Historia de La Música Barroca

Historia de la Música
La música en el Barroco
El periodo barroco musical abarca desde finales del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII. El
nombre de dicho periodo era utilizado en sentido peyorativo por los críticos del estilo artístico de
esta época, caracterizado por una abundante ornamentación que llevó a los creadores al llamado
‘terror vacui’ o miedo al vacío.
Sin embargo, musicalmente hablando no se debe más que a una concordancia con el periodo histórico, pero
será una etapa revolucionaria en la historia que provocará numerosos cambios en la música que se conocía
hasta el momento.
De esta época Lo primero a destacar de la música barroca es su utilización como instrumento de

propaganda: por las monarquías absolutistas para fortalecer su imagen frente a su pueblo, y
destacan
por la Iglesia de la Contrarreforma como método para apoyar sus planteamientos frente a las
Johann ideas luteranas y para influir emocionalmente al cristiano. Esto se debe en gran parte a que la
Sebastián música pasa a convertirse en signo de educación y abandona los recintos privados para pasar
Bach, a ser escuchada de forma pública en grandes teatros, ya que de esta forma llegaba a un
Frederick público más extenso de forma simultánea. Además su gran interés provocaba también que
poetas y escritores participasen en su creación y que apareciera la crítica periodística y la
Häendel,
especializada en los semanarios de la época.
Antonio
Vivaldi, La ópera destaca ampliamente entre las nuevas formas vocales profanas que se crean en la
François época, aunque también son reseñables la cantata o la zarzuela, típicamente española. La
Couperin,... ópera responde a la idea de crear un efecto similar al realizado por el coro griego en el teatro,
y aunque tuvo varios antecedentes en la Edad Media no cobra importancia hasta el
nacimiento en 1670 de la ópera seria en Nápoles. Era una composición de
carácter aristocrático creada para voces solistas (los castrati o sopranos
varones) en la que la melodía predominaba sobre el texto, con temas
mitológicos, y que se dividía en tres actos subdivididos a su vez en cuadros. La primera ópera completa
conocida es ‘Eurídice’ (1600) de Jacobo Peri y Giulio Caccini. En este género destacan figuras como Scarlatti
(1660-1725) o el genial Claudio Monteverdi (1567-1643), con operas como ‘Orfeo’ (1607) o ‘L’incoronazzione di
Poppea’ (1642), donde nos da muestras de su llamado estilo agitado (combinar una declamación dramática con
sorprendentes efectos en la orquesta).
En los intermedios de estas óperas serias fueron surgiendo lo que dio en llamarse óperas buffas, obras de
carácter popular en las que personajes de clase media parodian a la aristocracia. Las formas musicales son más
libres y las voces son naturales. La más famosa de estas óperas fue ‘La serva padrona’ (1733) de Pergolessi
(1710-1736)
En cuanto a las formas vocales religiosas, cobraron una especial importancia el oratorio, la cantata y la pasión.
La primera era una forma vocal religiosa de carácter narrativo que carecía de representación escénica. La
cantata estaba compuesta sobre un texto religioso lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros, y que
está compuesta por arias y recitados (como las óperas) A diferencia del
oratorio, el coro tiene poca importancia en la cantata. Por último, la pasión, que
El nombre de es una enorme cantata cuyo tema principal gira en torno a la Pasión de Cristo,
hecha para la celebración de este suceso.
dicho periodo era
utilizado en Pero también la música instrumental experimenta un cambio y por primera vez
sentido iguala su importancia con la música vocal. Aparece la sonata, la suite, el
peyorativo por concierto... que siguen las técnicas que se emplean para la música coral: varios
los críticos del instrumentos actuando a modo de coro; contraposición de planos sonoros y
estilo artístico de timbres entre orquesta (tutto), grupo (concertino) y solo o solista (lo que se
llama estilo concertato), contraposición de movimientos lentos y rápidos, uso
esta época.
del llamado bajo continuo (línea melódica del bajo que acompaña toda la canción); y monodia (tipo de canción
de armonías simples y apoyada en una línea de bajo, que rechaza los complejos contrapuntos) en la que algún
instrumento hace de solista.
La sonata, cuyo nombre significa música para ser sonada, presenta un claro contraste en sus movimientos
(primero grave, después allegro, moderato y termina con vivo) y puede ser para un único instrumento, para un
dúo, o para tres instrumentos. La suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter. Y el
concierto es una forma orquestal formada por tres movimientos (allegro-lento-allegro) en la que se produce un
diálogo de contraste entre el concertino y la orquesta. Puede ser concerto grosso si es para un grupo de
instrumentos y la orquesta o concerto solo si es para un solista y la orquesta.
También digna de mención es la relevancia de la música polifónica o de contrapuntos, de la que incluso

aparecen nuevas formas como el canon, que consiste en la imitación o repetición literal del tema fundamental
por parte de otra u otras voces que le siguen. También aparece la fuga, en la que encontramos un sujeto que
establece el principio de la composición, un contrasujeto que supone la respuesta al sujeto, el cual no calla sino
que continúa en ‘contrapunto’, y también suele haber voces, que son otras tantas líneas melódicas simultáneas
a sujeto y contrasujeto.
En cuanto a las figuras más relevantes de esta época destacan Johann Sebastián Bach, Frederick Häendel,
Antonio Vivaldi, François Couperin, Tomaso Albinoni, Giovanni Gabrielli, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi,
etc.

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