Tema 2: El teatro en Grecia

EL DITIRAMBO Y LAS FIESTAS HELÉNICAS

Según algun experto, el teatro griego nace del como: Coro que se desplaza para
realizar una acción cultual con procesión y danza

Siguiendo a Aristóteles, la mayoría de los manuales de historia del teatro hacen

nacer la tragedia del ditirambo o de los solistas del ditirambo, y la comedia de los
himnos fálicos.

¿Qué era, en realidad, el ditirambo?

Parece ser que se trataba de un coro cantado por unos cincuenta (50) hombres o
niños.
Su contenido era más lírico que dramático.
En los ditirambos se invita generalmente a los dioses a que desciendan a la tierra
y asistan al canto del Coro para venerar a Dionisos.

Platón llama al ditirambo el nacimiento de Dionisos. En este dios los griegos

personificaban todas las fuerzas misteriosas, bienhechoras y aterradoras de la
Naturaleza.

En el Ática las fiestas estaban dedicadas a Dionisos, de ahí que se las denominase
fiestas dionisiacas o dionisias.

Las dionisiacas tenían lugar tres veces al año:

1. en primavera -finales de marzo- estaban las grandes dionisiacas o de la ciudad

de Atenas, aunque la hegemonía de esta ciudad les dio pronto un carácter
panhelénico. Estas fiestas duraban seis días, y en ellas, tras el surgimiento del
teatro, se celebraban tres concursos dramáticos a los que se presentaban los
grandes autores. Es presumible que en toda la historia no haya habido unos
premios de tanta repercusión como éstos.

2. en enero nos encontramos con las dionisiacas leneas, fiestas exclusivamente

atenienses; duraban cuatro días y no contaban con concursos ditirámbicos.

3. finalmente, a finales de diciembre, existían las dionisiacas rurales, en los demos

o poblados griegos.

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En las grandes dionisiacas se cantaba el ditirambo. Comenzaba con una
procesión en la que se traía la estatua de Dionisos desde Eleuteras.
En las dionisiacas rurales el dios era traído en un carro naval y la procesión iba
precedida por un sacerdote. El carro de Tespis (actor y trágico, que algunos
historiadores lo consideran el creador de la tragedia) tenía igualmente la forma de
carro naval (carnaval): hay que tener en cuenta que Grecia está poblada de islas.

El elemento característico del ditirambo solía ser un ritornello (estribillo) lanzado

como un grito por el Coro. Con estos gritos se alternaba el canto del guía del
coro llamado exarconte o corifeo. En ellos se solía implorar ansiosamente la
llegada de Dionisos, dios de la fecundidad animal y agraria (ganaderia y
agricultura).

DEL DITIRAMBO A LA TRAGEDIA Y AL DRAMA SATÍRICO

El origen de estos dos géneros estaría en el desarrollo del texto cantado por el
corifeo y de los estribillos gritados por el Coro en los ditirambos. Así, pues,
debemos pensar en un diálogo inicial entre el Coro y el corifeo, que no estaría
muy lejos de los diálogos entre Coro y corifeo en la tragedia. Posteriormente, el
corifeo se separó del Coro para dar lugar al primer actor.

Este paso capital se le atribuye tradicionalmente al mítico actor y autor trágico

Tespis. Con la aparición del primer actor acaba de nacer en realidad el teatro
occidental propiamente dicho.

Esto es fácilmente comprensible si imaginamos que este primer actor no sólo

dialoga con el Coro, sino que acompaña su diálogo con la acción. Dicho de otro
modo, no sólo recita o canta, sino que actúa: Es sujeto y objeto de la acción.

Los himnos fálicos no explican suficientemente algunos elementos característicos

de la comedia, tales como los agones (enfrentamientos entre dos coros, entre
Coro y actor o entre los propios actores); ni la Parábasis, o secuencia en la que el
Coro se dirige sin máscara al público... Y, sin embargo, todo esto se encuentra en
diversos rituales griegos

SENTIDO RELIGIOSO DEL TEATRO GRIEGO

Está claro que el teatro griego, de manera similar al teatro de los otros países de
diferentes culturas que se han mencionado, tiene también un sentido religioso, al
menos en sus primeras manifestaciones.

En Grecia el hombre se encuentra en continuo diálogo con la naturaleza a la que

diviniza. La polis establece el marco de la convivencia social, regula esta
convivencia. Pero la polis no anula las fuerzas de la naturaleza que, espléndidas y
sobrecogedoras, rodean al hombre griego.

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Las danzas son sin duda danzas de posesión auténtica que provocan el trance la
histeria colectiva. Se trataba de danzas ejecutadas en torno a la timele (un altar
situado en la orquesta), sobre el que previamente había sido colocada la estatua
del dios.

El público acudía al rito del ditirambo con la cabeza ornada de coronas vegetales,
y los fieles de Dionisos se contorsionaban presos de la manía divina. Mediante la
danza, se reproducía una histeria colectiva que formaba parte integrante y
necesaria de un rito cuya finalidad estaría en el exorcismo, en la liberación del
furor reproducido.

De aquí arranca probablemente algo tan esencial en el teatro griego como es la

mimesis y la purificación catártica de las que nos ocuparemos más adelante.

En ocasiones, estas celebraciones acababan en una comunión sangrienta, en la

que los participantes devoraban crudo a un animal sobre el que previamente
habían suplicado que descendiese Dionisos para poseerlo. Con el dios poseído,
se divinizaban ellos también.

LOS GÉNEROS DRAMÁTICOS

Tres son los géneros dramáticos griegos: el drama satírico, la tragedia y la

comedia. Los dos últimos servirán de norma a las variantes habidas en el teatro
occidental.

El drama satírico expresa otra de las necesidades expresivas del teatro griego que,
en ocasiones, debe dar rienda suelta a los impulsos refrenados, a las capas del yo
reprimidas por la conciencia.

Los brotes del drama satírico han podido aparecer, aquí y allá, a lo largo de la
historia del teatro: en Shakespeare, en Mallarmé, en Lorca, en muchos de los
intentos de nuestro siglo emparentables con Artaud o con los surrealistas.

Consideramos como subgéneros parateatrales, y en nuestro caso preteatrales, el

ditirambo, los comos y las audiciones timéticas (especies de oratorios en torno a
la timele).

EL DRAMA SATÍRICO

Poco es lo que sabemos de este género. Poco es también lo que de él nos queda:
Los sabuesos, de Sófocles; El cíclope de Eurípides y algunos fragmentos de
Esquilo.

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De origen dorio, fue introducido en Atenas por Pratinas, en la época en que
Esquilo iniciaba su carrera, y se incorporó al programa dramático que contaba
con una trilogía de dos tragedias y un drama. Al añadirle el drama satírico se
convirtió en tetralogía.

Tiene grandes parecidos con la tragedia, tanto en su estructura formal como en

su temática de carácter mitológico. Pero se diferencia de la tragedia en el tono, en
la representación en la que tanto cuentan los gestos, la danza y en la composición
del Coro, integrado obligatoriamente por sátiros, conducidos por su jefe y padre,
Sileno; de donde, en Atenas, se le conoce también con la denominación de
Drama silénico.

Por su fondo y su forma, se podría considerar como una tragedia divertida en la

que el Coro de sátiros sería el componente básico y esencial; o como un drama
grotesco, si atendemos más a los elementos de la representación.

¿Cómo eran los sátiros de estos dramas?

La mayoría de los historiadores los pintan vestidos con pieles de cabra se dice
que de las cabras sacrificadas a Dionisos.
De este animal son igualmente otros atributos: cuernos, cola, pezuñas...
Como Dionisos, a cuyo corteo pertenecen, los sátiros personifican las fuerzas de
la naturaleza, particularmente las fuerzas pasionales que conducen a la
procreación; de ahí que hayan pasado a la posteridad como símbolo de la
pulsiones eróticas que anidan en el hombre y en los animales. Pero también
simbolizaban otros impulsos: el temor, el desenfreno, la ironía...
De ahí que se los represente como humanos con elementos animales.

LA TRAGEDIA

No sabemos muy bien por el origen del término tragedia, aunque algunos lo
hacen provenir de tragos (macho cabrío), pues a nadie le convencen los motivos
de dicha etimología.
En su estructura cabe distinguir:

* El prólogo, secuencia inicial que anticipa, en forma dialogada o monologada, la

historia trágica.

* El parodos o canto de entrada del Coro.

* Los episodios, que serían como los actos o cuadros del teatro moderno.

Estos episodios suelen estar separados por cantos del coro (estásimos). De estos
episodios, el último, formado por la salida del Coro, recibe el nombre de éxodo.

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LA REPRESENTACIÓN DEL TEATRO GRIEGO

Los géneros propiamente dramáticos se sostienen desde los griegos sobre dos
pilares básicos: el diálogo y la acción.

“El monólogo dramático y el mimo, con sus distintas variantes a lo largo de la

historia del teatro, cuentan una historia con acciones y suelen contener un
diálogo encubierto, si no ya manifiesto.

En el género mimo los actores «hablarán» echando mano del código gestual. En
las variantes del monólogo dramático, el diálogo puede aparecer de diversas
formas:

* desdoblamientos psicológicos del personaje,

* reproducción de diálogos con otros personajes ausentes o con sus imágenes,

* apóstrofes (incluidas las apóstrofes al público), etc.”

Consideremos primero el actor y el Coro para pasar a otras consideraciones

sobre el lugar y las técnicas de la representación.

LOS ACTORES

Ya hemos dicho que los actores son los encargados de encarnar a los personajes
mitológicos o históricos del teatro griego, verdaderos sujetos y objetos del relato.

Tenemos que entender que, hasta cierto tiempo, el griego sólo ha tenido acceso a
un relato narrado.

En un segundo tiempo, el espectador advierte la relación mimética entre el

personaje y el actor que lo encarna, es decir, que lo presenta en carne y hueso.

Para entender bien esto hemos de pensar que nosotros vivimos en un mundo un
tanto alejado del griego, en el que tenemos consolidados los géneros que
muestran la acción al teatro así como al cine. Pero debemos precisar que fueron
los griegos los que operaron el paso de la epopeya (narración) al teatro (narración
más acción).

Es comprensible que este paso se diera de un modo gradual: poco a poco, la

acción fue ganándole terreno a la narración y a los recitados heredados del culto.

Hay que comprender igualmente que la relación actor-personaje no es en un

principio de uno a uno: un actor distinto para cada uno de los personajes de la
obra, como ocurre por lo general en el teatro moderno.

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Entre los griegos, un actor solo podía representar a varios personajes en la misma
obra.

Con Tespis hubo un solo actor.

Posteriormente, cada uno de los grandes trágicos aumentó su número:

* con Esquilo aparece el segundo actor (deuteragonista);

* con Sófocles el tercero (triagonista);

* Eurípides continúa con tres actores e introduce un actor más que pero no
habla.

Conforme aumentan los actores, se incrementan el número de personajes

presentes al mismo tiempo en escena. Y con ello obviamente crece la
importancia de la acción y disminuye la parte narrativa.

Por lo mismo, al aumentar los participantes en la acción y en el diálogo que la

conduce, decrece la parte recitada o cantada que se encomienda al Coro. Además,
al perder importancia el Coro, los autores reducen el número de coreutas.

En Eurípides ya sólo encontramos (12) doce coreutas. En la comedia,

Menandro acabará renunciando totalmente el coro.

Por otra parte, hay que tener en cuenta también que si el incremento de actores
ayuda a una representación más realista de la acción, también es verdad que con
ello el teatro pierde parte de su carácter mimético y se empobrece la relación
actor-personaje, lo que acarrea, inevitablemente, el debilitamiento del carácter
ritual del teatro.

No es casual que, cuando el teatro contemporáneo ha querido recuperar la

mimesis y la ceremonia, ha acudido, entre otras soluciones, a la fórmula del
teatro griego: un actor para varios personajes.

El actor contemporáneo representará sucesivamente varias transmutaciones o

metamorfosis de un mismo personaje o de diversos personajes.

Para que esto quede de manifiesto, el actor se investirá también de los atributos
de sus personajes respectivos: máscaras, vestimentas, pelucas... Preferentemente,
este acto de la transformación forma parte de la ceremonia, por lo que se realiza
a la vista del público.

Arrabal es, sin duda, el autor de nuestros días que más ha puesto en práctica esta
técnica en su teatro pánico, aunque sus ceremonias evoquen en primer lugar la
liturgia católica.

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Por increíble que nos parezca, las mayores «novedades» de las vanguardias del
siglo XX han consistido en retornos a los orígenes del teatro ritual.

EL LUGAR DE LA ACCIÓN: EL «THEATRON»

Es de suponer que antes de la construcción de los teatros, los coros ditirámbicos

actuasen al aire libre, rodeados por los espectadores.

En la época clásica, el teatro fue de madera.

Posteriormente, se pensó en su ubicación en la confluencia de dos colinas en

cuyas laderas se situaba el auditorio o theatron (θέατρον: lugar para ver) al que
los romanos llamarán cavea (parte excavada).

En el siglo V antes de Cristo, el auditorio abrazaba unas (3/4) tres cuartas partes
del círculo de la orquesta.

En la parte baja de las colinas queda la orquesta, de forma circular, rodeada de

una balaustrada de piedra con un altar de Dionisos (timele) en su parte central.

Al fondo, frente a los espectadores, se alzaba un muro alto tras el que se situaba
un edificio destinado a habitaciones para los actores, maquinaria (tipo de
tramoya antigua) en su parte superior.

Entre este muro y la orquesta (más alto que la misma) se sitúa un espacio
estrecho denominado proscenio.

Los actores y el Coro se colocaban normalmente en la orquesta, aunque, más

tarde, se replegaron hacia la parte posterior de la misma orquesta.

Finalmente, parece que los actores empezaron a actuar sobre el proscenio.

Licurgo reconstruyó el Teatro de Dionisos hacia el año 333 a. de C. y colocó

asientos de piedra para los espectadores.

En la actualidad, contamos con suficientes restos de los magníficos auditorios

griegos, entre los que destaca el Teatro de Epidauro, en Grecia, y el Teatro de
Siracusa, en Italia.

El estudio del auditorio no ofrece problemas. En cambio, se sigue debatiendo

otros aspectos del espacio escénico, particularmente la relación entre el proscenio
y la escena (skene).

Parece ser que la primera función de esta skene, que tenía forma de habitación,
era la de servir para los cambios de los actores a lo largo de la representación.
Tenemos datos de la construcción de una skene en Atenas en 465 a. de C.

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Otro uso muy posible era el de servir de espacio escénico para los dioses que
formaban parte del reparto escénico.

La dimensión altura tenía su simbolismo en el teatro griego. Por medio de la

maquinaria, los dioses descendían a lo largo del muro (es el deus ex machina).
Pero su actuación no podía situarse al mismo nivel de los personajes humanos.
Así que la skene, parte contigua al muro, elevada como el proscenio sobre la
orquesta, pudo ser inicialmente el lugar reservado a los dioses.

DECORADO Y MAQUINARIA

El muro de la skene, que pudo en un principio aparecer desnudo, se revistió más

tarde con alguna colgadura.

Al principio, en el espacio escénico no debió figurar ningún lugar extraescénico.

Éste debía ser creado por la imaginación de los espectadores siguiendo las
indicaciones del texto.

En tiempo de Esquilo, el espacio escénico se integró en el espectáculo para

sugerir los lugares comunes de la acción (palacio, fortaleza, bosque, lugar
elevado), lo que se conseguía por medio de un telón de fondo y de unos
bastidores, llamados periactois, colocados en los laterales del proscenio.
Los periactois podían incluso girar sobre sí mismos para presentar en sus caras
diferentes decorados a lo largo del espectáculo para cambiar la “escena”.

Ya con Eurípides se disponía igualmente de:

* una plataforma móvil,

* de una polea en el techo de la skene para alzar por los aires a los dioses,

* de plataformas elevadas para designar los lugares olímpicos,

* de terrazas,

* de escotillas,

* de escaleras por las que podían ascender los fantasmas de los muertos.

Como utensilios necesarios para producir efectos sonoros y visuales, los griegos
disponían de placas que se golpeaban para simular el ruido del trueno, mientras
que con antorchas que se agitaban para producir el resplandor de los
relámpagos

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MÁSCARAS, COTURNOS, VESTUARIOS

Para nosotros es obvio que la máscara oculta el rostro del actor y con él su
enorme riqueza gestual. Sin embargo, los griegos y otras civilizaciones antiguas,
en sus celebraciones rituales preteatrales, ya usaban las máscaras o disimulaban la
cara con barro, azafrán (color amarillo) y otros productos.

Este hecho tiene un evidente simbolismo: el de revestirse de unos atributos

nuevos que hagan al actor digno de oficiar en el culto y relacionarse con lod
dioses.

Trasladado al teatro, podríamos decir que la máscara opera la transmutación del

actor en personaje o, mejor dicho, la ocultación de la identidad real del actor para
representar la identidad del personaje a través de los rasgos reflejados en la
máscara.

Otras pueden ser también sus consecuencias:

* la de hacer coincidir al personaje con su carácter expresivo (cómico o trágico

tipificados);

* la de producir efectos de sobrecogimiento, particularmente en la tragedia;

porque al ir figurada en un casco que agranda las dimensiones normales de la
cabeza humana, hace más visible al personaje, al tiempo que consigue que guarde
las proporciones con su elevada estatura, debido al uso de los coturnos;

* igualmente, según otros, su cavidad servía para ampliar la voz, haciendo el

papel de falso megáfono (pero esto no era necesario, dada la buena acústica de
los teatros);

* finalmente, permitía que un actor pudiese representar a varios personajes con

sólo cambiar de máscara.

Con Aristófanes se dan las máscaras figurativas de animales ranas, aves...

Con el tiempo, los artesanos consiguieron un realismo sorprendente en sus

máscaras que pudo poner en peligro la tipificación de los personajes. Pero este
realismo estuvo en correspondencia con el realismo de los textos dramáticos.

Este sería el caso de ser cierto de aquella representación de Aristófanes que hace
salir a escena al filósofo Sócrates: la fidelidad al modelo fue tal que el propio
Sócrates, que se encontraba entre los espectadores, se puso en pie para que éstos
no creyesen que estaba en escena representándose a sí mismo;

Por su lado, los coturnos servían para dar mayor altura a los actores trágicos. De
este modo, los actores que hacían personajes nobles sobresalían por encima del

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Coro y, por otro lado, su altura se amoldaba, como ya hemos indicado, a las
proporciones de la máscara.

El actor se convertía así en una especie de gigante, y se hacía visible para todos
los espectadores. Este gigantismo conlleva un simbolismo psicológico y moral
que creaba en los espectadores efectos de sobrecogimiento propios para
experimentar la catarsis de que nos habla Aristóteles.

Añadamos algunas notas sobre el vestuario de los griegos.

Los trajes usados por los actores griegos resumían estilizadamente la moda ática
de acuerdo con los personajes que representaban.

Se componían esencialmente de túnicas cortas y medias (quitón, clámide) y

mantos.

En el vestuario se jugaba también con el simbolismo de los colores.

* Los reyes habían de vestir de púrpura;

* Los personajes de luto, con tonos oscuros.

Las almohadillas servían para abultar el cuerpo humano a fin de que guardara la
debida proporción con la altura.

Los monarcas usaban una corona como símbolo de su dignidad y mando...

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