3.

El grabado en el Paraguay a partir de 1950

Ya los países vecinos de Paraguay habían librado la lucha de búsquedas y

experiencias renovadoras muchos años antes, en 1922 en Sao Paulo, Brasil se hace la
Semana de Arte Moderno y en la Argentina el Vanguardismo16 se instala en 1924.

Un cuarto de siglo mas tarde, en nuestro país el Centro de Artistas Plásticos, que en
esa época regía el quehacer pictórico de los artistas nacionales, no adecuaba sus
propuestas y experiencias estilísticas al momento actual que se estaba viviendo
mundialmente, y eso dio lugar a una escisión dentro de sus propias filas. Algunos artistas se
abocaron en la tarea de búsquedas y experiencias renovadoras; y las tendencias del arte
moderno fueron pasando velozmente a fin de ponerse a la altura de otras latitudes.

En 1952 en ocasión de la exposición de Olga Blinder en el Centro Cultural Paraguayo

Americano presentaron el catálogo Josefina Plá y Joâo Rossi, y esos son los textos de lo
que se considera el Primer manifiesto de Arte Moderno Paraguayo.17
16
Vanguardia: Grupo de escritores o de artistas que en un momento dado son considerados los
"avanzados " dentro de su técnica. Diccionario de términos artísticos. Edit. Noguer-Rizzoli. Bca,
1973

17
Primer manifiesto de Arte Moderno Paraguayo
Escribió Josefina Plá: “Arte contemporáneo no es precisamente todo cuanto se hace hoy.
Pero sí aquello que solo puede ser hecho hoy, reflejo del hombre contemporáneo”.
“Al artista de ayer le interesaba la estática, equilibrio de las formas, balance entre líneas y
masa. Al artista de hoy le interesa la dinámica, tensión entre masa y espíritu. No le preocupa tanto
manifestar cuanto sugerir. No dice, como ayer, dónde el hombre está sino a donde va”.
El arte contemporáneo no es humorada, no es una actitud arbitraria, una pirueta sustitutiva. Es
sí, una aventura, uno más de esos periódicos periplos en los cuales el hombre, circunavegante eterno
de sí mismo, ciñe su territorio de eterno desconocido en busca de inéditos puertos. Es un hecho
espiritual con auténticas raíces en el tiempo y las vivencias colectivas”.
“Solo hace poco se ha empezado a comprender que el arte, como producto natural del espíritu,
no podrá estar al margen de la ciencia. El arte no persigue lo científico, es cierto; pero se encuentra
con ello a cada cruce de su camino renovador”.
“El arte de hoy es el que corresponde a una época que ha descubierto que el movimiento es
una ley universal y que hasta la Torre Eiffel o el Empire State Building no son más que sendos
enormes, inconmensurables ballet de átomos. Es el arte de la era que desintegra ese mismo átomo y
aplica a la mente ese uranio 293 que el el psicoanálisis”. “¿Arte joven? Quien lo duda. Por eso
imprevisible. Tal como lo vemos, no podríamos decir si es una meta o el principio del camino. Lo dirá
la historia en la cual no estaremos pero habremos estado con nuestra angustia, nuestra ansia de
evadir tiempo y distancia; un ansia medida temporal y penosamente en el espacio de la obra de arte
de hoy”.

Decía Joâo Rossi: “Sucesivas etapas jalonadas por sucesivas reacciones de la sociedad
intransigente y conservadora fueron siendo vencidas; escalón tras escalón se fue ascendiendo… Y
así, a pesar de los gritos roncos, de los llantos sin lógica, de las reclamaciones infundadas, el arte
contemporáneo maduró gradualmente, despaciosamente caminando hacia su meta, aún no
alcanzada”.
“El arte nuevo no vino, como se piensa la mayoría de la gente, a derribar lo viejo, lo tradicional.
Vino precisamente porque lo viejo, lo tradicional, existía; vino, sencillamente, en razón de eso mismo,
puesto que no se produce nada sin que el artista, el crítico consciente y el público sano estén
previamente convencidos e imbuidos de que hay algo que ya es viejo”.
“El arte nuevo debe incorporar el fluido vibrante de las preocupaciones de su creador: persona
consciente y de verdadera responsabilidad, que sabe y hace todo lo posible para trasponer en su
temática, en un esfuerzo titánico, los límites de lo existente”. (Plá J, Blinder O, Escobar, 1977, Arte
Actual del Paraguay 1900-1995)

16
 Según Olga Blinder: “...entre 1950 y 1960, nuestro arte se abrió a la modernidad,
nuestros grandes vecinos ya habían librado esa misma lucha 30 años antes. En São Paulo,
Brasil, en 1922 se hace la Semana de Arte Moderno, y en la Argentina el Vanguardismo se
instala en 1924.

En 1952, en ocasión de la exposición de pintura de Olga Blinder en el Centro Cultural

Paraguayo-Americano, presentaron el catálogo Josefina Plá y João Rossi, y esos son los
textos de lo que se considera el Primer Manifiesto de Arte Moderno en nuestro medio”.18
(Ultima Hora, mayo 13, 2000)

En el mismo artículo, agrega Olga Blinder: "Todas las tendencias del arte moderno
fueron pasando velozmente, ya que era necesario ganar etapas, y cada uno de los artistas
buscaba afanosamente su propio lenguaje. Fue así que en 1960 se realizaron las primeras
experiencias abstractas y también se abrió el camino para el arte ingenuo, dos
modalidades que no aparecían hasta entonces, pero que eran consecuencia de la apertura
lograda por las exposiciones y los trabajos de divulgación realizados por el Grupo Arte
Nuevo, que sin haber logrado, al principio, un cambio masivo en el gusto artístico del
público, alentaba la búsqueda y las experiencias renovadoras."

a) Joâo Rossi

En los años 50, llega al Paraguay Joâo Rossi proveniente del Brasil, contratado por la
Asociación Cristiana de Jóvenes. Paralelamente a sus actividades en dicho establecimiento
Rossi empieza a relacionarse con los artistas locales, influyendo así en la renovación de la
plástica paraguaya, por las propuestas nuevas que trae consigo, por la forma nueva y
diferente de enfocar la concepción artística.
Si bien no influyó directamente en el grabado paraguayo, sí lo hizo indirectamente
con sus ideas frescas, propuestas estilísticas diferentes, que fue prendiendo en los artistas
de la época. En los años 60 comenzó a realizar grabados en nuestro país.

Rossi planteó la investigación, la flexibilidad, propugnando el valor del juego y de la

vivencia sensible para lograr la creatividad en el arte en general, y una visión rica, sensible y
con más libertad en las creaciones. Fue uno de los maestros que preparó y abonó el terreno
del arte moderno en el Paraguay.

Las charlas y conferencias impartidas por Joâo Rossi fueron decisivas para la
renovación del arte paraguayo en la década de los años 50, porque traía consigo una nueva
forma de concebir el arte, una forma diferente.

18
Manifiesto: Texto, dirigido a la opinión pública, redactado y firmado por artistas
comprometidos en una misma tendencia. Los futuristas proclamaron numerosos
"manifiestos" dedicados a temas muy diversos (arquitectura, pintura, escultura, teatro,
cine...); el primero de ellos, elaborado por F.T. Marinetti, fue publicado en la editorial de "Le
Fígaro" parisién el 20 de febrero de 1909.

17
 b) Livio Abramo

En el año 1956 llega al Paraguay LIVIO ABRAMO, quien en ese entonces era
una de las figuras fundamentales del arte brasileño moderno. Livio viene invitado por la
Misión Cultural Brasileña en el Paraguay para una muestra de sus xilografías. En dicha
ocasión, dicta un cursillo sobre grabado con matriz de madera y funda el taller “Julián de la
Herrería” junto con un grupo de artistas paraguayos.

El aprendizaje de la técnica del xilograbado junto a Livio Abramo, eleva la motivación

de los artistas locales, quienes encuentran la forma de realizar sus expectativas estilísticas,
a tal grado que numerosos artistas optan por el grabado en madera, dejando la pintura un
poco de lado, la cual, hasta ese entonces era el único medio de expresión que conocían.

Cuando llega Livio al Paraguay, encuentra un campo propicio para la enseñanza del
grabado, pues los artistas locales se encuentran en un estado de efervescencia, de
inquietudes, con deseos de cambios, de nuevas propuestas.

Livio llega a nuestro país en un momento de profunda necesidad de cambios

estilísticos, y encuentra un campo propicio para la enseñanza del grabado, pues los artistas
locales se encuentran en un estado de efervescencia, de inquietudes, con deseos de
cambios, de nuevas propuestas. Había deseos de cambio en nuestros artistas, inquietudes
de realizar algo diferente.

Hay que resaltar que en esa época, el Grupo Arte Nuevo, ya había desarrollado su
lucha, lo cual se manifestaba en la técnica pictórica preferentemente; y tuvo una influencia
directa en la renovación estética del arte visual en nuestro país. Según Olga Blinder: “Dicho
grupo se animó a romper con la forma de pintar impuesta por los maestros del Centro de
Artistas Plásticos”.

Livio funda el primer taller de grabado de la época: Julián de la Herrería; y es allí

adonde acuden los pioneros del grabado paraguayo en busca de las respuestas a sus
inquietudes vanguardísticas. Allí se formaron, y más adelante fueron saliendo al exterior,

18
trayendo así la influencia de otras corrientes latinoamericanas, nuevas propuestas de
manifestaciones artísticas. Entre sus primeros seguidores se encuentran Edith Jiménez,
Olga Blinder, Lotte Schulz, Adela Solano López, Leonor Cecotto, entre otros. Posteriormente
acuden a su taller de grabado Carlo Spatuzza y Fabiola Adam.

Con la llegada de Livio, el grabado se constituye en un medio expresivo muy

importante dentro de las artes visuales en nuestro país; las matrices ya no son solo formas o
planchas de madera o linóleo, sino que se incorporan nuevos elementos, como forma activa,
surgiendo así nuevas formas de impresión. Se utilizan diversos objetos, clisés, de manera
que se pueden interactuar, repetir, superponer uno con otro.

Livio Abramo fue el maestro de toda una generación, y contribuyó para la formación
del arte contemporáneo paraguayo, tanto por sus ideas renovadoras, como por su técnica.

Xilograbado, Livio Abramo

3.1. Grabadores a partir de los años 50/60

Según Luly Codas: “El proceso que acontecía en el arte paraguayo, concientemente
(como en Andrés Campos Cervera) o inconscientemente (como en Jaime Bestard), llega
a su madurez y eclosiona cuando se conforma el llamado Grupo Arte Nuevo”
“Los cambios acaecidos en el mundo y en el hombre del siglo 20 eran tales, que ya
era imposible mantener los mismos valores formales o conceptuales de un academicismo
del siglo pasado, inadecuado a la nueva visión realista y humanista del hombre
contemporáneo” (Ultima Hora, suplemento Correo Semanal, pág. 32, oct 10, 1998).

Se llamó Grupo Arte Nuevo a un grupo de artistas liderados por Josefina Plá, que
alrededor del año 1950 y luego de la llegada al Paraguay del pintor, grabador y ceramista
brasileño Joâo Rossi, toma conciencia activa de la necesidad de apuntar sus experiencias y
búsquedas hacia la modernidad. El grupo estuvo por conformado inicialmente por Josefina
Plá, Olga Blinder, José Laterza Parodi y Lilí del Mónico, y posteriormente se le unieron
Carlos Colombino, Edith Jiménez, Francisco Torné Gavaldá, Joel Filártiga, Leonor
Cecotto, Pedro Di Lascio. Apoyaban al movimiento desde otros ámbitos culturales Ramiro
Domínguez y Miguel Angel Fernández.

19
 Fue así que en los años 60 se realizaron las primeras experiencias abstractas y
también se abrió el camino para el arte ingenuo, dos modalidades que no aparecían hasta
entonces, pero que eran consecuencia de la apertura lograda por las propuestas estilísticas
renovadoras del Grupo Arte Nuevo.

En dicha época existían varios centros culturales como ser el Ateneo Paraguayo,
Escuela de Bellas Artes, Centro Cultural Paraguayo Americano, Asociación Cristiana de
Jóvenes, y posteriormente el Instituto Paraguay-Brasil, el Centro Juan de Salazar y la
Escolinha de Arte.

Según Josefina Plá: “El Grupo Arte Nuevo definía su posición frente al momento
cultural. En su gestación tuvo papel de invalorable oportunidad Joâo Rossi. El conocido
artista brasilero era entonces un joven que encapullaba lo nuevo con la edad y con el mundo
interior de que ésta era cifra y cobertura” (Catálogo de exposición Los tiempos de Olga
Blinder, setiembre 1992).

a. Olga Blinder

Miedo, xilograbado, 0,20 x 0,30 m. – 1959, Olga Blinder

Nace en Asunción, el 30 de
diciembre de 1921. Le toca vivir el
ambiente de la época de la Guerra del
Chaco en 1932, como también el de la
Segunda Guerra Mundial 36/45, como
también la Revolución del 47 y los golpes
de estado del 54 y 89 en Paraguay.

Pintora, dibujante, grabadora y

docente. Es Licenciada en Pedagogía y
se especializó en educación por el arte y
creatividad. Doctora H.C. de la
Universidad Nacional de Asunción.

En dichas especialidades participó,

dictó cursos y presentó trabajos. Así
mismo tiene publicados numerosos libros,
artículos y folletos sobre educación y arte.

Realiza exposiciones individuales

desde 1950 participando desde 1953 en
muestras internacionales de arte. En 1954
participó en la organización y fundación
del Grupo Arte Nuevo, exponiendo en la
Primera Semana de Arte Moderno
Paraguayo en las calles de Asunción.

Dirigió la Escolinha de Arte del Paraguay en la Misión Cultural Brasileña, fundadora del
TEI y del IdeA. Actualmente es Directora del Instituto de Arte (ISA) de la Universidad
Nacional de Asunción, creado en 1966. es asesora para el convenio Ministerio de
Educación/BID para la elaboración de textos escolares.

20
 Posee mención honorífica de la Liga de los Derechos de la Mujer, la condecoración de
la Orden de Río Branco, Grado Caballero, otorgada por el Brasil, y premio “Integración
Latinoamericana” del Ministerio de Cultura y Educación de la República Argentina.

b. Edith Jiménez

Xilograbado de EDITH JIMÉNEZ

Nació en Asunción, en
1920 y falleció en el año
2003. Se inició en el arte
del grabado, junto a Livio
Abramo, de quien aprendió
la forma de tallar la madera
y la manera de utilizar las
herramientas para realizar
grabados.

Distinciones más
importantes: Medalla de
Oro en el Primer Certamen
Latinoamericano de
Xilografía de Buenos Aires;
Mención de Honor y
Plaqueta en la VI y VIII
Bienales de San Pablo;
Mención de Honor en la Bienal Latinoamericana de Grabado de Santiago de Chile; Plaqueta
de Oro en el Encuentro del Grabado en la Cuenca del Plata y el Premio Internacional de la
Bienal de San Pablo en 1975...

En su etapa inicial, Edith realizó algunos trabajos figurativos, pero enseguida lo

abandona en busca de un lenguaje propio, descubriendo la riqueza de las texturas en el
xilograbado y cambiando hacia un estilo más abstracto, más meditado, y compositivamente
bien ordenado; si bien todavía en ese entonces se valía de la naturaleza para lograr las
formas esquematizadas.

Utilizó primeramente el negro y blando, y luego pasó a una etapa cromática, haciendo
estampaciones con la utilización de la superposición de colores, y finalmente combina esas
texturas de sus inicios con sus estampaciones coloridas pero despojadas de las formas,
encontrando así su propio lenguaje cargado de expresión.

Según Olga Blinder: “En nuestro medio, al parecer, Edith Jiménez fue la primera
artista que hizo grabados en colores, modalidad que inició hacia el año 1970. Su formación
como pintora, que se inició con Jaime Bestard, se sumó a lo que le dio el grabado que
aprendió con Livio Abramo”. (Ultima Hora, suplemento Correo Semanal, julio 2002).

En un artículo publicado en ocasión de su exposición de pinturas en la Galería

Fábrica decía: "Cuando Edith abandona casi completamente la pintura _el color_ y dedica
todo su esfuerzo y su creatividad al grabado en madera, el color no la abandona. Al sobrio
blanco y negro que aprendió de su maestro, muy pronto se fueron añadiendo los colores,

21
que le exigieron una nueva manera de grabar y, especialmente, de imprimir". (Ultima Hora,
suplemento Correo Semanal, Mayo 18 de 2002).

“La sensibilidad de la artista fue descubriendo en la áspera técnica impuesta por los
formones, buriles y gubias un mundo nuevo de imágenes más libres, un mundo informal,
consecuente con el lenguaje propio de los instrumentos de grabar madera. De este modo, si
al principio se inspiró en las fuentes naturalísticas (término inventado por Livio Abramo en su
comentario), para extraer de ellas formas abstractizantes, se puede decir hoy que el
grabado de Edith Jiménez se sitúa dentro de una imagen radicalmente abstracta...Pero la
abstracción de estos grabados representan emociones y sentimientos interpretados por la
artista con fuerza.
Fulguraciones de fuegos y de llamas, cascadas de luces, tensiones y fuerzas
explosivas, masas y formas que se atraen, se rechazan y se desintegran, todo esto
constituye el mundo representado en estos grabados”. Livio Abramo, 1963.

Olga Blinder manifiesta en publicación aparecida en el periódico Ultima Hora por

internet: “Pero en 1956 llega Livio Abramo a Asunción, invitado por el profesor Albino
Peixoto, para realizar una gran exposición de sus obras en el Instituto Paraguay-Brasil
(así se llamaba entonces el actual Centro de Estudios Brasileños). Esa muestra era de
xilografías en blanco y negro, y Edith, como muchos otros artistas que estaban
trabajando en ese momento, se sintió atraída por las obras expuestas y comenzó a
realizar grabados en las clases en las que, generosamente, Livio junto con sus
lecciones nos prestaba sus herramientas”.
“La matriz en que las gubias y los buriles dejaban surcos para crear ricas
composiciones ya no llena sus expectativas. Necesita algo más y vuelve a aparecer el
color, ese color que por muchos años fue elemento primordial de su vocabulario y su
principal instrumento, pero ya no es aquel con el que representaba árboles, cielos,
prados... Lo que el grabado le dejó, las transparencias, lo sugerido..., enriqueció su
nuevo-viejo lenguaje: la pintura. El resultado final, el grabado en color, surge de la
impresión de diferentes matrices en las que se graban figuras que aisladas están
incompletas y solo al imprimirse superpuestas, en diferentes colores y
transparencias, hacen que nazcan las formas que la artista imaginó desde el
principio”.

22
 c. Leonor Cecotto

Nació en 1920 en Formosa, Argentina, pero toda su vida transcurre en el Paraguay,

donde realizó toda su obra, lo que hace de ella una de nuestras artistas. Falleció en 1982.

Pintora y grabadora autodidacta Leonor Cecotto forma parte de las figuras más significativas
del arte moderno paraguayo.

Cuando Livio Abramo comenzó a dar sus lecciones en el Taller de Grabado, Leonor
asiste a varias clases, pero no entiende el portugués; Leonor toma entonces nota de las
herramientas que eran utilizadas y trabaja sola. En 1951 expone por primera vez en
Asunción.

Entre los premios obtenidos por la artista se encuentran: Primer Premio de Pintura del
Segundo Salón de Otoño, Primer Premio Adquisición en el Primer Concurso de Grabado del
Centro Cultural Paraguayo Americano.

Las muestras internacionales de Leonor Cecotto comprenden: la Exposición Internacional de

Pintura en Chicago; el Primer Concurso Latinoamericano de Xilografía en Buenos Aires, la
VII Bienal de San Pablo, la Primera Bienal Internacional del Grabado en Tokio y la Muestra
de la Colección de Arte Sudamericano en Braniff Internacional, en la Universidad de Texas.

También estuvo en la Segunda Bienal Internacional del Grabado en Santiago, en Suiza,

Nueva York, Washington, Medellín, Italia, Brasil y Costa Rica.

En nuestro país participó en varias exposiciones individuales y colectivas. Sus obras se

hallan en la Colección de Grabados del Museo Metropolitano de Nueva York, en la Biblioteca
Nacional de París, en el Museo de la Unión Panamericana de Washington, en la Colección
de Arte Sudamericano de la Internacional de Texas, en el Museo de Arte Moderno de la
Ciudad de Sydney, en el Museo de Arte de Maldonado de Uruguay, en la colección
Circulante del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo y en colecciones particulares de
Suiza, Túnez, Estados Unidos, Francia, Alemania, Venezuela, Canadá, Argentina, Chile,
Italia, Inglaterra, Uruguay, Tailandia y España.

23
 Xilograbado de Leonor Cecotto

d. Miguela Vera

Nace en Asunción en 1918. Según Miguel Angel Fernández, “ .....su lenguaje, que se
desarrolló de acuerdo con sus necesidades expresivas, apenas registra cambios en las
imágenes soterradas del mundo popular”.

Miguela vivió mucho tiempo en la Argentina, pero a pesar de ello su temática

permanece unida a Paraguay. Es egresada de la Escuela Municipal de Arte Manuel
Belgrano, y se especializó en grabado en la Escuela Provincial de Artes Visuales Profesor
Juan Mantovani. Fallece en el año 2005 en Asunción, Paraguay donde residía y continuaba
haciendo grabados.

Tetaguá Sapukai, 1963

Xilograbado de Miguela Vera

24
 e. Lotte Schulz

Nació en Encarnación en 1925. Se inició en grabado con Livio Abramo. Según

Josefina Plá, “Practica una modalidad que intitula grabado sobre cuero (propiamente, sobre
piel)”. También graba sobre madera y metal.
Ex Directora del Museo Nacional de Bellas Artes del Paraguay. Actualmente sigue
grabando y participando de Bienales Internacionales.

Grabado sobre cuero, Lotte Schulz

f. Jacinto Rivero

Nació en 1932 en Asunción. Como otros tantos grabadores en madera, se formó con
Livio Abramo. Según Fabiola Adam, “el maestro Livio lo llamaba co-fundador” (del taller de
grabado Julián de la Herrería). Su lenguaje es ingenuo, y denota las tradiciones populares
de nuestro país.

Obtuvo Medalla de Plata y Mención de Honor por el Ministerio de Educación del Brasil,
Medalla de Plata y Mención de Honor por la Asociación de diseñistas del Brasil, y en 1966
obtuvo la Medalla de oro en Grabado en el Salón de Primavera del Ateneo Paraguayo.
Falleció en 1995, en Asunción.

CHE MITARO GUARE, Xilograbado de Jacinto Rivero

25
 g. Carlos Colombino

Nació en 1937 en Concepción. En sus trabajos se nota su profesión de arquitecto por

la composición en la construcción de sus obras, y sobriedad y precisión de sus líneas.

Desde 1963 se dedica al grabado, alternando con la xilopintura, técnica propia que
practica a partir de sus experimentos con las matrices de los xilograbados. Actualmente
realiza grabados con matrices de metal: aguafuerte.

h. Carlo Spatuzza

Nació en1966. Integra grabados al espacio tridimensional como “instalación”, y

trasciende la utilización de la obra como objeto aislado. Trabaja en la concepción y
realización de escenografías y vestuarios para obras de teatro, danza y vídeos.

Estudió grabado con Livio Abramo y luego con Edith Jiménez. Participó en seminarios
de grabado en Buenos Aires, bajo la dirección de Alicia Díaz Rinaldi.

26
En 1995, fue escogido por concurso para trabajar en litografía en el Instituto Tamarindo
(Novo México), y obtuvo una beca para participar en máscaras y estructuras gestuales de
Donato Sartori, en Río de Janeiro.

Obtuvo los siguientes premios, entre otros:

1994 Premio Derechos Humanos, 1º premio, Embajada de los Estados Unidos, Asunción.
1992 Derechos Humanos, 1º premio, concurso de grabado, Naciones Unidas, Asunción
1991 Hacia el 5º Centenario, 1º premio, concurso de pintura, Asunción
1990 Mostremos Paraguay, 2º e 3º premios, concurso fotográfico, Asunción
Bienal - Representación Nacional – Paraguay: Enfermedades Comunes en el Paraguay II
1995 Serie Yacaré Irupé. Hojas disecadas de victoria-regia, papel y vejigas de animales
cosidas y aglutinadas con cera.

i. Fabiola Adam

Nació en Asunción en 1946. Se graduó de Profesora de Educación Primaria en

Villarrica, dedicándose desde entonces a la docencia. En 1965 estudió dibujo y pintura en la
Escuela de Bellas Artes, y se inició en el arte del grabado en el entonces taller Julián de la
Herrería, dirigido por Livio Abramo.
En 1966 realizó curso del Educación por el Arte en la Escolinha de Arte de Río de
Janeiro. Desde 1983 a 1992 participó del curso de grabado en el Centro de Estudios
Brasileños, de Asunción con Livio Abramo y Edith Jiménez.

Desde 1983 ha participado de numerosas exposiciones colectivas y algunas individuales, en

galerías e instituciones culturales del país y del exterior.
Desde 1988 su obra ha sido exhibida en varias ediciones consecutivas de bienales
internacionales de grabado y artes gráficas en Taiwán, Noruega, Puerto Rico, Eslovenia,
Italia, Holanda, España, Francia, Egipto, Turquía, Macedonia, China.

27
 En 1987 obtuvo el 1º premio de la Aldea de Niños S.O.S., en 1988 Premio Mejor
Grabado en el Bosque de los Artistas – Feria H. Guggiari y una mención en el concurso de
logotipos de la Fundación Moisés Bertoni. En 1995 1º premio Grabado MNBA – Sub.
Secretaria de Cultura del M.E.C. En 1996 Mención de Honor MNBA. En 2000 Excellence
Price, Quingdao Internacional Print Bienal Excibition, R.P. China, y en el 2004 Mention
Speciale, Association Jenachiéze. Pour L’encouragement a la Gravure sur Bois-París,
Francia.

Se dedica exclusivamente al grabado xilográfico a través de los cuales obtuvo varios

primeros en concursos nacionales e internacionales donde ha participado de diversas
bienales internacionales.
Tiene en su producción artística temas mitológicos del Paraguay, como ser El Luisón,
La Malavisión; además algunas series ecológicas y paisajes urbanos, y una muy importante
dedicada a las Misiones Jesuíticas que fueron expuestas en bienales internacionales.

Según Juan Manuel Prieto: “El arte de Fabiola Adam nace de la profundidad de una
vida de cosas simples, donde el intelecto ocupa un lugar secundario en relación a las
sensaciones inmediatas vitales. Por eso siento que ella, apropiarse de la técnica del
grabado y asumir sus riesgos y posibilidades, da espacio, un amplísimo espacio a aquellos
temas tomados de las creencias populares, ricas en fantasías, pero arraigadas en todos los
aspectos de nuestra cultura''.

j. Osvaldo Salerno

Es arquitecto, diseñador, grabador y pintor. Expone en nuestro país y en el exterior

desde los años 70.
Según Ticio Escobar: “Salerno plantea su propuesta como siempre de los elementos
de los que parte, por eso los tipos son considerados en sí mismos como signos visuales en
un movimiento que se articula siempre en torno a los sistemas gráficos de impresión. A
menudo estos sistemas son conscientemente trasgredidos como una manera de recalcar su
presencia: Se invierten las letras, se alteran los márgenes, se otorga un valor significante a
los medios de prueba de galera, subrayado a mano, tachaduras, etc.”
Salerno utiliza muy a menudo su obra grafica en instalaciones, utilizando su propio
cuerpo para las estampaciones.

Grabado, Osvaldo Salerno Impresión utilizada en instalación, Salerno

28
 3.2. Características y evolución de la obra gráfica de Olga Blinder

Olga empieza sus grabados realizando obras más lineales, sus figuras están
delimitadas por líneas marcadas independientemente de su color, el cual en principio era en
blanco y negro, para luego incursionar en el grabado a varios colores. A menudo toma o se
inspira en temas sociales o políticos como pretexto para su obra.

Utilizó numerosas técnicas, desde el xilograbado, el zincograbado, aguafuerte,

litografía, estampaciones con fórmica, y clichés.

Utiliza mucho la superposición de imágenes para crear o simular diferentes planos, y

recurre a los colores secundarios para acompañar un color fuerte para darle mas
profundidad a sus obras, o simplemente utiliza colores secundarios, también recurre a la
escritura en sus grabados.

En sus primeras obras, el dibujo es continuo, para luego trabajar por zonas y
finalmente se lanza a las estampaciones libres. A pesar de utilizar el dibujo, trabaja el
contorno de las figuras a fin de lograr planos sugeridos en la estampación, con volumen en
las figuras, como es el caso de las lavanderas. Mas adelante utiliza el color para delimitar
sus formas, donde utiliza el color y la superposición para dar la sensación de volumen, sus
formas tienden a ser casi siempre curvas.
En principio las obras de Olga son más figurativas y paulatinamente va a lo abstracto
figurativo, como el caso de las lavanderas, que luego pasa a la serie de la luna o de los
espías ya menos lineales, pero si marcados sus límites por el color.

Lavanderas, xilografía, 1961 Lavanderas, xilograbado, 1963

29
El torturado, xilografía, 1963

30
I nútil espera, xilograbado, 1968

31
Ser, zincograbado, 1977

32
De la serie los espías

33
De la serie los espías

Espías

34
De la serie: los papeles

35
Clip con papeles ordenados

Medialuna sobre el papel

36
 Tiras cruzadas

Serie ARTAUD, Impresión de cliché sobre formica

37
Las fases de la luna II y cuarto menguante

38
Conclusiones

Este estudio se tomó a partir de artistas que sobresalen por su continuidad en la

producción de grabados, como también en su cualidad e importancia ganada a través de su
misma producción y su aceptación por el publico en general, que no siempre es entendido
en la materia de grabar o de hacer una critica constructiva estéticamente hablando, por lo
cual quizás adolezca de errores, propios de cualquier estudioso de la materia, mas aún
tratándose de un trabajo subjetivo y que solo pretende sentar precedentes para futuras
investigaciones que profundicen el tema en general o algún artista en particular.

Por los resultados observados a través del tiempo, se desprende que fue fundamental
el taller impartido por Livio Abramo. Los participantes arriba citados, de su taller de grabado
con su producción artística y por las propuestas estéticas así lo demuestran, tanto Edith
Jiménez, como una Olga Blinder, pioneras en el grabado a partir de la década de 1950, y la
joven promesa hecha realidad en Carlo Spatuzza, así lo avalan.

Los noveles grabadores (consagrados), ya sea con reuniones presenciales, o clases

llevan esa chispa que Livio Abramo supo inculcar a sus alumnos, tenemos un Colombino, un
Salerno y los cientos de jóvenes que hoy día conforman los talleres del Instituto Superior de
Arte, del Ateneo Paraguayo, del Centro de Estudios Brasileros, de la Escuela de Bellas
Artes, entre otros.

Lo que es indiscutible es que la fundación del ISA en Paraguay, también fue

fundamental como semillero de futuros artistas, muchos de los cuales ya empiezan a ser
reconocidos nacional e internacionalmente por su producción artística, y otros por seguir el
apostolado de enseñar en otras instituciones llevando hasta ellos sus conocimientos, sus
nuevas concepciones artísticas, abriendo nuevas metas, nuevos desafíos y cerrando esas
barreras arcaicas anteriormente existentes en nuestro país.

Las estadísticas del nivel adquisitivo, del gasto publico y de la pobreza de nuestro país
en relación a otros de la zona indican que es mucho el camino por andar, que se hicieron
avances significativos en materia artística y cultural, dado la poca inversión del estado en
materia artística. Esa misma carencia puede observarse en el gasto publico invertido en el
ISA, pionera en la formación de Licenciaturas en artes visuales, es un llamado de atención a
los responsables del presupuesto destinado a la educación y las artes, ni que decir a la
cultura, pues un pueblo sin cultura, sin raíces, sin tradiciones autóctonas, es un pueblo sin
historia.
Si bien es cierto que la alta taza de pobreza de nuestro país quizás haga que se de
preferencia a otros sectores, también es cierto que un pueblo con cultura, con educación
será cada vez mas libre…

Cabe señalar el esfuerzo personal que realizan los artistas paraguayos como
paliativo a la deficiente actuación institucional y gubernamental en el trabajo por la cultura, la
libertad de expresión y la vigencia de las artes en el Paraguay. Nuestros artistas se financian
a sí mismos sus especializaciones, viajes de estudios o representación, envíos de obras a
los concursos y bienales internacionales, cuando los premios son mas honoríficos que
monetarios, y es el país el que se prestigia cuando un artista paraguayo sobresale en el
exterior, lo cual es un tema a reflexionar...

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