estudios Audiovisuales y Cinematográficos por la Universidad de Stirling, y enseña estética del cine en el Edinburgh College of Art. Ha sido director del Festival Internacional de Cine de Edimburgo y en los años noventa, fue creador del programa de debate conocido como Scene by Scene, que más tarde se adaptó en forma de serie para la BBC. En 2004 escribió La Historia del cine, un libro de 512 páginas, no tan riguroso como el de Sadoul pero sí bastante actualizado y con un punto de vista muy interesante. Debido al éxito del libro realizó en 2008 una serie de documentales titulados La historia del Cine: Una odisea, que fueron presentados durante el festival de cine de Toronto. En 2011 fueron transmitidos en España por el canal + y luego de una ardua búsqueda por los resquicios de la internet y una paciencia homérica pude descargar los 15 documentales completos.

Me propongo examinar en este trabajo un conjunto de sonetos escritos por Miguel de Unamuno (1864-1936) en relación con su pensamiento filosófico. La intención es destacar las características de su obra poética, en particular los sonetos, a partir de las temáticas abordadas por Unamuno.
De este modo, creo que la obra poética de Unamuno nos puede permitir comprender mejor sus inquietudes filosóficas, ya que este autor es considerado por algunos filósofos y críticos literarios esencialmente como un poeta más que como un narrador o un ensayista.

Resumen
Considerado uno de los ejemplos más representativos del ensayo fílmico, el cine de Chris Marker se ha caracterizado hasta la reciente fecha de su muerte por una insistente interrogación sobre el poder y la función de la Imagen. En este sentido, el filme Sans soleil (1982) supone una referencia ineludible al establecer un punto de acceso a una nueva etapa de su dilatada carrera donde  el interés por las imágenes del presente se iría sustituyendo por una obsesión por las imágenes del pasado, ya sean aquellas que han servido para escribir la Historia, ya sean aquellas de carácter más íntimo que se arremolinan caóticamente en las memorias individuales. Unas y otras imágenes componen Sans soleil, imágenes acumuladas por un coleccionista consciente de la especial melancolía que las impregna, y que pasan a constituirse en escritura fílmica. Es precisamente esta escritura el objeto de estudio del presente artículo, más concretamente, la manera en la que ésta desarrolla un característico discurso sobre el tiempo, la imagen y la memoria que se demostrará decisivo en la posterior filmografía markeriana.

Abstract:
Chris Marker’s films, which are considered to be some of the most representative examples of film-essay, have been marked until his recent death by a persistent questioning over the power and the purpose of Image. His film Sunless (1982) is at that respect an unavoidable reference when establishing a first step into a new phase within his long career. A phase where he slowly dropped interest for images of the present and developed instead an obsession for images from the past. The obsession comprised those images used to write History, as well as the more intimate ones that belong to the chaotic flow of individual memories. Sunless is made out of both kinds of images. Images accumulated by a collector who is aware of the special melancholy they are steeped in. Images that become film writing themselves. This article explores this writing, and more specifically, its characteristic discourse about time, image and memory, which will prove to be decisive along the following markerian filmography.

The narrative and thematic complexity of the film Eyes Wide Shut, directed by Stanley Kubrick, requires an interpretation that takes into account the interrelation between the subject of the film, the plot and the novella on which it is based, Traumnovelle (Dream Story), by Arthur Schnitzler. The plot revolves around a single theme, the sexual impulses of a couple -and the dreams and fantasies related to them-in a story where sexual episodes follow one another throughout. The scenes portrayed are a projection of the unconscious mind (in dreams, in fantasies, and also in far-fetched reality), acquiring increasing intensity till the bathos of everyday life returns at the end of the film.