Music of Ligeti

The objective of this research was to study the conditions, body of knowledge
regarding, and roles of the Piphat Korat ensemble by utilizing a case study of the Piphat
Phrommarach ensemble. This was a qualitative research study, and the data was
collected by examining documents, conducting interviews, and by making observations
in Paktongchai and in other nearby districts in Nakhon Ratchasima Province. The results
showed that the status and history of the development of Piphat Phrommarach
ensemble had consisted of 2 phases. The first phase took place before 2490 B.E. (1947)
under the patronage of Phrommarach temple, while the second phase, which began
around 2520 B.E. (1977), represented a phase of freedom from the temple. Presently,
the Piphat Phrommarach ensemble is driven mainly by musicians from the
Kamprommarat family headed by Mr. Boonchoo Kamprommarat, who is a member of
the family’s second musical generation and who serves as the leader of the band, as
well as the teacher of the heritable body of knowledge. Most of the musical
instruments in the band have been made by the band except for those that are made
of metal because they require high levels of production technology that are only
available outside of the area. The band arrangement is the same as that of the Piphat
Khrueang Khu ensemble. With regard to the body of knowledge, the oratory songs,
which have been passed on are composed of overtures, fragmentary songs, and long
compositions, which focus on the music for instrumental performances in the area.
With regard to its social role, the band serves the society by holding both personal
and public traditional religious ceremonies, which are both auspicious and not
auspicious in the Paktongchai District, as well as in and around Nakhon Ratchasima.

Revolve [2024] [encomenda osesp | estreia mundial] 10 minutos LEONARD BERNSTEIN Sinfonia nº 2 -The age of anxiety [a era da ansiedade] [1949] 5 ANDREW NORMAN grand rapids, michigan, estados unidos, 1979 Revolve [2024] [encomenda osesp | estreia mundial] orquestração: 3 flautas, 3 oboés, 3 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones, tuba, percussão e cordas. Andrew Norman tem confesso amor por formas artísticas que se desenvolvem gradualmente no tempo, conduzindo o público a lugares inesperados, como as instalações luminosas de James Turrell ou o teatro experimental de Robert Wilson. Na música, entusiasma-se também com gêneros que obedecem a rigorosas proporções ou leis, como alguns motetos renascentistas, as fugas barrocas e certos modelos minimalistas. Sua produção, por certo, ecoa tais inclinações estéticas e, como aponta o compositor, ora se expressa de forma "maximalista, frenética, fragmentária e selvagem", ora decorre de planejamentos matemáticos e manipulações de proporções que geram mudanças calculadas e graduais.

This is the concert of ultimate farewell. Farewell to Beauty, to Music, to the World. Strauss expressed it with a sense of serenity and acceptance; Mahler through torment, sarcasm and meditation. These works are demanding, magnificent, and deeply inspiring.

Repurposing computing technology and turning it into a means for creative practice was common among the 1950s-1960s experimental musicians and electronic music instrument designers. The famous algorithmic composition Illiac Suite (1957) by Lejaren Hiller (1924-1994) laid the groundwork for using computers as a tool for composing. But Hiller represents only one type of early compositional use of computers. Hiller's colleague in the Experimental Music Studios (EMS) at University of Illinois Urbana-Champaign, Salvatore Martirano (1927-1995), pioneered another approach-using the computer as a collaborator in composing music. Let's take a look into the details of two approaches to algorithmic composition developed by Hiller and Martirano by using ILLIAC II.

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Author's version of the article published in Electronic Sound Magazine, Issue 121 "Grassroots: Root Cause": https://www.electronicsound.co.uk

Uma análise da articulação das sonoridades em três dos Vingt Regards sur l'Enfant-Jésus, o primeiro importante ciclo de peças para piano de Olivier Messiaen, procura mostrar que a estética deste compositor, associada a sua técnica composicional, ecoa e prolonga diretamente as intuições radicais de Debussy, ao mesmo tempo que as consolida por meio de um maior formalismo. Os dois primeiros movimentos se apresentam como opostos e complementares em relação à função estrutural da sonoridade: enquanto no primeiro a estabilidade é representada pela invariabilidade das dimensões sonorísticas (registros, amplitudes, densidades), no segundo são os contrastes de sonoridades que constituem o essencial da kynesis formal. O terceiro evidencia um processo de fusão entre construções rítmicas e espectrais. Os Regards ilustrem bem a perspectiva que Messiaen abriu para uma investida sistemática visando a utilização da sonoridade como vetor de estruturas formais. Claude Debussy pode ser considerado como o fundador de uma nova estética musical onde a sonoridade torna-se um material passível de ser abstraído das contingências da realização objetiva da obra, para ser integralmente incorporável ao projeto de composição em todas as etapas da sua elaboração. Nessa transmutação, a sonoridade passa a adquirir as feições de uma entidade autônoma manipulável, a qual chamo, na falta de melhor terminologia, de "objeto sonoro". Olivier Messiaen procurou aprofundar constantemente essa perspectiva. Embora a literatura tenha dado mais ênfase a sua contribuição na descoberta e sistematização da estruturação rítmica da música (por ex. Boulez 1995, e o próprio compositor, Messiaen 1942, ele na verdade faz a ponte entre o empirismo radical de Debussy (e também de Villa-Lobos, várias vezes citado como referência por Messiaen) e o sistematismo formal da primeira geração de seus alunos (Stockhausen, Boulez…), abrangendo até as investigações de cunho científico dos compositores da chamada "Escola espectral"particularmente Horatiu Radulescu, Gérard Grisey e Tristan Murail. As suas técnicas composicionais -sobretudo no campo da harmonia e da orquestração -visam a produção e organização formal de "cores" sonoras. A técnica da "ressonância acrescentada", em particular, consegue aproximar, até confundi-las, as dimensões harmônicas e sonorísticas, de modo que os acordes se tornam "entidades sonoras" (v. Johnson 1975: 17 sq). Eis como o próprio compositor descreve as soluções

The exhibition Musica ex Machina explores algorithmic thinking in music from ancient times to the present day. It does this through four themes:
* Symbols, Spaces & Algorithms looks at how music has been represented symbolically and conceptualised in proto-computational ways:
ancient systems such as the harmony calculating tool of Guido d’Arezzo’s hand through to contemporary symbolic manipulation and non-Western algorithmic music traditions.

*Automating the Human illustrates the music machines, automata, and automated instruments from the 18th century onwards that brought mechanisation into the human realm of musical performance and composition, where some human activity was replaced by a machine.

*Music as Information and Data focuses on the emergence of recording technologies that transformed musical sound into data, as well as early electronic instruments and the use of computers to algorithmically generate music by pioneers like Lejaren Hiller, Iannis Xenakis, Pietro Grossi, Clarence Barlow, and Gottfried Michael Koenig.

*Body, Mind & Machine explores interactions between musicians and technology through sensing, sensors, and artificial intelligence, featuring works by artists who incorporated interaction into their creative process.

Bu çalışma Romantik Dönem flüt repertuvarında yer alan Franz Doppler'in "Op.26 Fantaisie Pastorale Hongroise" eserinin icrası için bir kılavuz niteliğinde hazırlanmıştır. Flüt performansına yönelik müzikal yorum ve teknik bilgiler içermektedir. Bu araştırmada nitel araştırma yöntemi kullanılmış, imslp.org adlı müzik kütüphanesine yüklenen edisyondan faydalanılmıştır. Araştırmanın ilk kısmında 19. yüzyıla egemen olan Romantik Dönemin karakteristik müzik kültürü diğer sanat dallarıyla ilişkilendirilmiş, ardından Romantik dönemin müziğine ait temel unsurlar Klasik dönem müzik özellikleriyle karşılaştırılarak açıklanmıştır. Araştırmanın devamında Macar besteci ve aynı zamanda flüt icracısı olan Franz Doppler'in biyografisine yer verilmiş, bestecinin müzik dili ve flütlü yapıtları hakkında bilgi verilmiştir. Araştırmanın bulgular bölümünde Franz Doppler'in "Op.26 Fantaisie Pastorale Hongroise" (Pastoral Macar Fantazisi) adlı piyanolu flüt eserinin form yapısı incelenmiş, icra açısından yoruma fazlasıyla açık bir eser olduğundan icracıya bağlı kadanssal yorumun abartıdan kaçınarak ne şekilde icra edilmesi gerektiği sebepleriyle açıklanmıştır. Böylelikle bu yapıdaki eserlerle karşılaşıldığında ne şekilde çalışılması ve yorumlaması hakkında örnek oluşturmaktadır.

The study aimed to assess drought impacts on urban green areas with the climatic drought index in Nakhonratchasima City, Thailand. The Standardized Precipitation Evapotranspiration Index (SPEI) was used as the climatic drought index in this study. The study investigated and quantified the different responses of urban tree growth to drought events. The results revealed that the frequency of severe drought increased in 2017 and 2018 with the drying trend occurring in most of the study area. These results are useful for ecological assessments and planning management to mitigate the impact of drought on urban green areas. Significantly, this study is helpful to take care of urban trees growth and reduce potential damage to human health caused by air pollution e.g. PM 2.5 in urban areas.

“The fresh air becomes poison, easy breathing change to hard breathing, chill step to aware step, mask and unmasks, burn or unburn”

The topics for a safe environment and people are important in this century to be aware of our step in human beings to present and next generation.
The North Mist for viola and electro soundscape is inspired by the beauty of the mist from steam contradicting the mist from smoke which build pm2.5 and attacks the health of lives, especially in northern Thailand. The works will present the electro soundscape and extended techniques of viola, the form combines beautiful melodic lines in the northern pentatonic scale and rhythmic pattern, and the soundscape of the environment, suddenly the dangerous noises sound interrupt the beauty, and the heavy atmosphere starts to destroy daily life.

Este trabalho destina-se ao estudo interpretativo do Concerto para Trompete e Orquestra de Cordas do compositor Alfredo Silveira Dias Filho. Trata-se de uma pesquisa qualitativa com tres sujeitos, que sao importantes solistas, professores e musicos de orquestra no âmbito nacional. No primeiro capitulo serao abordados fundamentalmente problemas tecnico interpretativos na performance do concerto e os fundamentos tecnicos do instrumento. No segundo capitulo encontra-se uma biografia do autor, dados historicos de sua obra e estao explicadas as questoes tecnico-interpretativas apresentadas aos sujeitos de pesquisa. O terceiro capitulo possui uma descricao da metodologia da pesquisa, a qual se utilizou de questionarios estruturados que foram respondidos pelos sujeitos. Ainda neste capitulo encontra-se a comparacao e analise das respostas obtidas. A dissertacao se encerra com as consideracoes finais sobre a importância do olhar do interprete sobre a partitura e como a construcao do discurs...

La conceptualización de “campos continuos” aplicado a la música surge por el compositor y filósofo mexicano Ramiro Luis Guerra, en su texto Aprendizaje estructural de la composición musical escribe: “El sonido de un instrumento al permanecer inalterado en su afinación, creciendo continuamente en su dinámica, el timbre cambiaría también continuamente. Todas la propiedades del sonido pueden engendrar campos continuos.” (Guerra, 1996). Para tener una mejor comprensión de qué es un campo continuo y sus implicaciones dentro de la creación sonora, abordaremos primero el análisis de las propiedades del sonido.

Este artículo explora la compleja interacción entre el tiempo y el sonido en la música, proponiendo nuevas dimensiones temporales y su comportamiento. A través de ejemplos de obras de compositores como Maurice Ravel y Karlheinz Stockhausen, se discuten diferentes formas de concebir y manipular el tiempo en la composición musical. Se introduce el concepto de "tiempo fundamental" y su relación con los tempos armónicos, sugiriendo que el tiempo en la música puede ser tratado de manera similar a una escala musical. Además, se aborda la importancia de considerar el espacio entre los eventos sonoros y la interacción entre las dimensiones temporales y espaciales. La investigación sugiere que al desafiar las normas establecidas y adoptar una perspectiva experimental, los compositores pueden descubrir nuevas formas de manipulación temporal que transformen la composición y la interpretación musical.

Resumo: O presente artigo consiste numa análise dos processos composicionais utilizados por Flo Menezes na escritura sistemática da obra Scriptio, composta em 2013. Por análise sistemática, entenda-se os processos composicionais que precedem a escrita das notas na partitura (tomando emprestada a dicotomia sistema/sintagma da semiologia de Roland Barthes). O acesso aos esboços do próprio compositor forneceram fontes ricas para uma análise consistente, da qual pode-se extrair material de apoio para compositores e intérpretes interessados em estéticas da música contemporânea. Palavras-chave: Análise musical. Semiologia musical. Analysis of the systematic scripture of Scriptio for solo violin, by Flo Menezes

Resumo: O presente artigo consiste numa análise dos processos composicionais utilizados por Flo Menezes na escritura sistemática da obra Scriptio, composta em 2013. Por análise sistemática, entenda-se os processos composicionais que precedem a escrita das notas na partitura (tomando emprestada a dicotomia sistema/sintagma da semiologia de Roland Barthes). O acesso aos esboços do próprio compositor forneceram fontes ricas para uma análise consistente, da qual pode-se extrair material de apoio para compositores e intérpretes interessados em estéticas da música contemporânea. Palavras-chave: Análise musical. Semiologia musical. Analysis of the systematic scripture of Scriptio for solo violin, by Flo Menezes

The code word "Kylwiria" was mentioned by György Ligeti from time to time since the 1970s. At first, it functioned rather abstractly as a working title for the opera that had been in the making since the mid-1960s and eventually mutated into Le Grand Macabre. Later, Ligeti also shared details about the imaginary land of his childhood, providing glimpses of brightly colored maps of that land and underscoring the importance of his childlike fantasy world. This article explores the dimensions of this "private mythology" and its impact on the composer's creative thinking and work. Its documentary evidencethe description of the land of Kylwiria recorded in 1950 in a booklet of more than 70 pagesis presented in examples and examinated for its particularities. On the one hand, it seems that the pioneering exploration of geographical spaces is transferred as a model to the creative exploration of sound spaces. On the other hand, Ligeti's concept of a fantastic counterworld is to be seen in a literary and cultural-historical context, in which it is to be located somewhere between expedition report, travel guide and utopian design. Such an outline sharpens the meaning of Kylwiria as a cipher for creativity in a characteristic mixture of ratio and fantasy.

Polonyalı besteci Tadeusz Zygfryd Kassern müzik tarihinde kendi ülkesinde hak ettiği üne kavuşamayan müzisyenlerden biridir. Polonya'nın kültürel tarihini eserlerinde yansıtan bestecinin Neoklasik dönemin izleri görülen eserleri çok değerlidir ve op. 12 numaralı Kontrbas Konçertosu bunlardan birisidir. Bu konçerto icra seviyesi bakımından ileri düzey sayılabilecek niteliktedir. Aynı zamanda müzikalite yönünden de virtüözite gerektiren solistik bir yapısı vardır. Bariton akortta yazılması yönüyle de Polonya'da büyük beğeni toplamıştır. Bu çalışmanın, besteciye ilişkin yapılan öncü çalışmalardan birisi olduğu düşünülmektedir. İçeriğinde önce bestecinin hayatı anlatılmış ve yazdığı Kontrbas Konçertosu'nun teknik zorlukları ele alınarak eseri icra edecek kontrbas sanatçılarına bu araştırmanın ışık tutması amaçlanmıştır.

Concerto de câmara para treze instrumentos de Giorgy Ligeti foi composto em 1969/1970. Foi criado num momento que significa a maturação de seu estilo anterior, caracterizado por uma grande densidade de textura e harmônica, e precursor de alguns aspectos que ele virá a desenvolver posteriormente, como uma maior transparência e melodismo. O estilo de Ligeti é absolutamente pessoal, com marcas muito características e alguns dados de sua biografia podem ajudar a esclarecer esta sua independência e sua trajetória composicional. Ligeti chegou à Alemanha em 1957, aos 35 anos de idade, vindo de Budapeste, na Hungria. Em várias entrevistas ele teve oportunidade de narrar os acontecimentos trágicos de sua vida anterior: a perda de quase toda a família nos campos de concentração nazistas e a fuga da Hungria após a invasão soviética. Antes de chegar a Colônia, Ligeti havia tido muito pouco contacto com a música de vanguarda da época. As informações que ele tinha sobre o dodecafonismo foram lidas num livro de Jelinek, havia ouvido uma única vez, numa transmissão radiofõnica, uma peça eletroacústica de Stockhausen, Gesang der Junglinge (O Canto dos Adolescentes), e havia tido raras oportunidades de escutar ou de ler as partituras de Schoenberg, Berg, Webern ou Stravinsky. Nem mesmo de Bela Bartók, o compositor mais importante da Hungria, eram regularmente executadas as obras mais avançadas. Mas, em seus depoimentos, ele declara que o embrião do estilo que ele viria a desenvolver já estava formado antes de ele chegar à Europa Ocidental da época.

Müzik teorisi ve eğitimine katkı amaçlı hazırlanan bu kitap, yazarın yaklaşık 25 yıllık müzik bilgi ve birikiminin ürünüdür. Teknolojik ve bilimsel
gelişmelerin devam ettiği günümüz dünyasında, müziksel gelişmelerin de devam edeceğinden hareketle yazar, gelenekten geleceğe solfej eğitimine yeni bir soluk olmasını amaçlamıştır.
Kitap beş bölümden oluşmaktadır. İlk bölüm; geleneksel solfej öğretisinde
de olduğu gibi Do majör tonalitesinde başlar. Dört ölçüden oluşan solfej parçaları ayrıca ezgi tekrarı alıştırmaları olarak da düşünülebilir. Basitten zora ilkesi gözetilerek, sistematize edilen solfej parçaları, yanaşık seslerle başlar. Ses alanı/yüksekliği, solfejler ilerledikçe tize doğru genişler. Buradaki amaç, müzikal okumaya yeni başlamış öğrencinin sesini zorlamadan tonal duygusunu geliştirmektir.
İkinci bölümde; süre değerleri çeşitliliği arttırılmış, do majör tonalitesinde
sekiz ölçüden oluşan solfej parçaları vardır. Bu bölümdeki parçaların, ezgisel aralıkları daha da zengindir, nüans ve tempolar da belirtilmiştir.
Üçüncü bölüm, ilk iki bölümden farklı olarak, ses yüksekliği, tonalite, süre
değerleri, ezgisel aralıkları daha da çeşitlendirilmiş solfej parçalarını içerir.
Buradaki solfej parçaları, öğrencinin müzikal yorumlama ve anlatımını da katkı sağlayacak şekilde tasarlanmıştır. Her parçanın başında müzikal ifadeler belirtilmiştir.
Dördüncü bölüm, makamsal ve modal solfej parçalarından oluşur. Bu bölümdeki parçalarda Türk müziği motiflerinden yararlanılmış ayrıca pentatonik ezgilere de yer verilmiştir. Bu bölümdeki müzikal ifadeler Türkçedir.
Beşinci ve son bölüm, tartım çalışmalarından oluşmaktadır. Bu bölümdeki
çalışmalar, ritm duygusunun gelişimi için önemli olup, öğrencinin bona okumasını geliştirmeye katkı olarak hazırlanmıştır.
Bir dizi solfej kitabı serisinin ilki olarak düşünülen kitabın, müzik eğitimi
alan öğrencilere/bireylere faydalı olması ve bu alanda kaynak sıkıntısı çeken eğitimcilere/öğretmenlere de yarar getirmesi dileklerimle.
Beşinci ve son bölüm, tartım çalışmalarından oluşmaktadır. Bu bölümdeki
çalışmalar, ritm duygusunun gelişimi için önemli olup, öğrencinin bona okumasını geliştirmeye katkı olarak hazırlanmıştır.

This book, which was prepared to contribute to music theory and education, is the product of the author's 25 years of musical knowledge and experience. In today's world where technological and scientific developments continue, the author has aimed to be a breath of fresh air for solfege education from tradition to the future.
The book consists of five chapters. The first chapter begins in C major tonality, as in traditional solfege teaching. The solfege pieces, consisting of four measures, can also be considered as melody repetition exercises. The solfege pieces, systematized according to the principle of simple to difficult, begin with adjacent sounds. The sound field/height expands towards the treble as the solfege pieces progress. The aim here is to develop the tonal sense of the student who has just started to read music without forcing his/her voice.
In the second section, there are solfege pieces consisting of eight measures in C major tonality with increased variety in duration values. The melodic intervals of the pieces in this section are even richer, and nuances and tempos are also indicated.
The third section, unlike the first two sections, contains solfege pieces with a more diversified range of pitch, tonality, duration values and melodic intervals. The solfege pieces here are designed to contribute to the student's musical interpretation and expression. Musical expressions are indicated at the beginning of each piece.
The fourth section consists of maqamal and modal solfege pieces. Turkish music motifs are utilized in the pieces in this section and pentatonic melodies are also included. The musical expressions in this section are in Turkish.
The fifth and last section consists of scale studies. The studies in this section are important for the development of the sense of rhythm and are prepared as a contribution to the development of the student's bona reading.
I hope that the book, which is considered to be the first of a series of solfege books, will be beneficial to students/individuals receiving music education and will also benefit educators/teachers who are short of resources in this field.
The fifth and final section consists of weighing exercises. The studies in this section are important for the development of the sense of rhythm and are prepared as a contribution to the development of the student's bona reading.

This article aims at analyzing the images of kings in 14 Khao Sor literature works and the factors contributing to the images of the kings in Khao Sor literature. There are nine characteristics found in Khao Sor literature including ruler characteristics, Bodhisattva characteristics, Lanna ruler characteristics, having meritorious values, possessing magical items and power, possessing wisdom, following code of ethics, possessing wealth and possessing beauty. The ruler characteristics are considered from the characteristics and duty of the ruler in Khao Sor literature. The ruler characteristics includes possessing meritorious virtues, Bodhisattva characteristics, beauty, royal lineage, having wisdom, power, wealth and magical items. For the duty of the ruler, the king responsibility includes fighting in battles, helping others in need, showing gratitude, showing perseverance, lecturing people, rewarding those who do good things for society, administering justice, inspecting record of servants, supporting agriculture, supporting Buddhism and reigning the country with righteousness. These characteristics emphasize Khao Sor literature and differentiate the literature from other northern literature works. The poet has created the kings in Khao Sor literature by combining the historical ruler image and the ruler image from the magical tales.

This article aims at analyzing the images of kings in 14 Khao Sor literature works and the factors contributing to the images of the kings in Khao Sor literature. There are nine characteristics found in Khao Sor literature including ruler characteristics, Bodhisattva characteristics, Lanna ruler characteristics, having meritorious values, possessing magical items and power, possessing wisdom, following code of ethics, possessing wealth and possessing beauty. The ruler characteristics are considered from the characteristics and duty of the ruler in Khao Sor literature. The ruler characteristics includes possessing meritorious virtues, Bodhisattva characteristics, beauty, royal lineage, having wisdom, power, wealth and magical items. For the duty of the ruler, the king responsibility includes fighting in battles, helping others in need, showing gratitude, showing perseverance, lecturing people, rewarding those who do good things for society, administering justice, inspecting record of servants, supporting agriculture, supporting Buddhism and reigning the country with righteousness. These characteristics emphasize Khao Sor literature and differentiate the literature from other northern literature works. The poet has created the kings in Khao Sor literature by combining the historical ruler image and the ruler image from the magical tales.

Canon and cannon as tragically entangled in global strategy Review of indications of the pattern that connects Requisite variety of perspectives for comprehension Pattern connectivity through counterpoint in a multi-voice canon Indications of connectivity in a 36-voice canon Application of canon patterning to governance: Deo Gratias versus Hegemonia Application of canon patterning to law and gaming Subjective implication of symmetry, harmony and balance in the pattern that connects Integrative role of composer / conductor as paradoxical constraints on improvisation and diversity

O trabalho em mãos trata-se do Relatório de Prática de Ensino Supervisionada, vulgarmente denominado Relatório de Estágio, referente ao Mestrado em Ensino de Música na especialidade de Análise e Técnicas de Composição. Constitui-se por duas partes: o Projeto Educativo/Investigação e a Prática Pedagógica Supervisionada. O Projeto Educativo/Investigação consiste no trabalho com um grupo de alunos realizado ao longo de quatro Sessões. Neste, pretende-se combater uma certa inércia face à atualização musical do ensino de música, particularmente, no que diz respeito à disciplina de Análise e Técnicas de Composição. Na Sessão n.º 1 elaborou-se uma introdução à Teoria dos Conjuntos e à Teoria das Notas Atrativas. A primeira teoria a partir da perspetiva de Allen Forte e a segunda da autoria de Edmond Costère. Na Sessão n.º 2 tiveram-se em consideração as Personagens rítmicas de Igor Stravinsky partindo-se da perspetiva de Olivier Messiaen. Na Sessão n.º 3 abordou-se o que Lev Koblyakov designa por Processos 'explosivos' de desenvolvimento em Le marteau sans maître. Por último, na Sessão n.º 4 procedeu-se à avaliação dos alunos. A avaliação compreendeu a composição de uma obra para instrumento solo na qual se deveria recorrer a, pelo menos, uma das teorias/técnicas abordadas nas distintas Sessões. As conclusões principais a retirar do Projeto Educativo/Investigação refletem uma opinião positiva dos alunos relativa aos conteúdos e conceitos propostos, demonstram que as teorias/técnicas abordadas, apesar de pouco conhecidas no contexto, contribuíram para o aumento de novas ferramentas a utilizar no processo criativo e indicam a formulação de uma nova compreensão musical. Depreende-se, concisamente, uma expansão do conhecimento dos alunos, assim como, uma melhor aproximação a algumas correntes e conceitos do século XX 'transdiscursivas' para uma criação musical holística e atual. A parte respeitante à Prática Pedagógica Supervisionada engloba a informação sobre a instituição de acolhimento, as aulas observadas e as aulas lecionadas. As conclusões principais a retirar da Prática Pedagógica Supervisionada recaem na sua importância no percurso do educador/professor/pedagogo, uma vez que se trata de uma contextualização fundamental que clarifica e aprofunda o trabalho que pode ser realizado na disciplina de Análise e Técnicas de Composição e, no caso, nas disciplinas de Introdução às Técnicas de Composição e Composição. Quer a realização do Projeto Educativo/Investigação, quer a da Prática de

Ligeti composed Lux Aeterna in 1966 for a mixed choir of sixteen voices. Four soprano lines, four Alto lines, four Tenor lines, and four Bass lines are treated independently in a micro canonic technique Ligeti called micro polyphony. Based on the concepts of time exposed in the book The Time of Music: New Meanings, New Temporalities, New Listening Strategies (1988), by composer and music theorist Jonathan D. Kramer, in this article, I analyze Ligeti’s Lux Aeterna from a listener’s and a composer’s perspective. On one hand, from a composer’s perspective, I will flesh out how Ligeti’s compositional techniques in Lux Aeterna are goal-oriented, hence, I will associate it with Kramer’s Non-directed linearity as the music develops different parameters that create cadential points articulating the form. On the other hand, from a listener’s perspective, I will associate Lux Aeterna with Kramer’s Non-Linear Vertical time as the motion of this piece is constant, making discontinuity to disappear; thusly, creating a unique musical moment that becomes the entire piece, being aurally undifferentiated in its entirety. Finally, I will argue that through goal-oriented compositional techniques, Ligeti’s compositional purpose was to create a non goal-oriented infinite musical landscape to convey the meaning of the text of Lux Aeterna (eternal light), which is the communion antiphon for the Roman Catholic Requiem Mass, as musically it evokes a static moment suspended on time.

Müzik, tarih boyunca insan eliyle üretilen tonlar dizilimi olarak gerçeklenmiştir. Son altmış yılda müziğin otomatik olarak bilgisayarlar yardımıyla bestelenmesi ile ilgili çalışmalar yapılmaktadır. Bu çalışmada, müziğin otomatik olarak üretilmesinde Markov süreci yaklaşımının kullanıldığı özgün bir müzik besteleme sistemi, EMERSON, sunulmuştur. EMERSON'ın insan yapımı müziklerin performansına ne kadar yaklaşabileceğinin tahlili yapılmıştır. Bunun için önerilen sistemde literatürdeki diğer çalışmalardan farklı olarak iki enstrümanlı parçalar üretilmiştir. Birinci enstrümanın eğitiminde bir insan yapımı beste, ikinci enstrümanın eğitiminde birinci enstrümanın müzik sekansı kullanılmıştır. Üretilen müziklerin performansı anket yoluyla ölçülmüştür. Anketin Turing testi kısmında %43.32 oranında başarı oranı, beğeni testinde ise 10 üzerinden ortalama 5.62 puan elde edilmiştir.

Grafico n° 31: Coral n° 1-texto 160 Grafico n° 32: Coral n° 1-melodia 163 Grafico n° 33: Coral n° 1-harmonia 165 Grafico n° 34: Coral n° 1-elementos de expressao Grafico n° 35: Coral n° 1-forma Grafico n° 36: Coral n° 2-texto Grafico n° 37: Coral n° 2-melodia 175 Grafico n° 38: Coral n° 2-harmonia 177 Grafico n° 39: Coral n° 2-elementos de expressao Grafico n° 40: Coral n° 2-forma Grafico n° 41 : Coral n° 3-texto 181 Grafico n° 42: Coral n° 3-melodia 183 Grafico n° 43: Coral n° 3-harmonia 184 Grafico n° 44: Coral n° 3-elementos de expressao Grafico n° 45: Coral n° 3-forma Grafico n° 46: Coral n° 4-texto 188 Grafico n° 47: Coral n° 4-melodia Grafico n° 48: Coral n° 4-harmonia 192 Grafico n° 49: Coral n° 4-elementos de expressao

1932’den itibaren Sovyet Komünist Partisi sanatçıların, Lenin’in “sanat halka aittir” yaklaşımıyla 19. yüzyıl ‘gerçekçilik’ bağlamında yapıt üretmesini istemiştir. Bu yaklaşım zamanla Toplumcu Gerçekçilik akımına dönüşmüştür. Bu akımın etkisi Şostakoviç’te Caz Orkestrası İçin Suit No. 2, Vals (No. 2) (1938) (Vals 2) yapıtında görülür. Şostakoviç Op. 38a Caz Orkestrası İçin Suit No. 1, Vals’deki (1934) (Vals 1) ana temanın varyasyonunu, Vals 2’de kullanmıştır. İki vals arasında tema, armonik ilerleyiş ve akora yabancı sesler arasında belirgin farklar vardır. Çalışmamızın amacı Şostakoviç’in Vals 1 ve Vals 2 yapıtlarını Toplumcu Gerçekçilik bağlamında incelemektir. Devlet politikasının sanatçı ve müzikal üretim üzerindeki etkisinin ne olduğu, Şostakoviç’in Toplumcu Gerçekçilik yaklaşımını nasıl ele aldığı Vals 1 ve Vals 2 örneği üzerinden değerlendirilecektir. Çalışmada form analizi, armonik fonksiyon ve armonik uzatım analizi yapılacak, Fransız şifrajı kullanılacaktır. Şostakoviç Vals 2’de modülasyona çok fazla yer vermez. Motif ve tema kurgusunda ses sınırlarını daraltmış, tema ve motif tekrarlarıyla akılda kalıcılık sağlamıştır.

György Ligeti was very interested in many artistic and scientific fields and drew inspiration for his compositional work from them (his engagement with mathematics particularly fractal geometry and chaos theory is perhaps the best known). In this chapter I compare the concept of artistic research with Ligeti's practice and oeuvre. While the notion of artistic research was only appearing in embryonic form during the latter stages of Ligeti's career, many though not all of his statements seem to be suitable for describing his artistic processes. The benefit of this investigation is expected to be twofold: applying the concept of artistic research to Ligeti's approaches and practices should yield new insights on the relationship between his work and his interest in other humanities and sciences. Yet this look at Ligeti may also help to refine the concept of artistic research as discussed and applied to the artistic output of today.

Avrupa'daki devletlerin panoramasını değiştiren Birinci Dünya Savaşı, bestecileri ve dönem müziğini de etkileyerek müzikte radikal değişiklikler yaşanmasına sebep olmuştur. İçinde yaşanılan dönem şartlarının sanata ve sanatçıya etkilerinin ortaya konulduğu bu çalışmada, müzik sanatının tarihi süreç ile birlikte incelenmesinin, döneme ait eserlerin daha iyi anlaşılmasına etki ettiği görülmektedir. Besteciler, içinde bulundukları dönemde gerçekleşen siyasi ve sosyal olaylardan etkilenerek bunu müziklerine yansıtmışlardır. Daha kaygısız bir tavır ve yenilikçi bir bakış açısı gelişmiş, yeni ses dizileri yaratılmıştır. Yeni beste teknikleri, halk müziklerine yönelim ve ulusal müzik anlayışında gelişmeler olmuştur. Dünyada sanayi, teknoloji ve sanat dalında her ulus kendini değişime uğratırken, Macar besteciler de müziğin yeniden yapılandığı bu dönemde gerek eserleri gerek geliştirdikleri çalma metodları ve ulusalcılık akımı alanında yaptıkları araştırmalar ile diğer bestecileri etkilemiş, dönem müziğine büyük katkı sağlamışlardır. Bu çalışmada, Birinci Dünya Savaşı sonrasında Avrupa'daki müzik ortamı ele alınarak, dönemdeki gelişmeler örneklerle açıklanmış ve Macar bestecilerin eserleri ile yirminci yüzyıl müziğine sağladığı katkılar incelenmiştir.

Quantum Resonances: "A multidisciplinary study of quantum physics, colour theory and musical harmony". This article explores the intersections between quantum physics, colour theory and musical harmony, highlighting how these disciplines intertwine and affect human perception and artistic expression.
The document delves deeply into how quantum physics, color theory, and music theory are interconnected, impacting human perception and artistic expression. It highlights the multidisciplinary nature of modern science, emphasizing the integration and enrichment of knowledge across different fields. The content is enriched with examples, case studies, and references to resources like PBS's "Quantum Harmonies: Modern Physics and Music," Physics World's podcast, and various academic texts and online resources.

A classic theorem of Veblen states that a connected graph G has a cycle decomposition if and only if G is Eulerian. The number of odd cycles in a cycle decomposition of an Eulerian graph G is therefore even if and only if G has even size. It is conjectured that if the minimum number of odd cycles in a cycle decomposition of an Eulerian graph G with m edges is a and the maximum number of odd cycles in a cycle decomposition is c, then for every integer b such that a ≤ b ≤ c and b and m are of the same parity, then there is a cycle decomposition of G with exactly b odd cycles. This conjecture is verified for small powers of cycles and Eulerian complete tripartite graphs. ∗ Also at Department of Mathematics, Illinois State University, Normal, IL 61790-4520, U.S.A. G. CHARTRAND ET AL. /AUSTRALAS. J. COMBIN. 58 (1) (2014), 48–59 49 1 A Circuit Decomposition Problem It is well-known that if G is a connected graph containing 2k odd vertices for some positive integer k, then G can be decompo...

valiosas cartas com comentários sobre questões e eventos pertinentes representam uma documentação que resgata momentos importantes para a musicologia histórica das décadas de 1960, 1970 e 1980. Foram escritas para mim (a maioria escritas à mão) como sendo uma amiga, pianista e compositora que dedicou muitos anos ao estudo e à performance da música contemporânea. Eu atuei como solista sob a regência de Stravinsky, tive várias obras dedicadas a mim, e fiz a estreia mundial de muitas obras destes compositores. Meus comentários e introduções às cartas guia o leitor para uma melhor compreensão das circunstâncias em que elas foram escritas, assim como as situa no cenário da música contemporânea da época. Embora o livro seja de grande interesse para o meio musical, meu enfoque não foi musicológico, mas de um ponto de vista pessoal e portanto, objetivando uma perspectiva mais ampla. Este artigo apresenta observações sobre o livro, seu processo de escrita e traz citações de alguns trechos relevantes. O livro foi publicado em português e lançado pelo SESI SP,

This researching aims at studying in the names of the school in Bangkok. By analyzing the list of the name of public schools under the Office of the Basic Education Commission, Department of Education Bangkok Metropolitan Administration, and

Resumo: O presente artigo é um recorte inicial de um projeto mais amplo, que pretende desenvolver, de maneira intrínseca, teoria e prática, partindo de exemplos e experimentos composicionais simples (frases a duas vozes, com dois compassos), até peças longas para orquestra sinfônica. O termo "experimento", neste trabalho, é utilizado para demonstrar estratégias composicionais práticas e progressivas utilizadas ao longo deste projeto (inclusive exercícios que não obtiveram êxito e/ou não demonstraram de maneira eficiente procedimentos técnicos funcionais relativos à pesquisa). Compositores de diferentes períodos da música erudita ocidental utilizaram, eventualmente, processos composicionais que geram melodias ou ritmos resultantes. Desde Guillaume de Machaut até Georg Crumb, podemos encontrar trechos de obras que utilizam este recurso, cada compositor com sua linguagem pessoal. Apesar de ser um procedimento utilizado e explorado ao longo da história da música, existem poucos artigos ou livros que explorem de maneira aprofundada a teoria e prática relativas à geração de melodias e ritmos resultantes. Os aspectos teórico e analítico (livros e artigos de teoria, além de análise de partituras), proporcionaram suporte técnico aos exercícios práticos, através de apontamentos analíticos de obras de três compositores com filiações estéticas diferentes (Conlon Nancarrow, Gyorgy Ligeti e Steve Reich, com as obras Estudo para Pianola No. 37, Lontano e Piano Phase). Selecionamos um dos experimentos composicionais realizados neste projeto, demonstrando os procedimentos utilizados, resultados e reflexões, com ênfase nas relações contrapontísticas, contorno melódico, comparação e importância na escolha dos timbres para obtenção de resultados satisfatórios. Alguns destes experimentos (exemplos) obtiveram êxito, tanto didaticamente como tecnicamente, porém, alguns exemplos resultaram em tentativas frustradas e/ou mal sucedidas. Desta maneira, podemos observar na prática (com apontamentos teóricos), exemplos ilustrados e comentados.

Resumo: O presente artigo é um recorte inicial de um projeto mais amplo, que pretende desenvolver, de maneira intrínseca, teoria e prática, partindo de exemplos e experimentos composicionais simples (frases a duas vozes, com dois compassos), até peças longas para orquestra sinfônica. O termo "experimento", neste trabalho, é utilizado para demonstrar estratégias composicionais práticas e progressivas utilizadas ao longo deste projeto (inclusive exercícios que não obtiveram êxito e/ou não demonstraram de maneira eficiente procedimentos técnicos funcionais relativos à pesquisa). Compositores de diferentes períodos da música erudita ocidental utilizaram, eventualmente, processos composicionais que geram melodias ou ritmos resultantes. Desde Guillaume de Machaut até Georg Crumb, podemos encontrar trechos de obras que utilizam este recurso, cada compositor com sua linguagem pessoal. Apesar de ser um procedimento utilizado e explorado ao longo da história da música, existem poucos artigos ou livros que explorem de maneira aprofundada a teoria e prática relativas à geração de melodias e ritmos resultantes. Os aspectos teórico e analítico (livros e artigos de teoria, além de análise de partituras), proporcionaram suporte técnico aos exercícios práticos, através de apontamentos analíticos de obras de três compositores com filiações estéticas diferentes (Conlon Nancarrow, Gyorgy Ligeti e Steve Reich, com as obras Estudo para Pianola No. 37, Lontano e Piano Phase). Selecionamos um dos experimentos composicionais realizados neste projeto, demonstrando os procedimentos utilizados, resultados e reflexões, com ênfase nas relações contrapontísticas, contorno melódico, comparação e importância na escolha dos timbres para obtenção de resultados satisfatórios. Alguns destes experimentos (exemplos) obtiveram êxito, tanto didaticamente como tecnicamente, porém, alguns exemplos resultaram em tentativas frustradas e/ou mal sucedidas. Desta maneira, podemos observar na prática (com apontamentos teóricos), exemplos ilustrados e comentados.

The sociocultural situation in the United States of America, which was not disturbed by the communist ideology of the Soviet Union against Nazi Germany during the Great Depression after World War I and World War II, was a direct determinant of Aaron Copland's career. In this context, the composer succeeded in creating American melodies in the norms of international art music and also in a way to arouse the interest of the middle generation of the period. On the other hand, like many intellectuals of the period, he was also affected by the paranoia of communism that emerged in America after World War II and penetrated the very bones of the state. In this period, the two opposite periods of the composer's life, who turned towards serialism, which he initially opposed, are one of the most important turning points of international art music, that is, classical music in America. This article, compiled from the publications of Crist, De Lapp and Birket, briefly touches upon these two contrasting periods of the composer's life.

In the following I will talk about the “ars subtilior” aspects of Ligeti's etude Galamb borong.
First I turn to the extremely ambiguous ballad Angelorum psalat by Rodericus, created around 1400. The author's name appears in crab form as "S. Uciredor". The ballad was first transcribed by Nors Josephson, stolen with minor changes, as Josephson said, by Gordon Greene for his Monaco edition of the Codex Chantilly (Ch). I presented to Ligeti this transcription. When talking about ars subtilior in an interview with me, Ligeti referred to this only surviving work of Rodericus. He was absolutely familiar with this ballad and its intricacies in additive rhythms.
Then I go to Ligeti and show his asymmetrical rhythm layers, embedded in a formal superstructure of imitated „gong” strikes, adopted from gamelan music. This feature is supported by the title he originally intended for the etude: Les gongs de l'île Kondortombol.1 It is the name of his fantasy island, which he painted with maps in his childhood.
The individual five phrases in the Ligeti etude are polymetric. The slowest level, a melodic supersignal,2 would correspond to the uppermost gamelan line, often supported by bamboo flutes in Bali. Below this, in the etude there is a multiple structure down to the fastest level, played by gendèr instruments, which are metallophones with curved metal lamellas.
It will be shown that Ligeti is also close to Dufay. Guillaume Dufay wrote the motet Nuper rosarum flores for the inauguration ceremony of Brunelleschi's new dome for the Florence Cathedral. This astonishing motet was well known in the Ligeti composition class, also through the analysis by Charles Warren. Dufay used the proportion 6:4:2:3, taken from Brunelleschi's concept. The architectural proportional culture of Europe resonates in Dufay. And with Ligeti it resonates together with Bali.

Objective : To study effect of an Episodic Memory Training Program-Emotionally-focused (EMTP-E) in the elderly. Methods : A quasi-experiment, pretest-posttest study was conducted.The subjects were elderly people in the Ban Bang Khae Social Welfare Development Center for Older Persons. Eighteen participants were divided into an experimental group and a control group. The experimental group participated in the EMTP-E, which was conducted in 10 sessions. Each session was an hour and a half long. The control group received regular activities. Comparison episodic memory scores of the experimental group before and after participating in EMTP-E and those scores between the experimental and control group by using a story memory subtest and a picture memory subtest from Wide Range Assessment of Memory and Learning, Second Edition (WRAML2) were analyzed by using Mann Whitney U test. Results : The results of this study revealed statistically significant differences between the experimental gro...

รายงานวิจัย -- มหาวิทยาลัยเทคโนโลยีราชมงคลพระนคร, 2560A design and development of powertrain module crash test using with the motorcycle crash test is aim to create a special tool for automotive assessment and safety engineering based on the realistic test. In order to main system of power module tester is consisting of powertrain system using electrical motor, transferring system using chains and gears and control direction system using dual rails respectively. Based on powertrain module tester performance, crashing speed, relative angle between target and distance before crash are regarded. Nevertheless, the result of testing performance was conducted to statistic hypothesis test by Mean Absolute Deviation: MAD, Standard Deviation: SD, Mean Square Error: MSE, Mean Absolute Percent Error: MAPE and Root Mean Square Error: RMSE. The results of this approach discovered that the crashing speed was the highest error with 96% and the lowest was distance before crash. Furthermore, it was ...

Texto introductorio pera el curso 'Modelos matemáticos de análisis y creación musical en el siglo XX'. http://www.fciencias.unam.mx/docencia/horarios/presentacion/232240

RESUMEN
En este trabajo se plantea la utilización de conceptos tanto de la teoría de la música como de las matemáticas, como una alternativa para la obtención de resultados enriquecedores. para la primera. Se hace una introducción al lector a la teoría de grupos y se analiza su aplicación a la transformación de un núcleo de 3 alturas en el proceso precompositivo de una obra.