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TEMA 13 ARTE DEL SIGLO XIX

El Siglo XIX es un siglo de cambios, en todos los aspectos de la vida:
* Ideológicos: desarrollo del liberalismo.
* Económicos: revolución industrial y ampliación del capitalismo.
* Políticos: aplicación del liberalismo: paulati na sustitución de las monarquías absolutas por
sistemas constitucionales y repúblicas, desarrollo del nacionalismo, expansión colonial.
* Sociales: definitiva sustitución de la sociedad estamental por la de clases. Desarrollo de la
burguesía. Formación del proletariado: la "cuestión social" y los movimientos obreros.
* Culturales: avances científicos. Aplicación de principios racionalistas y experimentales , así
como el desarrollo de una cultura más de masas .
Un aspecto fundamental de este siglo es la gran f uerza que presentan los cambios p olíticos,
ideológicos, económicos y sociales y su enorme repercusión en el mundo artí stico. Se desarrollan un
gran número de movimientos artísticos que responden a la rápida evolución de la situación política,
económica y social. En todos estos movimientos se aprecia una r ebeldía contra la razón y el
academicismo del siglo anterior. Por otro lado, el hombre del siglo XIX descubre las civilizaciones
desconocidas o mal estudiadas. Además, El nacionalismo favorece el gusto por el folklore, por lo
costumbrista, especialmente durante el Romanticismo.
El siglo XIX fue un siglo contradictorio, de profundos cambios sociales que reperc uten en el
mundo artístico, especialmente en la pintura. Las tendencias artísticas se suceden con ra pidez: el
Neoclasicismo es reemplazado por el Romanticismo (hacia 1830); a éste le sucede el Realismo (hacia
1848) y se impone finalmente el Impresionismo (hacia 1875) que señala el comienzo del arte moderno.
Es difícil clasificar a los artistas en estos estilos, principalmente en lo que a romant icismo y
realismo se refiere. París se convierte en el principal centro artístico. Son importantes las Exposiciones
que reciben el nombre de Salones se convocan concursos y premios que modifican las relaciones de
los artistas con el público.

ARQUITECTURA
No hay correspondencia con la pintura y la escultura.
° La arquitectura se ve afectada por los profundos cambios sociales operados por la
Revolución Industrial. Deberá dar respuesta a las nuevas exigencias de la sociedad:
° Los avances técnicos y la invención de nueva maquinaria para la producción ex igirán la
construcción de nuevas fábricas que sustituyan a los tradicionales tall eres artesanales.
° El desarrollo económico y comercial plantea la necesidad de co nstruir una nueva
tipología de edificios acordes con las nuevas exigencias: puentes y obras públ icas,
museos, bibliotecas, pabellones para exposiciones internacionales, el a umento
demográfico en las ciudades provoca grandes problemas urbaníst icos.
° El siglo XIX se presenta como algo contradictorio en el campo de la arquitectura: a la
estética de la forma se opone la estética de la función . A lo largo del siglo, dos grandes
líneas de acción definirán el quehacer de la arquitectura: la arquitectura-arte frente a la
arquitectura-ingeniería. Algunos arquitectos intentarán unir las dos tendencias buscando
en el recuerdo de estilos pasados el medio de investigar nuevos materiales como el hierro
(VIOLLET LE DUC), O bien, preoc upándose por las posibilidades purament e estéticas
de la ingeniería (EIFFEL).
° La arquitectura se verá favorecida por movimientos como el romanticismo y el
colonialismo: se toman como modelos los edificios medievales y los de otras culturas
exóticas, por tanto, triunfa el gusto por lo exótico y lo extraño o alejado culturalmente.
° Juega un papel muy destacado en el desarrollo de la arquitectura la aparición de nuevos
materiales. Algunos de ellos, como el hierro, ya se conocían en la ant igüedad, pero su

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empleo fundamental es a partir del siglo XIX . Como complemento se usa el vidrio. El
cemento no hará su aparición hasta fines del siglo XIX por lo que alcanzará su auténtica
importancia ya en el siglo XX.
° El principal problema con que se encuentra la arquitectura es el de encontrar un nuevo
estilo ya que se pone en duda el valor artístico del Neoclasicismo. La co nsecuencia que se
deriva de esta búsqueda es la aparición del "Eclecticismo" o “Historicismos”: se copia a
otros estilos anteriores, principalmente el gótico, pero no se crea un nuevo lenguaj e
arquitectónico.
° La arquitectura del siglo XIX se puede dividir en los siguientes cuatro apart ados:
- Arquitectura historicista o ecléctica.
- Arquitectura de los nuevos materiales (Hierro y cristal).
- Modernismo.
1) La Arquitectura historicista
También es conocida como época de los “revivals”. Es, en esencia, un movimiento de carácter
romántico que pretende resucitar e imitar las formas constructivas y estilos del pasado, especialmente
los medievales. Además, la construcción de nuevos espacios (estaciones d e ferrocarril, bibliotecas,
teatros, mercados...) que tienen un valor simbólico, debe acompañarle un nuevo estilo, que le dará una
patente cultural. Varios factores contribuyeron a su implantación: en primer lugar, la reacción
romántica contra el frío neoclasicismo. También el ansia de encontrar en el pasado las raíces de la
propia personalidad en una época de profundo desequilibrio histórico , el rechazo de la nueva técnica
deshumanizadora, y motivos políticos de exaltación nacionalista que pretendían buscar y resucitar los
orígenes de la propia civilización .
Existen notables diferencias entre la arquitectura historicista de las distintas naciones: su
importancia no alcanzó la misma dimensión en todas ellas, ni tampoco resucitaro n los mismos estilos.
En general los más empleados fueron los de origen medieval, especialmente el gótico, y el neomudéjar
en España, pero también se l evantan construcciones neoegipcias, neoclásicas, neohindúes,, etc.
Esta arquitectura historicista no se aleja de la arquitectura de los nuevos materiales: hubo
construcciones que utilizaron el hierro y el vidrio con fo rmas arquitectónicas del pasado, Y, por otra
parte, hubo arquitectos histor icistas que con sus investigaciones prepararon el camino de la
arquitectura moderna. Por eso su carácter de arquitectura contradictoria, ecléctica.

Francia
EUGENIO VIOLLET LE DUC (1814 -1879). Gran estudioso del estilo gótico, es el impulsor
de la arquitectura historicista . Recomienda la utilización del hierro en estructuras góticas muy aptas,
según él, para los nuevos edificios necesarios para la sociedad industrial. Es el restaurador de edificios
medievales: catedrales de Amiens, Vezelay, Santa Capilla de París, etc.
También se construyen en Francia edificios neobizantinos como el Sacre Coeur de París.
Ejemplo de neoclasicismo es el Palacio de la Ópera de Paris, obra de CARLOS GARNIER.
Inglaterra.
Fue donde más aceptación tuvo el gótico que fue considerado como estilo nacional: en 1818 se
llegó a promulgar una ley sobre la obligatoriedad de ut ilizar el gótico perpendicular para todas las
nuevas iglesias que se construy eran. RUSKIN (1818-1900) es el gran teórico del neogoticismo , pero la
obra más destacada la hacen BARRY (1795-1863) y PUGIN (1812-1852). Ej.: Reconstrucción del
Parlamento de Londres.
También se construyen edificios neohindúes como ejemplo de la influencia colonial
destacando entre ellos el Pabellón Real de Brighton (1818) por J. NASH (1752 -1835), utilizando
columnas, vigas y barandillas de hierro colado, mezclándolo incluso con el gó tico.
España
En esta época en España se produce una total desorientación: se combinan formas clásicas con
elementos medievales y renacentistas. Se resucitan principalmente el plateresco, mudéjar y gótico.
Destacan varios edificios importantes: Neomudéjar: Plaza de toros de Las Ventas de Madrid , así
como multitud de estaciones de ferrocarril y plazas de toros por toda España. También de estilo
Neoclásico puede citarse la Catedral de La Almudena de Madrid . Iniciada por el MARQUÉS DE

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CUBAS. Sin embargo, el est ilo Neorrománico está presente en la Colegiata de Covadonga, obra de
FEDERICO APARICI.
2) La arquitectura del hierro y cristal
La utilización de nuevos materiales no va acompañada de la creación de un nu evo lenguaje
arquitectónico: se sigue haciendo uso de las soluciones y elementos de épocas anteriores. Se producirá
un enfrentamiento entre arquitectos e ingenieros: los primeros se consideran creadores de belleza sin
conectar con las nuevas necesidades de la sociedad industrial; los segundos buscan ante to do la
solución de problemas, la utilidad, dejando a un lado los aspectos estéticos.
La llegada de la Segunda Revolución Industrial en el último tercio del siglo, coincide con una
gran expansión de la construcción, como consecuencia del crecimiento product ivo y demográfico. Se
construyen miles de kilómetros de canales, carreteras y ferrocarriles que exigen gran cantidad de
puentes. Todo ello exigen ingentes cantidades de hierro, además de nuevas tecnologías: hierro y
cristal. Las ventajas de la utilización de estos nuevos materiales son muchas: hasta la utilización de los
nuevos materiales la arquitectura se fundaba en la elev ación de muros mediante la yuxtaposición de
elementos sólidos. Los nuevos materi ales cambian esta situación haciendo recaer el peso de la
edificación y el equilibrio sobre una armadura cuyos huecos se rellenan después de otros materiales.
La invención de vigas, arcos y soportes, tanto metálicos como de hormigón, perm iten un
espaciamiento de los puntos de apoyo de la construcción y ordena r mucho más perfectamente los
empujes. La eliminación de los muros como elementos sustentantes y la reducción de la e structura
vertical sustentante posibilita la libertad de composición y distribución de las amplias superficies
cubiertas. Se pueden levanta r bóvedas de gran amplitud y superponer varios pisos aprov echando al
máximo el espacio edificable.
Por tanto, los nuevos materiales permiten realizaciones más rápidas y baratas. En
consecuencia, la altura del edificio, el aumento de la superficie cubierta y la amplitud de los
volúmenes originados, todo ello crea una auténtica revolución en el mundo de la arquitectura.
° Puentes.
Los primeros puentes de hierro datan del siglo XVIII. Se realizan adaptando el hierro a
métodos procedentes de la construcción en piedra. En el primer cuarto del siglo XIX ya se realizan
puentes colgantes. Ej.: Puente sobre el río Severn . Inglaterra, de T.F. PRITCHARD (1779); Puente
sobre el Coalbrookdale (1779), etc.
° Edificios.
Son de tipología muy variada: factorías, estaciones d e ferrocarril, grandes almac enes,
mercados, galerías comerciales, bibliotecas, etc.
A fines del siglo XVIII se empezaron a utilizar soportes de hierro en los interiores de los
edificios. Los muros seguían siendo de materiales tradicionales (ladrillo, pied ra, etc.). Posteriormente
es toda la estructura la que se hace de hierro, aunque en un principio sólo se aplica en los interiores.
Los muros se convierten exclusivamente en elementos de cerramiento. Se aplicará a los exteriores
cuando se combine con el vid rio. El vidrio fue también muy utilizado para determinadas
construcciones como galerías comerciales, invernaderos, etc.
HENRI LABROUSTE (1801 -1875). Fue uno de los pioneros en demostrar las posibilidades estéticas
de la fundición. Utiliza el hierro y el vidrio y se manifiesta en su obra un deseo racionalista por
encontrar la forma arquitectónica derivada de la función. Su obra clave es Biblioteca Nacional de
París. En la Gran Sala de Lectura, 16 ligeras columnas de fundición sostienen a nueve metros de alt ura
bóvedas esféricas cuya abertura permite el paso de la luz.
V. BALTARD construyó Les Halles Centralles de Paris, inaugurando una serie de mercados de hierro,
como los barceloneses de San Antoni (A. Rovira) o el de Born (Fontserré y Cornet)
El cristal va a permitir construir amplias superficies de techos y paredes transparentes y
grandes lucernarios en numerosos edificios: Ej. Galería de Orleáns del Palacio Real de París y Palacio
de Cristal. Parque del Retiro. Madrid , de Velázquez Bosco.
° Exposiciones Internacionales.
Se desarrollan a partir de la segunda mitad del, siglo XIX como signo del avance industrial y
comercial de la economía liberal capitalista, para mostrar ese progreso económico . El edificio
destinado a albergar tal celebración debería expres ar las conquistas de la industria moderna y poseer
gran diafanidad y amplitud. Los pabellones son construidos a base de elementos de hierro

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prefabricados que pueden montarse y desmontarse según las necesidades. Esto es la causa de que
muchos de estos pabellones no se conserven en la actualidad.
El gran edificio de la Exposición de Londres de 1851 fue el Palacio de Cristal, obra de JOHN
PAXTON (1801-1865), hecho con hierro, vidrio y elementos prefabricados, tomando la idea de los
invernaderos. Cubría una superficie de 7000 m. y fue construido con elementos prefabricados y de
forma modular: abaratamiento en la construcción. Fue desmontado posteriormente.
En la Exposición Internacional de París de 1889 (que conmemora el Centenario de la Revolución
francesa) destaca dos obras: la Galería de las Máquinas, enorme espacio interior anchísimo, cubierto
sin columnas intermedias, y la Torre Eiffel.
GUSTAVO ALEJANDRO EIFFEL. (1832 -1923) era un ingeniero que ya había la estructura
metálica que sostiene la Estatuta de la Libertad de Nueva York o las Esclusas del Canal de Panamá.
Para conmemorar el centenario de la Revolución, recibe el encargo de hacer un monumento en forma
de torre, y el hace la famosa Torre Eiffel, una torre de más de 300 metros (307), concebida sólo como
una estructura de hierro. Fue muy criticada ya que los arquitectos de la época creían que se
derrumbaría; ha pasado a ser el símbolo de París, y de toda Francia. Otras obras importantes de Eiffel
son el Puente sobre el río Garabit en Francia , y el Puente sobre el Duero en Oporto .
° La Escuela de Chicago
A mediados del siglo XIX se produce en EE.UU . un fuerte impulso arquitectónico. Factores
que favorecen este desarrollo son: e l sentido práctico americano, la existencia de nuevas necesidades
urbanas o el gran desarrollo de la técnica. Parten de la herencia europea pero planean ciudades con
grandes avenidas y edificios de altura muy superior a la de los edificios europeos. El punto de partida
es el incendio de Chicago en 1871, ciudad industrial importantís ima, nudo de comunicaciones y centro
del comercio de cereales y la carne, pero muy vieja, con edificios de madera que ardieron vorazmente.
Se quiere reconstruir la ciudad con materiales incombustibles: hierro y hormigón armado y cerámica
refractaria para las fachadas. En el terreno artístico, Subordinan el espacio a la función , es decir,
predominará el racionalismo constructivo, prescindiendo casi totalmente de la decoración. Además,
por primera vez fueron los arquitectos quienes emprendieron la renovación, y no los ingenieros u otros
científicos. Se empieza a construir en altura, desarrollándose los rascacielos favorecidos por la
necesidad de aprovechar al máximo los solares, dado su elevado precio, el desarrollo de la energía
eléctrica posibilita el uso d el ascensor y el teléfono, la utilización de armaduras metálicas que permiten
superponer numerosas plantas y la racionalización de la vida burocrática y social, concentrando en una
misma zona los diversos servicios (oficinas, viviendas, almacenes, hoteles. ..).
La Escuela de Chicago impuso una nueva estética que cambió la fisonomía de las ciudades.
WILLIAM LE BARON JENNEY (1832-1907) es el iniciador de la escuela, el primer
constructor de rascacielos. Sustituye los muros exteriores por estructuras metálicas de hierro, lo que
permite abrir grandes ventanas. Estuvo más preocupado por la funcionalidad que por la estética.
Equilibra verticales y horizontales con un cierto sentido academicista. Ej.: Home Insurance. Chicago.
Pero el gran maestro de esta escuela es LOUIS SULLIVAN (1856-1924), también el arquitecto más
imaginativo. Puso las bases del funcionalismo de la arquitectura moderna. Se le atribuye la fr ase: "La
forma sigue a la función", fundamento de nuestra arquitect ura racionalista y funcional. Creó el tipo de
ventana apaisada de tanto éxito en el siglo XX (ventana a lo Chicago). Se asoció con ADLER e
hicieron importantes edificios: Ej.: Auditorium. Chicago, cuya torre no desentona con la rica
decoración interior; los Almacenes Carson, Pirie y Scout (1899), etc.
3) El Modernismo
Surge en Bélgica, desarrollándose entre 1890 y 1910. Cuando aparece recibe el nombre de
ART NOUVEAU de forma totalmente circunstancial: Van de Velde había decorado en París en 1895
una tienda llamada "L'Art Nouveau". Se difunde rápidamente por Europa, gracias a las revistas
ilustradas, recibiendo diversos nombres: España = Modernismo, Francia y Bélgica = Art Nouveau o
Style Metro, Austria = Sezessionstil, Inglaterra = Modern Style, Alemania = Jugendstil, Italia =
Floreale. Su estudio por escuelas es muy difícil debido a la gran originalidad de los artistas pero todos
tienen en común su deseo de crear formas nuevas. Diversos factores contribuyen a su aparición:
* La nueva burguesía enriquecida y r efinada, deseosa de un arte enraizado en el pas ado pero más
elegante y mejor que el de los arquitectos historicistas o el de los ing enieros del hierro.

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* Los movimientos románticos que propugnan el uso de una fantasía libre y creadora, del
subjetivismo y la defensa del placer que proporcionan las artes.
* El cansancio provocado por el historicismo.
* Reacción contra la arquitectura surgida de la nueva técnica: se vuelve a la decoración como un
intento de crear un arte bello y am able, que reivindica lo subjetiv o y lo melancólico. También
busca lo exótico, refinado y rebuscado. Es, en definitiva, el mundo de lo inquieto, sensual y
vibrante, tal vez un neorromanticismo.
* Individualismo y fantasía creadora.
* Las ideas de Morris y Ruskin que defienden la integración d e las diversas artes y la vuelta a los
métodos artesanales.
Su antecedente inmediato es el movim iento inglés "Arts and Crafts” (Artes y Oficios), que
propugnó la confección, mediante métodos artesanales, de los objetos decorat ivos y de uso común
cuidando mucho la calidad estética de los diseños empleados en su ejecución. Surgió en Inglaterra y
su máximo representante es William Morris.
El modernismo pretende, por una parte, hacer un arte nuevo, sin ninguna relación con las
formas artísticas de la antigüe dad, aunque normalmente está impregnado de recue rdos históricos; de
hecho sus antecedentes están en el medievalismo (neogótico), significando una vuelta atrás y una
regeneración del hombre mediante el trabajo manual frente al trabajo mecánico. P or otra parte, desea
aprovechar las ventajas de la moderna técnica pero reaccionando contra la vulgaridad y fealdad de los
productos manufacturados (arquitectura del hierro). Existe un deseo integrador de todas las artes: t rata
de abolir la tradicional separación ent re las llamadas "artes mayores" (arquitectura, escultura y pintura)
y las "artes menores" o aplicadas. Todas deben unir se para configurar un edificio, creando ambientes.
Se emplean los nuevos materiales aportados por la industria, fundamentalmente el vidri o y el hierro,
junto con otros que proporcionan cromatismo a los edificios (azulejos, ladrillos vidriados, etc.).
La decoración ocupa un primerísimo plano en la arquitectura modernista, ya que trata de fundir
vida y arte. Así, la decoración es la base de la obra arquitectónica : Esta decoración se caracteriza por
imitar a la naturaleza de una forma más, o menos abstracta , pero siempre con líneas curvas, sinuosas y
onduladas. Los motivos decorativos son tomados de la flora y fauna: tallos florales estilizad os y
serpenteantes, capullos, árboles, pavos reales, mariposas, pulpos, libélulas, golpes de látigos (coup de
fouet), cabellos femeninos, la asimetría, los arabescos, etc.; utilizan estos temas no de forma
tradicional sino intentando crear un nuevo lenguaj e decorativo .
El edificio es concebido como si fuera un ser vivo: las superficies sinuosas, la asim etría en la
distribución de las ventanas y puertas, los motivos decorativos, todo contr ibuye a producir la sensación
de movimiento. El cromatismo es otra de las características del modernismo. Por tanto, pretende la
unificación de todas las artes, así, las artes decorativas se conciben para crear un ambiente determinado
(techos, vajillas, alfombras, muebles, cortinas, etc.
Pero debemos distinguir dos escuelas distintas dentro de este movimiento: A) Modernismo
Ondulante = España, Bélgica y Francia. B) Modernismo Geométrico = Gran Bretaña y Austria.
Bélgica
VÍCTOR HORTA (1861-1947) es el creador del estilo modernista. En sus edificios curva los
elementos estructurales como si fueran tallos vegetales. En la Casa Tassel de Bruselas traza una
vivienda de 3 plantas, de fachada estrecha, en la que se ve la estructura de hierro. El interior tiene
superficies ondulantes, tanto en la pared como en el suelo. En el Hotel Solvay de Bruselas llegó a
diseñar incluso los muebl es, lámparas y alfombras. Muy interesante es la Casa del Pueblo de Bruselas ,
para el Partido Socialista belga (actualmente destruida), combinando diversos materiales como el
hierro y el cristal.
Francia
HENRI GUIMARD (1867-1942) es considerado como decorador más que arquitecto: trabaja
artesanalmente dibujando cada uno de los elementos decorativos , para después pasarlos al hierro.
Tiene preferencia por el empleo de este material, aunque emplea materi ales de varios colores para dar
más variedad a la decoración. En su obra destacan la asimetría y la decoración orgánica. Su obra más
emblemática son las entradas a las Estaciones de Metro de París: singulares armaduras de hierro y
cristal, con farolas que parecen surgir de altos tallos metálicos, como si fueran capullos.

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España
El centro principal es Cataluña, debido a su desarrollo industrial y la existencia de una fuerte
clase burguesa mercantil capaz de encargar estos costosos edificios, además de la for mación de un
importante sector intelectual renovador, conocido como la Renaixença.
LLUIS DOMÉNECH I MONTANER (1850 -1924) empezó realizando un modernismo más
geométrico como el Restaurante de la Exposición de Barcelona (actual Museo de Ciencias Naturales
de Barcelona), con una total libertad de materiales, presentándolos sin enmascarar, con decoración
artesanal y algo medieval (cerámicas), a un modernismo más ondulante, exuberante de decoración
floral y riqueza cromática, con grandes paneles de cristales, co mo en el Palacio de la Música de
Barcelona (1905-08).
ANTONIO GAUDÍ (1852 -1926) es considerado como el arquitecto más genial del
Modernismo europeo. Es el artista más singular. Nacido en el seno de una familia de artesanos, hereda
una exquisita técnica y un uso recurrente al hierro forjado y los nuevos materiales. A ello se suma en
su personalidad artística una enorme fuerza imaginativa y creadora.
Comenzó practicando una arquitectura de carácter medievalista, primero al mudejarismo,
como se ve la Casa Vicens o la Casa Quijano (actual Restaurante El Capricho) en Comillas, utilizando
el ladrillo, policromía en los azulejos y motivos escalonados, y luego al estilo gótico, sirviendo de
ejemplo el Palacio arzobispal de Astorga o la Casa Botines en León. La dinámica constructiva del
gótico le obsesiona y lo mezcla con la línea curva.
Más tarde su arquitectura evoluciona y abandona los ecos historicistas, haciendo una
arquitectura más funcional y valorando la integración en la misma de la e scultura, pintura y artes
aplicadas. El amor a la naturaleza y lo orgánico siempre estarán presentes en su obra. Sus trazados son
de una gran originalidad; prodiga las superficies ondulantes y los arcos parabólicos, las columnas
inclinadas, etc. Todo parece cobrar vida. Vivo e intenso cromatismo. Utiliza todo tipo de materiales:
cemento, piedra, hierro, mosaicos.
Gaudí encontró un mecenas en el industrial Eusebio Güell. Para él construyó dos de sus
mejores obras: la Iglesia de la Colonia Güell , de planta absolutamente original: estrellada pero
orgánica que se adapta al terreno, utilizando todo tipo de materiales (ladrillo, basalto, cerámica, hierro,
vidrio). El Parque Güell de Barcelona es un trabajo de imaginación aplicada al urbanismo, pues en
principio era el proyecto de una ciudad-jardín. Trazó caminos sinuosos, estructuras con materiales del
lugar que se integran armónicamente en la naturaleza, bancos corridos ondulantes cubiertos de
cerámica vidriada, una especie de sala hipóstila con columnas movidas...
En el barcelonés Paseo de Gracia construyó primero la Casa Batlló, obra que rezuma
originalidad y fantasía. Alterna en el exterior la piedra y la cerámica, la fachada parece moverse
suavemente como un mar ligeramente rizado o como una piel de reptil de azulejos y placas vet eadas.
La luz que ondea en huecos de ventanas y balcones de hierro que dan la impresión de calaveras o
máscaras macabras. En el mismo paseo construyó la Casa Milá (La pedrera). Fiel a la idea de que la
línea recta no existe en la naturaleza, abandona en la planta la ortogonalidad de las habitaciones,
dotándola de un diseño biológico a base de pasillos curvos y superficies trapezoidales. La fachada es
un colosal acantilado arquitectónico agujereado, lleno de cuevas (de ahí el nombre de la pedrera),
reflejo de un embravecido mar de piedra. Remata el edificio una cubierta insólita de desvanes
construidos sobre arcos parabólicos, chimeneas de cerámica blanca ondulantes como gelatinas, y tubos
de ventilación a modo de personajes antropomórficos (todo parece una p esadilla surrealista).
Pero su último gran proyecto, inacabado, fue el Templo de la Sagrada Familia de Barcelona .
A ella consagró Gaudí media vida, llegando a vivir en el mismo taller en el templo, muriendo al ser
atropellado cuando se dirigía a trabajar . Gaudí concibió este templo como un gran poema místico,
lleno de simbología, dentro de su acendrada religiosidad (las torres serían símbolos de los apóstoles,
de Cristo, los evangelistas y la Virgen). Desde luego se trata del sueño imposible de un loco, con un
colosal aspecto surreal y delirante. Sólo se construyó una pequeña parte del proyecto, la Fachada del
Nacimiento, correspondiente al extremo de uno de los brazos del crucero. El templo tendría cinco
naves y tres fachadas, cada una con 4 torres cala das y muy abstractas, además de ábside y cripta. En
las fachadas se aprecian los motivos vegetales orgánicos y el cemento, la piedra, el hierro y los
mosaicos cerámicos le dan una riqueza textu al inaudita. En el interior las columnas se inclinan,
ramificándose en la parte superior para recoger mejor los empujes de las bóvedas, todo lleno de arcos
parabólicos.

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El modernismo geométrico en Gran Bretaña CHARLES RENNIE MACKINTOSH. Fue

también el precursor del racionalismo, al crear el espacio a base de volúmen es muy simplificados, con
un estilo ortogonal. Su obra maestre es la Escuela de Artes de Glasgow. En AUSTRIA OTTO
WAGNER tiene preferencia por las superficies planas y estructuradas. Proclama la primacía de la
estructura sobre la decor ación. Sus obras claves son la Casa Majólica de Viena, la Caja Postal de
Viena y la Iglesia de Steinhof. JOSEPH Mª OLBRICH hizo el Edificio de la Secesión en Viena.

ARTES PLÁSTICAS: EL ROMANTICISMO

El Romanticismo fue un m ovimiento ideológico iniciado en torno a 1830 que afectó a todos
los ámbitos de la sociedad europea. Aspiraba a plasmar a través de todas las artes (literatura, mús ica,
pintura, etc.) los principios revolucionarios que en 1815 quedaron soterrados. El origen está en el
prerromanticismo del siglo XVIII. El triunfo del Neoclasicismo en la segunda mitad del XVIII y
principios del XIX mantuvo al naciente romanticismo en una situación embrionaria durante décadas.
La caída de Napoleón marcó el momento de eclosión del Romanticismo. La Europa surgida del
Congreso de Viena, pretendida restauradora del Antiguo Régimen, estaba lejos de los ideales
románticos. En consecuencia, el Romanticismo no se configura como una estética identificada con el
poder establecido, como lo fue el Neoclasicismo, sin o que lo hace con un carácter de rebeldía
En el romanticismo hay una identificación del arte con el nacionalismo y lo que éste representa
en cuanto al resurgir de las tradiciones y de los valores propios de cada pueblo. Es una reacción contra
el arte severo, rígido y frío del Neoclasicismo: el artista romántico va a proclamar su libertad frente a
las directrices académicas. Ahora aparece un hombre nuevo, cuyas espíritu de rebeldía le llevará a las
más arriesgadas empresas políticas (revoluciones) y personal es (amores apasionados, aventuras, viajes
exóticos, suicidio...). Sus características básicas son: Individualismo, ya que se antepone el sentimiento
a la razón rechazando el racionalismo de la Ilustración; g usto por los gestos teatrales capaces de ll amar
la atención del espectador; C oncepto subjetivo de la belleza. Nacionalismo, exaltación del pueblo y su
heroísmo. Gusto por lo tormentoso y nocturno , gusto por paisajes costumbristas o por lo exótico y
lejano (Próximo Oriente), así como el mundo de la locura, el sueño y la muerte.
En cuanto a la pintura, se aprecia la primacía del color frente al dibujo y la línea: colores
brillantes y luz vibrante que destruye la forma. Composiciones dinámicas: el movimiento llega a ser
convulsivo y los gestos dramáticos y aparatosos. Se usa una pincelada suelta, vibrante, para dar más
expresividad a los cuadros. Los temas son muy variados: históricos: medievales, contemporáneos, con
un carácter político o fatalista; temas orientales, por su exotismo; p aisajes: su interpretación subjetiva
es un excelente medio para manifestar los estados de ánimo; retratos: representan a los personajes con
un aire melancólico, de tristeza o s oledad; religiosos: con un gran valor simbólico.
Francia.
EUGÉNE DELACROIX (1798-1863) es el pintor romántico más importante. Su formación
es neoclásica pero sus preferencias se dirigen hacia Rubens y los venecianos. Es el prototipo de
hombre romántico, bohemio, apasionado, seguro de sí mismo y partidario de la mancha de color en
detrimento de la rígida preceptiva del dibujo. Abandona los colores terrosos y utiliza col ores intensos,
puros, luminosos, con contrastes violentos de color. Emplea el color con total libertad, de un modo
arbitrario, sin ajustarse a la objetividad de la naturaleza. Mediante el col or subraya la composición y da
un aspecto escultórico, de relieves, a la pintura. Sus pinceladas son sueltas y vibrantes que acrecientan
la sensación de movimiento. Sus temas más comunes son los históricos, literarios, simbólicos y
fantásticos. En los temas históricos se interesan tanto por los temas medieva les como por los
contemporáneos usando una gran l ibertad en los temas. Introduce los temas orientales en el
romanticismo a partir de un viaje a M arruecos: le interesan estos temas no sólo por su iconogra fía sino
por la luminosidad del colorido.
Entre sus obras destacamos Dante en los infiernos (1822); Matanza de Quíos. (1824), donde
rinde homenaje a los colonos griegos de esta isla que trataron de independizarse de los turcos; Muerte
de Sardanápalo. (1827); tema oriental dominado por la violencia barroca de la escena con una técnica
suelta donde destaca el color vibrante de Rubens; Su obra más comprometida y política es La
Libertad guiando al pueblo (1830), donde exalta la revolución parisina de 1830 q ue facilitó la llegada

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al poder de la burguesía liberal. En ella se aprecia el símbolo de la revolución, una mujer con los
pechos al descubierto y que enarbola la bandera francesa, acompañado por representantes de todas las
categorías sociales que avanzan en las jornadas de lucha de julio contra el Antiguo Régimen. Otras
obras suyas son: Mujeres de Argel, donde aparece la sensibilidad oriental y el espíritu aventurero del
pintor y Hamlet y Horacio en el cementerio.
Destacar también la figura de THÉODORE GERICAULT (1791-1824) Su mejor obra es La
balsa de la Medusa donde narra un acontecimiento real como el naufragio de un barco francés que
procedía de África; Gericault escoge un momento dramático, en el que exhaustos y con algunos
hombres ya muertos, los sup ervivientes agitan telas y brazos para hacerse ver un barco que se atisba en
el horizonte.
Alemania
El Romanticismo es un concepto indisolublemente unido al renacimiento cultural de los
territorios germánicos del siglo XVIII y comienzos del XIX. Beethoven , Goethe, Schiller o Hegel
personifican este momento de auge creativo. La pintura también vivió un periodo de esplendor como
movimientos como el de Los Nazarenos, defensores de una vuelta a una estética pura de primitivismo
religioso. Pero la personalidad más importante de la pintura alemana es la de CASPAR DAVID
FRIEDRICH (1774-1840), autor de una extensa obre en la que se aporta una nueva visión del hombre
y su relación con la naturaleza. Pinta paisajes, de dramática inmensidad, donde la presencia humana,
siempre vuelta de espalda, es poco más que una constatación de su propia insignificancia. Los
verdaderos protagonistas son el cielo, el mar, las nubes y, sobre todo, la soledad y el misterio. Ej : Dos
hombres contemplando la luna (1819); El naufragio de la esperanza o Viajero sobre un mar de niebla .
Inglaterra
La pintura paisajista del siglo XIX constituye el momento de máximo esple ndor de la pintura
inglesa y su mayor aportación a la historia de la pintura. Se interesan por captar las impresiones
fugaces de luces y colores; los ambientes melancólicos, brumosos o crepusculares. Característicos del
paisaje inglés son el rico colorido y los efectos lumínicos. Constable y Turner son considerados como
precedentes de los pintores franceses del impresionismo.
JOHN CONSTABLE (1776-1837). Practicó la pintura al aire libre. Capta la luz en el cuadro:
en un momento determinado representa los reflejos y movimientos de la luz. Presta especial atención a
los cielos nublados, a las sombras de las nubes en el suelo, a la lluvia y al viento. En cuanto a su
técnica, aplica el color con gran soltura para conseguir más intensos efectos de luz.. Obras suyas son
La catedral de Salisbury o El carro de heno.
WILLIAM TURNER (1775-1851). Evolucionó hacia una mayor libertad en la i nterpretación,
en el colorido y en la técnica. En sus paisajes la naturaleza pierde forma y gana luz: las formas se
disuelven en medio de una luz coloreada , que casi alcanzan la abstracción . Concede más importancia a
los efectos atmosféricos como la lluvia , la tempestad, la niebla, en el fondo lo que le gusta es una
naturaleza tempestuosa de incendios y tormentas reales donde los efectos de luz crean una atmósfera
cambiante. Se anticipa a la pintura impresionista, como se aprecia en Lluvia, vapor y velocidad (1844),
deforma incluso la realidad ; es la primera pintura en la que aparece el ferrocarril, símbolo de los
nuevos tiempos. Otras obras son La tempestad, Vista de Venecia...
España
La pintura romántica tuvo un gran desarrollo, pero se mantiene la influencia goyesca. Surgen
corrientes donde destaca tanto el retrato como la pintura de paisaje y la costumbrista.
Entre los Retratistas tenemos a ANTONIO MARÍA ESQUIVEL (1806 -1857). Es el mejor
retratista, pero su estilo no se libera nunca del gusto academici sta. Ej.: Reunión de literatos en el
estudio del pintor con lectura de Zorrilla .
Como Paisajistas está JENARO PÉREZ VILLAAMIL (1807 -1854). Mezcla el paisaje con los
temas de arquitectura medieval, con interiores góticos. Ej. Interior de la Catedral de Tol edo.
Como Costumbristas destaca LEONARDO ALENZA (1807 -1845). Refleja la España Negra,
satirizando las costumbres en dibujos y grabados. Entre sus temas destacan las escenas pop ulares, las
fiestas de toros...Ej. El suicidio...También está EUGENIO LUCAS (1824-1870) quien también
practica un costumbrismo pesimista: procesiones, cárceles, ajusticiados. Confiere a la representación
un ambiente misterioso, con personajes populares, toreros, bandoleros y corridas de toros, aquelarres y
procesiones de la Inquisici ón.: Revolución de 1854 en la Puerta del So l.

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VALERIANO DOMÍNGUEZ BÉCQUER (1834 -1870). Hermano del poeta, su c ostumbrismo

es alegre y optimista. Es un pintor de escenas regionales, especialmente and aluzas. Ej.: Fuente de la
érmita de Sónsoles; Retrato de Gustavo Adolfo Bécquer.
La penetración de los ideales del Romanticismo en la escultura es menos intensa y durante
las primera década perduran las formas estáticas neoclásicas. Supone una reacción contra la frialdad y
quietud de las manifestaciones escultór icas neoclásicas: defiende una escultura más movida y
apasionada. El modelado tiende a las superficies ásperas y a los gestos grandilocuentes. En los temas,
destacan aquellos que reclaman la exaltación nacionalista; monumentos a personajes ilu stres y temas
literarios que representan a las glorias nacionales.
En Francia, FRANCOIS RUDE (1784-1855) imprime a su escultura un marcado c arácter
nacionalista. La obra manifiesto de todo el Romanticismo escultórico es el gigantesco relieve de La
Marcha de los voluntarios de 1791 o La Marsellesa, en el Arco de la Estrella de París . En esta obra
destaca la feliz combinación entre agitación dinámica (victoria alada que empuja la mirada hacia la
izquierda) y contención (figuras verticales de los guerreros).
En España la nómina de escultores románticas es corta. Se destaca a RICARDO BELLVER,
autor del Ángel caído del Parque del Retiro de Madrid, obra llena de vitalidad y movimiento.

EL REALISMO
El Realismo es una t endencia pictórica que desplaza al Romanticismo a partir de 1848
aproximadamente; se mantiene hasta 187 5. Por tanto, es una especie de puente entre el Romanticismo
y el Impresionismo. Hay varios factores que contribuyen a su aparición:
* Las transformaciones económico -sociales producidas por la Revolución Indust rial, así como la
implantación definitiva de los ideales burgueses.
* La difusión de la filosofía positivista de Comte, que defiende la experiencia y la observación c omo
única fuente de conocimiento; influirá decisivamente en los avances científicos.
* El nuevo sentido práctico de la vida y la coincidencia de los artistas de los terribles problemas
sociales de la industrialización.
* El cansancio provocado por las exageraciones románticas.
* El desencanto por los fracasos revolucionarios de 1848. El arte abandona de inmediato los temas
políticos, como La libertad guiando al pueblo o La marsellesa, por los temas sociales.
Frente al exaltado idealismo romántico y sus deseos de evasión, los artistas defienden a la
realidad concreta como auténtico fundamento del arte. Los artistas toman conciencia de los problemas
que afectan a las clases obreras: la pi ntura se carga de contenido social y los pintores asumen el
sufrimiento y las aspiraciones de la clase obrera. . El carácter polémico y de crítica social de muchas de
estas pinturas hace que los artistas se aparten del llamado arte oficial propugnado por las Academias.
El Realismo reacciona contra los grandes temas mitológicos, históricos, religiosos, heroicos,
que habían sido tratados con apa sionamiento en el romanticism o (ya no es necesario pintar a los
héroes y dioses de la antigüedad o a los grandes personajes bíblicos para ser un gran artista). Se
utilizan nuevos temas, especialmente los que se refieren a los problemas de la soci edad contemporánea
con lo que la pintura adquiere, en muchas ocasiones, un carácter de denuncia político -social. Los
personajes son tomados preferentemente de las clases sociales menos favorecidas: campesinos,
obreros, emigrantes; es el mundo del trabajo en toda su miseria. Los temas tradicion ales son tratados
con todo realismo y objetividad: paisajes tomados del natural, hechos históricos del pasado o
contemporáneos. Su preocupación por el enfoque real de los temas se ve favorecida por la aparición de
la fotografía, que ayuda a fijar la imagen con mucho detalle.
Francia
En Francia la el realismo pictórica tomará dos caminos: 1) El paisaje realista, que seguirán los
pintores de la Escuela de Barbizón y Camilla Corot. 2) El realismo social, de Courbet, Millet y
Daumier.
1) La Escuela de Barbizón. Son los iniciadores del paisaje realista. Esta escuela e xiste como
tal en los años centrales del siglo. Barbizón es una pequeña localidad cercana a París donde se reúnen
un grupo de pintores que quieren poner en práctica las ideas de Rousseau sobre la vuelta a la
Naturaleza. Por tanto, defienden el tema del paisaje con una concepción basada en la observación

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directa de la naturaleza, sin idealizaciones, hasta tal punto que algunas de su s obras parecen
fotografías; Los temas de estos pint ores son el bosque y los arroyos, estudiando los cambios
atmosféricos y los efectos producidos por la luz. El maestro de todos es THEODORE ROUSSEAU.
CAMILLE COROT. El paisaje llega a alcanzar en él tanta importancia que puede ser
considerado como precedente directo del paisaje impresionista. Se inspira en la realidad pero no la
copia, sino que realiza una recreación poética de ella; se advierte una tendencia ligeramente
idealizadora de la naturaleza. Su colorido es suave. La auténtica protagonista del cuadro es la luz .
Defiende la pintura al aire libre para poder captar los cambios de luz: esto le convierte en un precursor
del impresionismo. Ej.: Lectura interrumpida, Catedral de Chartres.
2) El Realismo social
GUSTAVE COURBET (1819-1877) fue el principal representante d el Realismo, del que
también fue un teórico, y uno de los más destacados pintores e uropeos del siglo XIX. Era un auténtico
socialista, defendiendo estas ideas políticas toda su vida, siendo rechazado por ello por la sociedad
burguesa de su época, siendo su s cuadros constantemente rechazados de los Salones oficiales. Su vida
artística siempre estuvo mezclada con la política: concibe los cuadros como manifiestos de carácter
político-social. En cuanto a su técnica, pinta a base de grandes manchas con gruesos t oques de negro.
Realizó estudios sobre los efectos de la luz y los reflejos en los paisajes. Por tanto, es considerado
como precedente de Manet y los impresionistas. Tiene una gran variedad temática: destacan los de
carácter socializante y crítico pero, se gún algunos críticos, sus mejores obras son aquellas en las que
pinta la naturaleza. De acuerdo a sus ideales, pinta los temas cotidianos de la gente sencilla, hombres
concentrados en sus trabajos, mujeres en sus labores, destacando siempre su tristeza e
incomunicabilidad. Sus últimos años los pasó exiliado en Suiza, al participar en la Comuna,
Su obra más reconocida fue Entierro en Ornans (1849), que causó sensación por la implacable
objetividad en la representación de personajes reales que asisten a un e ntierro en su pueblo. En su obra
El taller del pintor (1855), expuesta en una muestra paralela a la de la Exposición Universal de 1855.
En esa obra nos muestra su mundo social: sus amigos y artistas, su musa, la verdad desnuda, y los
miserables y explotados, así como sus explotadores. Otras obras son Buenos días, Sr. Courbet ,
Señoritas al borde del Sena , Los picapedreros...
Otros grandes pintores realistas son JEAN FRANÇOIS MILLET, pintor de la vida rural, de
origen muy humilde, que refleja la existencia dura y difícil del campesino , que él mismo conoció. Ej.:
El Ángelus. Las espigadoras y HONORÉ DAUMIER. Para quién la pintura tiene una intencionalidad
político-social de carácter crítico y sat írico. Los temas, frecuentemente, son de tipo costumbrista
reflejando tanto el aspecto de marginación como el de la revuelta social. Ej.: El vagón de tercera, El
motín, La lavandera.
Inglaterra
Aquí el realismo se manifiesta de un modo muy peculiar y contradictorio. Se va a crear una
asociación de pintores llamada “ Hermandad prerrafaelista” que criticará al retórico arte oficial y el
modo de vida burgués. Defendían la vuelta a un arte primitivo, sin convencionalismos, simple
imitación de la naturaleza, como el que habían realizado los maestros italianos a nteriores a Rafael. Los
pintores más importantes son Dante G. Rossetti y J. E. Millais
En Italia, destaca GIUSEPPE PALLIZA DE VOLPEDO, autor del cuadro El cuarto estado.
España cuenta con dos tendencias:
1) Realismo detallista costumbrista .
MARIANO FORTUNY (1838-1874). Anticipa el impresionismo. Hereda parte de la
temática romántica, pero su lenguaje y técnica pictórica es minuciosa y detallista . Destaca en su
pintura la brillantez y luz del color . Siempre trata de dar una visión poética e idealizada de la realidad.
Trata temas de historia, costu mbristas, retratos, etc., introduciendo el elemento exótico . Su obra más
conocida La Vicaría (1870), cuadro costumbrista detallista hecho a manchas (influencia de Goya) .
2) Pintores de historia
Los temas de historia son los más representativos del realismo español. Suelen ser c uadros de
grandes proporciones con numerosas figuras y excesivos detalles secundarios que llegan, en ocasiones,
a desvirtuar el asunto principal. Ejemplos de pintores de historia son EDUARDO ROSALES con
Testamento de Isabel la Católica o ANTONIO GISBERT, que pinta Fusilamiento de Torrijos.

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La escultura realista centra su interés en la realidad circundante: la naturaleza sirve de

inspiración al escultor, la cual debe reflejar de manera minuciosa y precisa. L os temas son de
contenido social: tipos populares, mundo del trabajo, retratos..
CONSTANTIN MEUNIER. (1831-1905 ) es el mejor escultor del realismo social. Nació en
Bélgica y fue el gran cantor del trabajo y del esfuerzo. Sus tipos humanos tienen una grand eza
sorprendente. Prescinde de la anécdota inútil para valorar el volumen. Sustituye a los dioses y
personajes antiguos por los proletarios anónimos, por los nuevos héroes trabajadores de la sociedad
industrial, destacando la tensión miguelangelesca y la r iqueza de planos que anticipan a Rodin. Obras
suyas son el Cargador del muelle o El Pudelador.
En España, el mejor escultor que puede considerarse realista es MARIANO BENLLIURE
(1862-1947). Practica un realismo casi impresionista, con un modelado grácil, pleno de incurvaciones
y de anécdotas, destacando la g ran calidad técnica, el detallismo, la expresividad y el movimiento.
Hace muchos monumentos públicos,: Ej.: Monumento al General Martínez Campos en el Retiro,
Mausoleo de Joselito en el cementerio de Sevilla o el Busto de Antonio Maura.

EL IMPRESIONISMO
Se desarrolla como movimiento artístico en el último cuarto del siglo XIX. En la segunda
mitad de este siglo es cuando nacen los “ismos”. Con su aparición se inicia el llamado "arte moderno":
a partir de él las tendencias artísticas o "ismos" , que duran muy poco y se suceden con una gran
rapidez. Quizá una de las principales aportaciones del impresionismo radica en la dinámica de cambio
y renovación que imprime en el arte occidental. A partir de él se habla de "ismos" y no de estilos. Será
muy difícil adscribir a los pintores a un movimiento concreto, ya que al durar éstos tan poco, los
pintores van pasando por diferentes ismos.
Los “ismos” valoran el arte por el arte, el arte por sí mismo, criticándo se el gusto burgués. Así
el artista de finales de siglo será un ser decadente, automarginado y bohemio. También será un rebelde,
hará una crítica social (Van Gogh, Gaugin...). Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas
conseguían su aceptación e ra a través de los Salones o Exposiciones Nacionales. Para un pintor el no
ser aceptado en un Salón suponía su marginación y su fracaso. En 1863 se organizó una exposición
con las obras que el jurado no había admitido. A esta exposición se la llamó " Salón de los rechazados",
entre los que se encontraba Manet y algunos años más tarde, en 1874, organizan la primera exposición
impresionista. Así surgirá el concepto de vanguardia en el arte, para significar los compromisos
progresistas de los artistas y la rupt ura con lo establecido por la tradición. La vanguardia siempre será
minoritaria, ya que no aspira a dominar el mercado ni a satisfacer al gran público.
La breve historia del Impresionismo s urge en 1874 en la Exposición de Artistas Jóvenes de la
Galería Nadar. Entre los cuadros expuestos había uno, debido a MONET, titulado "l'Impresión, sol
naciente". El cuadro fue duramente criticado por el crítico LEROY en la revista Charivari, e incluso,
fue el mismo crítico el que peyorativamente calificó con el nombre de "impresionistas" a estos
pintores, nombre que acabó imponiéndose. La última exposición como, grupo impresionista se celebra
en el año 1886. La sensibilidad social fue reacia a este tipo de pintura que durante mucho tiempo tuvo
que soportar las críticas más adversas, ya que surge como rechazo de la pintura ac ademicista.
Este movimiento pictórico no tuvo una gran cohesión como grupo. Compartían unos intereses
pictóricos y estéticos pero les faltaban unos manifiestos teóricos e inclus o una línea de acción unitaria,
aunque todos los pintores se conocían, se admiraban y se reunían a hablar y divertirse en la Academia
Suisse, el taller de Gleyre o el Café Guerbois.
Las características técnicas principales de este movimiento se pueden resumir en:
 Pasión por la pintura al aire libre: aquí se percibe la influencia de Barbizón y Corot. Los pintores
huyen de los talleres al campo. “Cuando llego a mi taller creo entrar en una tumba”, declaraba
Manet. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por la te mática pero más todavía
por el deseo de aclarar los colores, de verlos y reproducirlos puros, y de hallar un correctivo a la
composición demasiada mecánica, de pose, del estudio.
 Nuevos temas. Los impresionistas descubren que no existe el tema insignifican te sino cuadros bien
o mal resueltos. Hacen una recuperación de lo banal que favorece la atención a los problemas
formales. Hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos; interesa la
captación de lo fugaz- el agua, el humo, aire... Son paisajes reales, no compuestos, donde aparecen

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elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones,... Aparecen los marinos, vistas
fluviales, vistas urbanas, nocturnos, interiores con luz artificial, fiestas, personajes de la bohemia,
velocidad y optimismo de los nuevos tiempos...
 Nueva valoración de la luz. El color no existe, ni tampoco la forma; sólo es real para el pintor la
relación aire-luz. Así, la luz es el verdadero tema o motor del cuadro, y por esto repiten el mismo
motivo a distintas horas del día. La calidad y la cantidad de luz ( no la línea o el color) es la que nos
ofrece una u otra configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear
una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Los cuadros son muy luminosos y claros.
 El color está directamente relacionado con la luz . Utiliza colores claros y luminosos (blancos,
azules, rosas, amarillos, verdes...) , vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que la
mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Con este recurso se gana viveza
cromática. El negro desaparece por considerar que no existe en la naturaleza por esto el sombreado
no se realiza a la manera tradicional coloreando las sombras.
 Pincelada suelta, corta y rápida. Para traducir mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen
cualquier retoque de las pinceladas y prefieren la mancha pastosa y gruesa , rápida y corta, debido a
la inmediatez que exigía pintar al aire libre . La línea desaparece y son la pin celada y el color los
valores dominantes.
 Nueva valoración del espacio ilusorio. No hay interés por el espacio que finja profundidad,
desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea
algo vivo, un trozo de nat uraleza, por lo que se huye de la perspectiv a y la composición tradicional.
En muchos cuadros lo llamativo es el encuadre mucho más atrevido, que corta figuras y objetos
como el objetivo de una cámara fotográfica .
El precedente más inmediato, y casi padr e del grupo, es Manet.
EDUARD MANET (1832-1883). Formado en el academicismo, evolucionó desde el realismo
hasta el impresionismo por lo que es considerado como un precedente de este movimiento. Trató de
unir la tradición clásica del Renacimiento con el Re alismo. Tras su etapa en que respeta los cánones
académicos provoca el escándalo en el “Salón de los rechazados” con su “Almuerzo en la hierba” en
1863, y con “Olimpia”, en el Salón de 1866. En ambas obras se aprecia el nuevo rumbo que toma el
desnudo en la obra de arte, desnudo no justificado por ser héroes o dioses, sino jóvenes de la época
(una muchacha junto a dos jóvenes con levita y una prostituta que mira al espectador). Esto la sociedad
de la época no estaba dispuesta a tolerarlo. La figura humana, de dibujo preciso y plano, es sólo el
pretexto para sus cuadros pues el verdadero protagonista es el color. Concibe las formas como masas
de color: grandes manchas de colores puros y planos, con violenta oposición de tonos, aplicados con
pinceladas sueltas. Los cuadros producen la impresión de abocet amiento.
En el Almuerzo en la hierba. (1861), falta el acabado y sobresale los contrastes de luz y
sombras, apreciándose ya la pincelada suelta y ligera. Su Olimpia. (1865) también escandalizó mucho
y destaca la piel blanquecina que forma armonías insólitas con los tonos claros del lecho y almohada.
Otras obras son Pífano, Fusilamiento del emperador Maximiliano, Retrato de Zola, Torero muerto...
CLAUDE MONET (1840-1926). Fue el más poético de todos los impresio nistas y, a la vez,
el más impresionista, ya que junto a Pisarro fue el más fiel al movimiento. Estuvo influido al principio
por Manet. Llegó a ejecutar cerca de 3000 cuadros, la mayoría sobre la luz al aire libre: paisajes,
marinos, escenas fluviales. De Argenteuil hizo su centro de trabajo, centrándose en la captación de los
centelleos luminosos en la superficie del agua. Se interesó especialmente por los cambios de luz
durante el día y por las variaciones atmosféricas en general. En este sentido realiz a series sobre las
"Ninfeas”, la "Catedral de Rouen" o “la Estación de Saint Lázare” . A veces pinta paisajes urbanos
para ver como son modificados estos paisajes por la industrialización (“La Estación de Saint Lazare").
El está convencido de la irrepetibil idad del momento y, por tanto, de la necesidad de plasmarlo casi
instantáneamente. “Quiero pintar lo imposible, quiero pintar el aire”, llegó a declarar.
Su pintura se basa en pequeños y rápidos toques de colores puros que dan un a specto
inacabado al cuadro. En Monet hay un afán denodado por captar las formas en continua vibración y su
aportación al impresionismo radica en su sensibilidad. Cualquier pretexto le sirve a Monet para
mostrar su concepción fluida de la naturaleza. Las Ninfeas de su jardín en Giv erny, obra de vejez,
muestran el grado supremo de disolución etérea, casi abstracta, al reflejarse las luces temblorosas
sobre la superficie quieta y sucia del estanque familiar. Otras obras suyas son: Impresión, sol naciente
(1874), Puente de Argenteuil, Campo de amapolas, Regatas en Argenteuil, Mujeres en el jardín...

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AUGUSTE RENOIR (1841-1919). De origen muy humilde tuvo que trabajar casi desde niño
como decorador de porcelanas. Esto explica que Renoir siempre mantuviera un gusto por el dibujo que
le diferencia del resto de sus compañeros. Pese a ello, fue durante diez años junto a Monet el lider de
los impresionistas. Es el pintor de la alegría de vivir. Contemplar sus cuadros supone una auténtica
inyección de optimismo en el espectador. Su primera época denota la influencia de Courbet ( Lisa con
sombrilla), pero el conocimiento de Monet le acercó al impresionismo ( La grenouillere). Sus temas,
siempre ligados a la juventud y la diversión, aparecen envueltos en una atmósfera de radiante plenitud.
La luz parece brotar del propio lienzo e inundar el espacio exterior con una fuerza irresistible. Utiliza
preferentemente el tema de los jardines para captar la luz, como chispazos centelleantes, según se
filtren los rayos de sol a través de los árboles. Centra su a tención en la figura humana, principalmente
en el desnudo femenino. Su gran aportación fue llevar las conquistas del movimiento a la figura
humana. Representa formas gruesas y poco elegantes que recuerdan a Rubens. Nadie como él supo
armonizar los colores complementarios ni hacer vibrar los rayos de sol en los cuerpos. También realizó
escenas de la vida bohemia parisina. Obras como Torso de mujer al sol, El columpi o, El alumuerzo de
los remeros o El baile en el Moulin de la Gallette son claros exponentes de esta etapa.
Tras un viaje a Italia y admirador a los clásicos, comenzó a dudar de la viabilidad de la pintura
impresionista e inició una etapa basada en la recuperación del dibujo y el uso de la pincelada más
académica. Los colores se hacen más fríos y ácidos (Mujeres en el balcón, Los paraguas). Pero luego
vuelve a intensificar la luz y el color, iniciándose el período nácar, dedicándose a pintar muchachas
jóvenes bañándose: Las bañistas, las grandes bañistas, la bañista rubia...
EDGAR DEGAS (1834-1917). Su maestro fue el pintor neoclásico Ingres, por lo que r ecibió
una formación académica, dando siempre más importancia al dibujo, tal como se aprecia en sus
primeras obras ( La familia Bellelli, La oficina de algodón en Nueva Orleans ). Aunque era un
contertulio habitual del Café Guerbois y defensor del Impresionismo, Degás es u n impresionista más
de la forma que del color. Prefiere la luz de interiores a la del aire libre (pocas son sus obras de
exteriores), la de las candilejas, pálida y mortecina, especialmente (Los bebedores de ajenjo). Quiso
ser el cronista social de la alta burguesía, clase a la que pertenecía por ser hijo de banquero. Sus
cuadros nos informa del ambiente del hipódromo ( En las carreras), del ballet o la ópera.
Su preocupación es captar el movimiento, un instante en la acción , un giro: por eso es el pintor
de las bailarinas y de las carreras de caballos. Consigue dar la sens ación de fugacidad. En su serie de
bailarinas (la clase de baile, el ensayo ...) los movimientos de ballet le permi te la descomposición del
movimiento y la captación de gestos momentáneos. No se limita al mundo elegante del ballet sino que
muestra los esfuerzos de los e nsayos; pinta también el cansancio de los trabajadores (Las
planchadoras) y escenas íntimas de mujeres (bañándose en una tina, peinándose o arreglándose ante
el espejo), pero tratadas de forma nueva ( Escenas de aseo), sirviéndose para ello del pastel.
En España destaca JOAQUÍN SOROLLA (1863-1923).Fue el gran dominador de la pintura
española de finales del siglo XIX y principios del XX.. Fue un artista muy fecundo: nos dejó casi tres
mil cuadros y cerca de veinte mil dibujos y bocetos. Principal representante español del
impresionismo. Parte de temas de carácter histórico y social (Dos de mayo) para convertirse en el
máximo defensor de la pintura al aire libre, tras realizar un viaje a París. Es, sobre todo, el pintor de la
luz levantina y el cielo mediterráneo. Con pinceladas largas consigue captar la luz vibrando en los
cuerpos, en las superficies mojadas, en el agua, en las velas henchidas por el viento. Utiliza colores
muy claros aplicados a base de pincel adas largas y sueltas. En sus obras siempre están presentes las
escenas valencianas de playa y pesca. Ej.: ¡Y aún dicen que el pescado es caro !, Niños jugando en la
playa, Paseo a orillas del mar... Impresionista también es la pintura de Regoyos y Santiago Ruisiñol.
La escultura impresionista
El impresionismo fue un movimiento fundamentalmente pictórico. No parecía en principio la
plástica escultórica procedimiento idóneo para traducir las vibraciones atmosféricas. Pero algunos
maestros supieron introducir juegos lumínicos mediante una renovación de las técnicas; de entre ellos
sobresale Auguste Rodin y, en menor medida, Aristide Maillol y Medardo Ros so.
AUGUSTO RODIN (1840-1917) es el principal escultor europeo del siglo XIX, así como el
punto de arranque de la escultura moderna, ya que rompe totalmente con el Neoclasicismo , abriendo
el camino para la escultura del siglo XX. Su obra e influencia fuer on extraordinarias, superando al

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Impresionismo, con toques simbolistas y expresionistas. Era francés, visitó Italia, descubriendo el
barroco flamenco y Rubens, y la terribilitá y la fuerza de Miguel Ángel, que transporta a sus obras. Su
escultura está arraiga en las formas clásicas, formas que él las distorsiona para darles el hálito de vida
y modernidad. Su obra se considera como la transmisión de las técnicas impresionistas a la masa, al
intentar captar lo accidental y transitorio, mediante un modelado re bosante de huellas de lo transitorio.
También Valoró lo inacabado como parte esencial de la realidad, utilizando la técnica del "non-finito"
aprendida de Miguel Ángel. Afirmaba que no hay lugar para el acabado pues la imaginación del
espectador deberá completar la obra. Esto se puede apreciar en la Estatua de Balzac o Los Burgueses
de Calais (1885), obra donde el deterioro de las anatomías anuncia las vigorosas deformaciones del
Expresionismo. En el aspecto técnico aplicó un poderoso modelado de superficie s rugosas, así como
multiplicó los planos para conseguir efectos de luz y claroscuros. Por otro lado, las formas vivas que
emanan del materia rechazan el punto de vista único y el espectador estático. Se trata de abrir la forma
al espacio: la estatua explo ta y se liberan las masas contenidas. Más que la perfección formal o la
belleza, lo que pretendía plasmar era la vida, la fuerza interior y la verdad interna; y para él la vida era
la fuerza, la tensión, el movimiento y la acción.
El gobierno francés le encargó Las Puertas del Infierno (1880-1917), que se compondrían de
186 estatuas. Luego el gobierno retiró el proyecto, pero Rodin siguió trabajando toda su vida algunas
de esas piezas del conjunto, como Eva, Las tres sombras del ático o El Pensador, donde se aprecia que
para él el arte es todo, la belleza y la fealdad (incluso lo feo y repugnante, cosa que escandalizó en su
época), esculpiendo sin idealizar, tanto a jóvenes atletas como a viejos decrépitos. A pesar del rechazo
que tuvieron sus obras en el p úblico francés, que se mofaban continuamente de ellas, su obra El beso
(1886) fue muy bien acogida, y suponía la apoteosis de la belleza y del movimiento, con la
multiplicación de los planos y la suave ondulación de la superficie. Esta obra significó el ca mbio en su
temática, ya que sin abandonar las formas onduladas, su estilo deriva en plena madurez hacia formas
simbólicas, como La Catedral, reducida a dos manos en posición orante, o La mano de Dios, en la que
de una nube de mármol brota un cuerpo humano.
De impresionista puede considerarse la escultura de Arístide Maillol y Medardo Rosso.

EL POSTIMPRESIONISMO
Bajo este se reúne a una serie de pintores que se forman en el impresionismo, pero superan sus
investigaciones y contribuyen a importantes avances en el arte del siglo XX. Su cronología va desde
1886, última exposición impresionista, hasta 1907, fecha en que la obra de Picasso, Señoritas de
Avignon inicia el rumbo del Cubismo. Estos pintores no forman un grupo propiamente, pero están
relacionados por afinidades ideológicas, centros de interés semejantes, y sobre todo, por su amistad.
Son cuatro grandes personalidades de la pintura: Van Gogh, Toulouse Lautrec, Cezanne y Gaugin.
Todos ellos parten de la pintura impresionista, en cuyo círculo se inician , llegando a participar
en sus exposiciones. Pero los cuatro luego se plantean pronto la necesidad de buscar nuevos
planteamientos formales ante la insatisfacción que les provoca la visión impresionista del arte,
indagando una salida en la recuperación de la forma. Quieren captar no sólo la luz sino también la
expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz
incide. Con sus aportaci ones prepara el camino para los movim ientos pictóricos del siglo XX.
Toulouse Lautrec anuncia el arte-comunicación y el mundo de los carteles y la publicidad; Cezánne es
el pionero del Cubismo; Gaugin anuncia el primitivismo y el ingenuismo (arte naif y pintura nabi) de
las culturas no occidentales; Van Gogh con su expresividad y d ramatismo exacerbado preludia el
Expresionismo.
HENRI DE TOUSOUSE -LAUTREC (1864-1901). Era hijo de una de las familias más
aristocráticas de Francia. Una caída cuando era niño y una enfermedad congénita por falta de calcio
hicieron que sus piernas no creci eran, siendo un deforme toda su vida. Su tragedia intentó mitigarla
entre el alcohol y la bohemia parisina, frecuentando los cabarets, burdeles y circos de Montmartre
(Molulin Rouge o Moulin de la Gallete). Allí estará tomando apuntes continuamente de las bailarinas y
los tipos singulares, siendo el artista que mejor representó la vida nocturna del París de finales de
siglo. Sus cuadros se caracterizan por el d ibujo coloreado y muy expresivo, i nfluenciado por las
estampas japonesas, responsables también de sus encuadres audaces. Su dibujo tiene trazos cortos,
nerviosos, sinuosos, con líneas dinámicas y posiciones inestables estudiadas, combinado con colores

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puros y brillantes, con las p inceladas yuxtapuestas. Usó el pastel de forma rápida, sin matizar ni
sombrear el color y limitándolos (azules, violetas y verdes).A Toulouse siempre le interesó
representar el movimiento (danza, carreras de caballos), temas de expresionismo social (visión amarga
y fuerte de la vida); ambientes de la vida bohemia parisina con luz artificial, no natural (cabarets,
teatro). No se interesó por el paisaje ni por la pintura al aire libre. Sus obras más conocidas son Le
Moulin Rouge, La Goulue (1891), Jane Avril, Au cirque Fernando, La bailarina Cha-U-Kao,..
PAUL CÉZANNE (1839-1906). Hoy es considerado para muchos el padre de la pintura
moderna, siendo tal vez el pintor que mayor influencia ha ejercido en el siglo XX. Sin embargo,
mientras vivió fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. A partir de 1885
vive retirado hasta su muerte en la Provenza, solitario y desconocido. Se inició en el Impresionismo,
pretendiéndolo hacer sólido y duradero. Reacciona contra el impresionismo que había practicado entre
1872 y 1882, revalorizando la forma y la estructura, el volumen del objeto represe ntado, ya que intenta
reconstruir las formas, las líneas y el volumen como un escultor, a la vez que conjuga estas
investigaciones con la búsqueda de la belleza. Afirma que el contorno debe ceder para que las formas
emergiesen. Así lo que le interesa es la estructura subyacente y permanente de la naturaleza, y no la
fugacidad y los efectos cambiantes de luz de los impresionistas. Utiliza los contrastes de color para
diferenciar las figuras y los planos . Por tanto, construía con el color y con una pincelada muy suelta y
libre. Utiliza los contrastes del colorido y las líneas de contorno para destacar las estructuras. También
su pincelada fue evolucionando hacia las geometrizadas manchas de color. Este color lo aplica
mediante fuertes y gruesas pinceladas, como restregones, siendo el dibujo algo totalmente secundario.
Según él, bajo las apariencias de los objetos de la naturaleza subyacen formas geométricas ,
(esfera, cono, cilindro) que es donde, fundamentalmente, radica la belleza . Esto explica la apariencia
geométrica que presentan los cuerpos en sus cuadros. Piensa que hay que partir de la naturaleza, pero
no copiarla sino objetivizarla a través de su descomposición en volúmenes geométricos. Para evitar
que el objeto se desdibuje recalca los perfiles mediante una fuerte línea oscura. Por otro lado, compone
como un clásico, de manera clara y ordenada, buscando en sus cuadros la claridad lógica y la
simplicidad de los objetos reducidos a su esencia. Repite tanto un mismo tema, estud iándolos
pacientemente, desde todas las posiciones para obtener una síntesis de visión. En cuanto a los temas,
éstos parten de la realidad: paisajes, bodegones, retratos, naturalezas muertas, flores. No le interesa el
tema en sí sino la esencia geométrica de lo representado. Entre sus muchas obras podemos destacar las
series de los Jugadores de cartas, Las Bañistas, Paisaje de L'Estaque, Bodegones, La Montaña Sainte
Victoire, El muchacho del chaleco rojo, Mujer con c afetera...
PAUL GAUGUIN (1848-1903). Llegó a la pintura tarde, pues se dedicó a ella a partir de los
35 años. Pero fue tal la pasión que sintió por este arte, que dejó y abandonó su mujer e hijos y su vida
burguesa y confortable, para instalarse en la Bretaña. A pesar de su educación burguesa, fue un
hombre de su tiempo, crítico constante de la sociedad en la que vive, intentando escapar del
encorsetamiento y buscando la pureza y lo primitivo del arte, según él en la Bretaña francesa. En esta
primera etapa en Bretaña, l a pintura para él es más creación que representación. Elabora
intelectualmente los datos de la realidad. En sus temas prefiere contar visiones alegóricas como La
visión después del sermón y El Cristo amarillo.. En ambas obras aparecen figuras reales en un paisaje
irreal y desproporcionado, con un encuadre inaudito en la primera obra. Ahí es donde Gaugin proyecta
sus sueños y visiones, con colores planos y arbitrarios (el prado es una mancha roja), encuadres
insólitos, y donde todo es mágico y simbólico. Este modo de pintar se va a conocer como el
Sintetismo. Gaugin buscaba con ello la síntesis de formas, el plasmar los signos, ideas y símbolos a
través de formas y colores.
El color es su principal aportación: emplea el color para plasmar estados de ánimo. Son
colores puros, planos, de tonos vigorosos e intensos. El color se extiende en grandes manchas
encajadas dentro de las gruesas líneas del dibujo. Son colores puros, arbitrarios, con un valor
decorativo y simbólico. El efecto pictórico consistía, para él, en la armonía de las man chas cromáticas.
Las composiciones son muy cuidadas, sencillas y estáticas . Renuncia a la perspectiva: los colores
puros acentúan el aspecto plano del cuadro. Introduce el gusto por el exotismo a través de su estancia
en la isla de la Martinica (1887), en la de Tahiti (1891-1893, 1895-1901) y en la isla de Dominica
(1901-1903). A estos lugares se escapa para buscar su sentido de belleza, para transmitir todo el

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sentimiento y la poesía contenidas en el espíritu indígena del buen salvaje. En Tahití se libera de la
civilización y vive en una cabaña haciendo una pintura sencilla, primitiva, virgen y salvaje, pintando la
vida indígena y las costumbres sencillas de los nativos, con figuras que tienen gestos conmovedores,
cargados de ternura. Todo esto se puede ver en sus obras Mujeres tahitianas, Senos con flores de
mango, Ta matete, ¿De donde venimos?¿Qué somos?¿A donde vamos? , El nacimiento de Cristo...
VINCENT VAN GOGH (1853-1890). Este pintor holandés s e dedicó a la pintura en los
últimos diez años de su vida, sirviéndole como desahogo a un espíritu atormentado y a su desequilibrio
psíquico que terminará conduciéndole al suicidio. Para muchos su pintura es la obra de un loco, de un
desequilibrado mental y emocional y queda dentro de lo patológico. Su vida atorm entada y azarosa se
inicia en su Holanda natal como pastor religioso entre los obreros de las minas del carbón, pero su
carácter impetuoso le lleva a enfrentamientos con los mineros y tiene que desistir. Sus primeros
cuadros denotan un realismo social del mundo del trabajo, que busca la expresión y recoge la miseria y
la pobreza, con colores oscuros, y una pintura pastosa, clásica y muy pesimista, como se aprecia en
Los comedores de patatas. Apoyado por su hermano Theo (su mentor durante toda su existenci a), se
traslada a París y se pone en contacto con el ambiente parisino de la pintura y con los impresionistas.
Cuando llega a Paris su pintura cambia radicalmente: la influencia de los impresionistas le
aclarará la paleta llegando hasta la expresión de u n colorido exagerado y no distinguirá entre el dibujo
y el color. El color es eminentemente expresivo por si sólo y sus cuadros están llenos de luminosidad
(predominan los amarillos y anaranjados). Un rasgo fundamental de su pintura es la expresión de los
sentimientos mediante el color y la deformación de l a realidad. Utiliza colores puro s, vivos, fuertes:
rojo, azul, verde, amarillo . Utilizará colores arbitrarios: no reproducen la realidad objetiva sino que
adquieren un valor simbólico. Las pinceladas serán fragmentadas, cortas y sinuosas que denunc ian su
angustia ante el mundo, mientras que los p erfiles curvilíneos, serpenteantes, flamígeros. En los temas
predominan los paisajes, retratos, interiores de bares vistas urbanas.
En un momento posterior su pin tura se hará más madura y más realista. Esto se inicia cuando
el artista pinta las cosas tal y como las siente, no como las ve (si ve pasión en cualquier elemento de la
naturaleza el pinta o mete pasión en el cuadro). Sus autorretratos son muy numerosos porque no tiene
dinero para pagar modelos. Su pincelada se va haciendo cada vez más suelta, nerviosa y expresiva, y al
mismo tiempo dinámicas y vigorosas. Su pintura va evolucionando a la vez que su estado psicológico
se va degradando cada vez más. En 1888 dejó París y se trasladó al sur de Francia con la esperanza de
atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la
Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vid a de la región.
Durante ese periodo en el que vivió en Arlé s (malvivía gracias al dinero que su hermano Theo le
enviaba) empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos
relacionados con obras tan conocidas como Habitación del pintor en Arles, Café de noche y La
llanura de Crau. En su obra Café de noche, el café no es un lugar de diversión o de relaciones
amistosas, sino un lugar de soledad, de angustia, expresando su propio sentimiento con colores azules
y violetas. .En sus naturalezas muertas como Los girasoles se da una gran simplicidad: flores de una
sola clase, en el centro de la tela en primer plano y ocupando toda la superficie; las líneas firmes y
simplificadas, el color denso y brillante.
Convenció a Gaughin par a que fuese a pintar con él a la Provenza. Menos de dos meses
después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van
Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo
remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un
hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint -Rémy. Durante ese periodo siguió trabajando
entre los varios ataques de locura que sufrió. En los cuadros de esta época cada vez aparece más el
ciprés (símbolo del silencio) y los cuervos negros revoloteando. Cada vez el cuadro va siendo más
ancho que alto, la tierra se mete en el cielo, y éste cada vez se agita más y aparece más convulso y
revuelto (Campo de siega, Noche estrellada) Inmediatamente después de acabar su inquietante
Cuervos sobre el trigal, se disparó un tiro y murió dos días más tarde.
Se puede considerar su pintura como un arte subjetivo, independiente de la realidad sensorial. ,
siendo de los pintores más admirados y mejor tasados. Está considerado como antecesor del
expresionismo y, en cierta medida, del fauvismo.

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LÁMINAS COMPLEMENTARIAS

Pugin y Barry – Parlamento de Londres (Neogótico ) / Plaza toros de las Ventas Madrid (Neomudejar)

J. Paxton – Palacio Cristal Londres. Exp.Univ. / Eiffel – Viaducto del Garabit (Francia)

L. Sullivan y Adler – Auditórium Building de Chicago

Gaudi – Casa Batlló en Barcelona

Gaudi – Casa Quijano (Restaurante

el Capricho en Comillas –Santander)

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Gericault: La balsa de la medusa // Friedrich: Hombre contemplando el mar // Constable: Carro de heno

Turner: La tempestad // Millet: Las espigadoras // Daumier: Motín

Rude: La marsellesa en Arco de Triunfo // Meunier: El cargador del muelle // Bellver: Ángel caído

Manet: Almuerzo en el campo y Olimpia // Monet: La estación de San Lázaro

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Monet: Ninfeas // Renoir : La Grenouillere -- Bañistas

Sorolla: Niños jugando en la playa

Degas: La clase de baile Rodin: El pensador y El beso

Toulouse Lautrec: Le Moulin rouge// Cezanne: La montaña Santa Victoria// Van Gogh:
Habitación del pintor

Van Gogh: Café de noche. Interior – Campo de estrellas

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