** MANET.

Almuerzo sobre la hierba

 .  IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN
                    ALMUERZO SOBRE LA HIERBA
       Edouard MANET   
       fecha: 1863  
      Técnica:  óleo sobre lienzo
       Formato:  208 x  264 cm  
        Género: parece un paisaje con figuras y bodegón  
      Estilo:   Precedente del Impresionismo     
      Localización actual: Museo d´Orsay , Paris                       
                Presentada  al salón de 1863 la obra fue rechazada por escandalosa ya que el
desnudo no estaba dentro de una iconografía mitológica, sino  que se encontraba entre
dos hombres vestidos a la moda de la época celebrando un picnic. 
                  Las obras rechazadas se expusieron  en el "Salón des Refusés"   ( de los
rechazados)
 FIESTA CAMPESTRE
      Existe una influencia en la iconografía de la "Fiesta campestre“ de Tiziano o
Giorgione  y también de las Hilanderas  en la composición .
      Iconografía.
       En un zona clara del bosque aparecen cuatro personajes que han ido  a  almorzar.  
Dos hombres jóvenes    elegantemente vestidos siguiendo la moda   hablan  con una
mujer  sentada sobre una tela azul  ( Victorine Meurent también modelo en Olimpia)
que mira fija y descaradamente al espectador.
     Una cuarta protagonista , una bañista con camisa sale del río. Esta figura  parece 
grande para el plano que ocupa  en la profundidad, debería ser más reducida según el
sentido de la profundidad.
           En el primer plano  encontramos una naturaleza muerta una cesta con frutas , un
pan  ( el desayuno ) y  la ropa azul  que se interpone entre los protagonistas y el
espectador. En  el ángulo de la esquina izquierda una rana símbolo de la lujuria .
             
II.      ANÁLISIS FORMAL.
                        En la  composición se aprecia  una gran V abierta  como en las
Hilanderas  que  deja el centro libre  y así nuestra mirada se dirige  hacia la  bañista 
envuelta  en un paisaje luminoso,
        También     un primer  esquema triangular que enmarca a todos los personajes y
que tiene como vértice  al pájaro rojo que se encuentra en la parte superior .
         Además todas las figuras  describen nuevos triángulos: dos tienen como vértice 
las cabezas de los  hombres y otros se aprecian  en el codo y  la pierna  de la modelo y
también en la pierna y el codo del hombre que se encuentra recostado.     
            
          Tratamiento de las figuras  Las figuras están concebidas de forma realista , algo
estáticas y mediante su mirada parecen invitarnos a entrar en la escena  .

       Aspecto esencial  y novedoso es prescindir del modelado del volumen

tradicional a base de clarooscuro producido por la luz   sustituido por manchas
planas de color con lo que   los personajes parecen como recortados , sin relieve, sin
efecto de corporeidad o redondez, sino planos .  Este aspecto del cuadro   se debe a la
influencia del arte japonés.
  
               Existe un contraste luz, sombra y luz. , desde la luminosidad del fondo  y de
la bañista   a las sombras creadas por los arboles que no son totalmente negras sino 
violáceas oscura y de nuevo espacio iluminado sobre todo el desnudo que es donde
existe más luz.   Esa diferente iluminación crea efecto de espacio. ( influencia de
Velázquez)
                  
                Predomina el color sobre el dibujo , así   las hojas y los reflejos del agua
están simplemente insinuados con pinceladas sueltas ; y otras formas como la orilla del
riachuelo en el centro de la composición y los troncos de los árboles, están definidos
solo por contrastes tonales de color verdoso sin línea.
       Contrastan estas pinceladas sueltas con las manchas claras ( cuerpo desnudo,
camisa, pantalón gris) y  con las  manchas oscuras (zapatos, gorro, chaquetas).    

       En el bodegón  el  modelado es  más  tradicional y se observan colores  azules,

amarillos , rojos con clarooscuro.   A la izquierda podéis ver la rana. ( símbolo de la
lujuria 

     Existen varios encuadres o puntos de vista uno claramente central ,pero otro a
través del camino que fornan los árboles            

 
    
                 
    
             La significación erótica de la pintura se indica mediante el entrelazamiento de
piernas y la mirada insinuante de la  mujer.
         
III. CONTEXTO. 
           Cuando Manet pintó este cuadro Francia se encontraba dentro del II Imperio
dirigida por Napoleón III.  Manet que había vivido de joven la revolución del 48  y que
tenía ideas progresistas fue siempre un opositor al emperador.
         Manet vivió posteriormente la transformación de Francia la llegada de la III
República, la segunda revolución industrial con avances como la electricidad y cambios
sociológicos como la sociedad del ocio : creación de salones, cabaret.

   Significado   Este desnudo al igual que Olimpia incomodaba a una burguesía

hipócrita que criticaba estos desnudos cuando ellos eran los que frecuentaban ambientes
festivos y a prostitutas
   
   EL AUTOR   Edouard   MANET ( 1832-1883 )  De formación tradicional , viaja a
España y conoce la pintura de Velázquez  y Goya, es considerado como precursor del
impresionismo , aunque no participase directamente en el grupo.       
                   Revolucionó la pintura  al construir  sus cuadros a  base grandes  de
manchas o superficies de color plano  recortado sobre el fondo  abandonando el
tradicional modelado o volumen basado en el claroscuro o gradación de tonos  y
también al  presentar  encuadres o puntos de vista  ajeno a la perspectiva tradicional 
  Por estos cambios los pintores impresionistas le tendrán como su gran  precursor.

     Obras claves: Almuerzo campestre   y Olimpia.  

  Otras obras: Muerte de Maximiliano, inspirada en los fusilamentos del 3 de mayo de
Goya;  El Pífano;  Lola de Valencia, Bar de  Folies Bergere obra que se acerca a la
técnica impresionista.

    
   
        

   
MANET. Olympia
I.  IDENTIFICACIÓN  Y  DESCRIPCIÓN

    OLYMPIA
  Eduard   Manet
 fecha : 1863.
 Técnica : óleo sobre lienzo.
   Dimensiones : 1,30 m de altura por 1,90 de largo.

              Presentada por Manet en el Salón de los Rechazados, no se llegó a exponer
hasta 1865 causando un gran escándalo ya que  si bien el público burgués aceptaba los
desnudos  si correspondían  a  pintura mitológica sin embargo no los admitía cuando
eran realistas Al mayor escándalo contribuyó que la modelo fuera también una conocida
pintora Victoria Meurent que también fue la modelo de Desayuno sobre la hierba.
          El nombre o título del cuadro se debe a su amigo el poeta Charles Baudelaire..
 El  tema   está inspirado en la Venus de Urbino de Tiziano,  pero mientras este desnudo
era mitológico, el de Olimpia  corresponde a una prostituta    que recibe un ramo de
flores de su próximo cliente que por la mirada desafiante parece invitar a que sea el
propio espectador.
          Olympia    se tapa el sexo al igual que las Venus púdicas,  tiene la piel tostada
adornada con un brazalete y una orquídea en el pelo , una cinta en el cuello de la que
pende una perla  que también lleva como pendientes.                                   
        Posa  recostada sobre un diván con las sábanas deshechas ( alusión a su uso ) y
almohada blanca Todo este conjunto resalta sobre un fondo oscuro que sirve para
remarcar la blancura de su cuerpo.
       Detrás de su cabeza se encuentra una cortina verde  descorrida  como si nos
ofreciera teatralmente como un escaparate la imagen de la prostituta.

  
 
 Está acompañada de una sirvienta con vestido sonrosado que resalta el color negro de
su piel  y lleva un ramo de rico cromatismo , sin embargo  , su rostro es casi
imperceptible casi al igual que el gato   que mira también al espectador sobre el fondo
verde oscuro          

   II. ANÁLISIS FORMAL

 La composición es algo estática predominando los   esquemas  horizontales de
la cama , almohada y  del cuerpo de Olympia  . Esta estructura se equilibra por el
esquema  vertical de la sirvienta ,  de la pared y de las cortinas verdes. 
                   
 La luz    frontal   es  un elemento fundamental  incidiendo sobre el desnudo y el
diván  produciéndose un fuerte contraste  con la oscuridad del fondo con sus tonos
verdosos y negros, color que no era utilizado por los  impresionistas.               
            
 Color  Predominan los  tonos claros y oscuros pero  se rompe con toques de gran
colorido en el ramo de flores, en la orquídea roja que lleva en el pelo  y en los
bordados del mantón que se encuentran al pie de la cama. 

 La profundidad se logra mediante   los tonos oscuros del fondo que crean gran
contraste entre luz  y sombra.  

 Manet que es considerado como el precursor  de los impresionistas no utiliza en

este cuadro técnicas impresionistas ya que sus pinceladas son largas y con mucha
materia creando grandes manchas que hacen que el modelado en algunos casos parezca
plano.  

  La expresión que nos llama la atención es  la mirada de Olympia que mira al
espectador de forma insinuante.  Con todo esto Manet,  quisiera hacer ver la realidad de
la existencia de estas " cortesanas " que viven de los favores de los caballeros de la
alta sociedad 
      En el lienzo se  aprecian  algunos
elementos simbólicos
-  El perrito de Venus de Urbino, símbolo de fidelidad, se ha cambiado por un gato
con la piel erizada y la cola en forma de interrogación. El gato en  la  Edad Media se
asociaba con la brujería  que practicaban fundamentalemente las mujeres . Algunos
asimilan al gato con  la promiscuidad   y en Roma era símbolo de libertad  
   -   .Las orquídeas rojas en el pelo  son símbolo erótico en relación con la forma de la
flor y el sexo femenino también se  le atribuían propiedades afrodisiacas                   
 -   Los zapatos     de tacón  se asocian con el fetichismo y como solo lleva uno y ha
perdido otro se asociaría  con la pérdida de la inocencia.

    

III.  EL AUTOR   Edouard   MANET ( 1832-1883 )

    En su formación tendrá gran influencia los grandes clásicos que veía en el Louvre y
su admiración por la pintura de Goya y de Velázquez. . Esta influencia aumentó con el
viaje que realizó a España.  Poco a poco fue evolucionando sobre todo tras conocer a
Monet.
         Manet es considerado como  precursor del impresionismo , aunque no participase
directamente en el grupo.       
                   Revolucionó la pintura  al construir  sus cuadros a  base grandes  de
manchas o superficies de color plano  recortado sobre el fondo  abandonando el
tradicional modelado o volumen basado en el claroscuro o gradación de tonos  y
también al  presentar  encuadres o puntos de vista  ajeno a la perspectiva tradicional 
  Por estos cambios los pintores impresionistas le tendrán como su gran  precursor.
       Su éxito le llegaría muy tarde poco antes de su muerte que acaeció con 51 años
     Obras claves: Almuerzo campestre   y Olimpia. , Fusilamiento de Maximiliano.   

  

     Retrato de Emile Zola

SE puede observar la presencia de la estampa japonesa , una  reproducción de
Olimpia y detrás  el Triunfo de Baco de Velázquez. 

MANET. Bar de les Folies Bergeres

I. IDENTIFICACIÓN Y DESCRIPCIÓN ICONOGRÁFICA
   AUTOR  EDOUARD MANET
   TÍTULO :  BAR DE FOLIES BERGERE
  Cronología:  1882
 Técnica : óleo sobre lienzo
  Género: Vida cotidiana, urbana , un cabaret
  Localización actual :  Courtald Institute , Londres
       
        La obra pintada  y expuesta en el Salón de Paris en 1882 fue el último
gran cuadro del pintor un año antes de su muerte. .  Fue realizado en el taller
al que  acudía la camarera Suzon  y utilizando los bocetos previos  debido a su
enfermedad . Al  año siguiente falleció victima de la gangrena acudiendo  a  su
entierro su gran amigo  Emile Zola..   
      El tema no es clásico sino un cabaret en el que se mezclan diferentes
clases sociales al igual que en las novelas de Zola como Nana.
   Desde el punto de vista técnico participa de rasgos impresionistas pero
también se mantienen por la influencia en el pintor de la pintura española o
veneciana aspectos clásicos. 

 
         

  ICONOGRAFÍA.
       La escena se sítúa en el  Folies Bergere, el primer gran local de
variedades y  uno de los primeros  con luz eléctrica como se refleja en la araña
de cristal del techo.  A él acudían gentes de todas las clases caballeros, clases
medias, trabajadores y prostitutas  simbolizados por las bebidas o botellas: el
champan y licores que simbolizan a la clase alta y media y la cerveza
identificada con el triángulo rojo a las clases trabajadoras.
           Allí  disfrutaban del espectáculo ( se observa en el ángulo izquierdo las
piernas de un acróbata con calzado verde) , comían, bebían , se divertían y
pretendían ver y ser vistos , como muestra la mujer con unos gemelos  que
observa a la gente y no al espectáculo.   

               En el espacio estrecho entre el espejo y

la barra en  la parte central  ocupando simetrícamente el centro  se encuentra
la camarera Suzón que luce un colgante y una pulsera ( igual que  en  su obra
Olimpia)  ensimismada, metida en sus ensoñaciones, tiene a su izquierda una
naturaleza muerta formada por diferentes clases de botellas( champán, licores,
cerveza),  el palco con distintos personajes como la mujer de los gemelos y
algunas amigas de Manet y en  el ángulo el  acróbata  al que nadie parece
prestar atención,  
            
A  la derecha de Suzón otra naturaleza muerta en la que se encuentran de
nuevo botellas, un frutero y una pareja de  rosas cuyo colores hacen resaltar
las flores del corpiño y el reflejo de Suzón y un cliente cuyos rasgos están
poco definidos ( el modelo fue el amigo del pintor Gastón Larouche).

                 Este reflejo es físicamente imposible  pues si el caballero está

frente a  Suzón es imposible que se refleje en el espejo porque es tapado por
ella,  a no ser que sea una licencia del pintor o que si nos fijamos más
atentamente en el reflejo la camarera parece estar  hablando con el caballero,
por lo que bien podría representar una acción anterior que explicaría la
ensoñación tal vez amorosa de la camarera.                                                        

                        

 COMPOSICIÓN.
      Se puede observar un esquema triangular clásico  un lado sería la barra del
bar y los otros dos irían desde las botellas hasta la cabeza de la joven
camarera, en la botella de licor de nuestra izquierda se puede leer Manet 1882.
  
  Suzon  tiene una línea marcada por los botones y flores del corpiño que fijan
la atención en los pechos . Esta línea es un eje de simetría que divide el cuadro
en dos partes  por tanto es una composición simétrica 
  
   También se aprecian  líneas horizontales una es la barra del bar y la
otra es la franja de la platea que divide en cuadro en dos partes  Estas
líneas se compensan con las verticales de la camarera, las botellas
   
    Espacio. Como se ha expuesto  es estrecho entre la barra y el espejo pero a
Manet le gusta jugar con el espacio, así en el lado de nuestra izquierda la
posición de los reflejos de las botellas en el espejo ( este reflejo  es físicamente
imposible en la realidad) amplia el efecto de profundidad hacia la platea,
mientras que  a nuestra derecha la posición de los reflejos y de las botellas lo
limitan .
  
     En cuanto a la línea   aparece escasamente  y  el tratamiento de las
figuras es diverso  muchas  son abocetadas en la platea y los rasgos del
caballero están poco definidos , sin embargo en la muchacha se observan
largas  pinceladas , pero también sombra en los brazos y caras 

      Monet conserva influencias clásicas como el modelado  e intensidad

del color de las frutas al igual que el de   las rosas que sirven para resaltar
las flores del corpiño . Así mismo muestra una gran  maestría para conseguir
la transparencia  en el frutero, en el vaso con las rosas, en el contenido de las
botella,   la araña de cristal. 
  
       La luz es arbitraria  y es artificial captando la iluminación eléctrica, en
cambio apenas si se ven sombras excepto en la camarera 
  
 Los colores son muy variados: rojos de los licores, verdes y amarillos en el
champan, azulados en el frutero, en los encajes de la manga y del cuello y en
la lámpara . También emplea el color negro, color que no utilizaban los
impresionistas,  en el reflejo de Suzon en el espejo
     El color se aplica de diferentes formas  en grandes manchas como en el
reflejo de  la camarera en el espejo, en el sombrero del cliente, con pinceladas
cortas y sueltas en las flores del corpiño  que recuerda a las flores de la infante
Margarita en las Meninas. 
.
     III. CONTEXTO Y AUTOR    
              
       La vida de Manet transcurre entre 1832 y 1883 por tanto vivió los cambios
de Francia. Siendo aún joven  viviría la Revolución de 1848 y la Segunda
República , para pasar rápidamente al Segundo Imperio que finalizó con la
guerra francoprusiana de 1870, para finalmente `participar con alegría de  la
instauración de la III República, los comienzos de la II Revolución Industrial
que traen nuevos avances como la electricidad , pero también la sociedad del
ocio
     Manet fue un hombre de izquierda contrario al régimen autoritario de
Napoleón III  pero también como él confesó amigo de los salones, las fiestas, el
bullicio. El lugar que pintó lo conocía bien y  al igual que Renoir era más amigo
del bullicio de la  ciudad que del  reposo del campo 
       De formación tradicional , viaja a España y conoce la pintura de Velazquez
y Goya, es considerado como precursor del impresionismo , aunque no
participase directamente en el grupo.    

     Las grandes aportaciones de Manet las realizó en

sus dos obras más conocidas  " Almuerzo sobre la hierba " comentada en la
página anterior y Olimpia. En  ellas   revolucionó la pintura  al construir  sus
cuadros a  base grandes   manchas o superficies de color plano  recortado
sobre el fondo  abandonando el tradicional modelado o volumen basado en el
claroscuro o gradación de tonos y también  al  presentar  encuadres o puntos
de vista  ajeno a la perspectiva tradicional .       

  Por estos cambios los pintores impresionistas  le tendrán como su gran
precursor.
  
 Significado  Existen diferente hipótesis , por una parte puede ser una
representación de un mundo que como se ha expuesto a él le gustaba ; pero
también  puede simbolizar  teniendo en cuenta sus ideas izquierdistas  un
mundo el que todo parece venderse y comprarse , por supuesto incluida la
pintura simbolizada en la botella con el nombre del artista y la fecha del cuadro.
       
** MONET. Impresión,sol naciente

    I. CLASIFICACIÓN.
 CLAUDE MONET  ( 1840-1926) 
IMPRESIÓN SOL NACIENTE 
 fecha. 1872 
 Técnica : óleo sobre lienzo
Género: Paisaje
Dimensiones: 48 x 63 cm.
Localización actual.  MUSEO MARMOTTAN, PARIS   
  
        Aunque es un paisaje  parece una  instantánea     del puerto de le Havre  parecido a
lo que podría hacerlo un fotógrafo. El verdadero protagonista del cuadro son los
efectos de  la luz 
        Monet  representa el paisaje o el entorno del puerto de Le Havre con muy pocos
toques de pincel 
    Acercándose en diagonal se observan  tres botes  el último  como una mancha de
color.

 II. ANÁLISIS. 
    La composición es ligeramente asímétrica   los reflejos del sol del amanecer
anaranjados dividen el cuadro en dos partes desiguales 

     El encuadre esta realizado desde  lo alto de esta forma se reduce el cielo y se concede
más protagonismo al agua y sus reflejos.
  
  Predomina claramente el color sobre la línea, con una pincelada suelta que insinúa  los
distintos motivos, con rasgos horizontales y verticales y algo redondeada en las nubes.

      Los colores predominantes son fríos (violetas y azules) que contrastan con

pequeñas zonas cálidas anaranjadas del sol y sus reflejos siendo sustituido el tradicional
clarooscuro por yuxtaposición de colores

  El gran protagonista

del cuadro es la luz. Como como se ha expuesto antes el cuadro se  ejecuta con
pinceladas sueltas y rápidas con el objetivo de captar el momento y los efectos de luz,
en este caso los reflejos del sol naciente sobre el mar con esas manchas de color naranja
con pinceladas horizontales que se van separando a medida que se acercan al primer
plano, o tres botes de remos  difuminados por la atmósfera y el último una mancha azul.
  
         Monet crea  una atmósfera llena  de la húmeda  neblina   del amanecer que
influye atenuando  la luz  anaranjada del sol  y transformando toda la escena . Esta
atmósfera  hace que apenas se vislumbren los muelles del puerto, las barcas .
          De esta forma  se observa ya el inicio del proceso de disolución de las formas

 Este  cuadro de Monet, es considerado como la primera creación impresionista, 

   
      El nombre de impresionismo proviene precisamente de este cuadro.  Monet, junto
con Renoir , Pissarro, Sisley organizaron una exposición en 1874  que el crítico Louis
Leroy calificó un poco despectivamente como Exposición de los impresionistas.
      
  CONTEXTO , AUTOR  
        Cuando Monet pintó este cuadro en 1872  Paris  y Francia aún se encontraba en
plena inestabilidad consecuencia de su derrota en la guerra franco-prusiana y el estallido
social durante la Comuna de Paris.  Pero la situación se estabiliza a partir de 1875 -1880
con la Tercera República comenzando una etapa de progreso económico relacionado
con la Segunda Revolución Industrial con los  consiguientes avances científicos y
técnicos (   luz eléctrica, tranvía, metro, teléfono, telégrafo, motor de explosión ),
expansión colonial con el consiguiente descubrimiento de otras culturas, en especial
la estampa japonesa con colores claros y luminosos y un espacio plano 
   Algunos avances tecnológicos   impulsan nuevas salidas para las artes plásticas: . 
      - la fotografía  y la fijación del  movimiento, de la instantánea, que introdujo
múltiples puntos de vista en los encuadres .

- la luz   artificial, vinculada a la electricidad, que contribuirá a exaltar más el papel de
la luz y la búsqueda de nuevos tipos de perspectiva.
               
    EL AUTOR  Claude MONET presenta todos los rasgos o características del
movimiento impresionista, el que se mantendrá siempre durante su larga vida:,
      Estas características son
-   Realiza la pintura al aire libre  para captar y analizar las variaciones que produce las
variaciones de la luz sobre la naturaleza.
 -  En la composición puede utilizar diferentes encuadre  influencia de la fotografía.
 -  Emplea colores puros y luminosos , no utiliza el color negro, y las sombras las
realizan con el color complementario correspondiente.
-   Los colores se aplican con pinceladas rápidas y sueltas  que se fusionan en la retina
del espectador que por tanto tiene que comprender y participar de manera activa en la
contemplación del cuadro
 -  Los temas  fundamentales son los paisajes ( rurales y urbanos), aunque su auténtico
tema es mostrar los cambios que provoca en las cosas ( colores) la diferente
iluminación.: la luz que llega casi a desmaterializar las formas. .        
               Por eso realiza “ series” que responden al deseo de pintar varias veces el
mismo motivo , pero a diferentes horas del día o con luces distintas : objetivo observar
como la luz provoca cambios en el color y las formas que a veces parecen casi
disolverse   
        Entre las principales “series” se encuentran: Estación de San Lázaro, Catedral de
Rouen , Regatas ; “ Las ninfeas” o NENÚFARES. ( Jardín del agua) constituye su
última serie en ellas el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden su
contorno para convertirse en manchas de  color que CASI CONDUCEN A LA
ABSTRACCIÓN.
         

** MONET. Serie Catedral de Rouen

            

 
                                                                                ** SERIE CATEDRAL DE ROUEN 
           La serie fue
realizada por Monet a partir de 1892, están realizados con óleo sobre lienzo , 
pertenecen al impresionismo  y se pueden ver algunos en el Museo D´Orsay y otros en
el Museo Marmotan de Paris. 
             De ellos se puede deducir las características del impresionismo.            
  
II. ANÁLISIS 
    Se observa como  la influencia de la diferente iluminación bién por cambios
horarios o por efectos atmosféricos es capaz de transformar la impresión del objeto , de
los elementos reales o de los elementos de la naturaleza.  
      En la imagen   superior la catedral  aparece bañada a plena luz pero  una luz diáfana,
Monet utiliza pinceladas densas, que aplica unas sobre otras antes de que se sequen 
Observad como predominan los tonos cálidos como amarillos , ocres  y naranjas con
algunos fríos como azul cielo o violetas. LAS SUPERFICIES EN SOMBRA son
sombras coloreadas . anaranjadas, bermellones y algunas azuladas  Este interés por
lograr los efectos atmosféricos llega casi a disolver las formas como vemos  en la última
imagen de la catedral de Rouen.
    La segunda imagen representa a la Catedral con un exceso de luz veraniego y la
última difuminada por la neblina.         

                                           COMENTARIO . Claude MONET presenta todos los

rasgos o características del movimiento impresionista EN el que se mantendrá siempre
durante su larga vida:,
      Estas características son
-   Realiza la pintura al aire libre  para captar y analizar las variaciones que produce las
variaciones de la luz sobre la naturaleza.
 -  En la composición puede utilizar diferentes encuadres influencia de la fotografía.
 -  Emplea colores puros y luminosos , no utiliza el color negro, y las sombras las
realizan con el color complementario correspondiente.
-   Los colores se aplican con pinceladas rápidas y sueltas .
 -  Los temas  fundamentales son los paisajes ( rurales y urbanos), aunque su auténtico
tema es mostrar los cambios que provoca en las cosas ( colores) la diferente
iluminación.: la luz que llega casi a desmaterializar las formas. .        
               Por eso realiza “ series”  como esta o las de la estación de San Lázaro que
responden al deseo de pintar varias veces el mismo motivo , pero a diferentes horas
del día o con luces distintas : objetivo observar como la luz provoca cambios en el color
y las formas que a veces parecen casi disolverse   Una de sus ultimas series  son “ Las
ninfeas” o NENÚFARES. ( Jardín del agua)  en ellas el modelo no es más que un
pretexto, las formas pierden su contorno para convertirse en manchas de  color que
CASI CONDUCEN A LA ABSTRACCIÓN.

MONET. Estación de San Lázaro

                                                                                                                I.
IDENTIFICACIÓN. 
 ESTACIÓN DE SAN LÁZARO 1877
 CLAUDE MONET  
ESTACIÓN DE SAN LÁZARO
 fecha: 1877
 Técnica :  ÓLEO SOBRE LIENZO
  Localización actual : MUSEO MARMOTTAN , PARIS   
            
    Pertenece a una serie que realiza sobre esta estación, el tema  no es novedoso del todo
, porque Turner  en su cuadro Agua, vapor y velocidad  trató  ya el trasunto  del
ferrocarril , pero  para Monet el auténtico tema es captar como el vapor y la
atmósfera de la estación transforma el espacio  

   Monet realizó doce cuadros sobre la estación después de pedir permiso al director para
poner su caballete, retrasar incluso la salida de los trenes o conseguir que las
locomotoras estuvieran llenas de carbón para expulsar el mayor vapor posible

    II.  ANÁLISIS  
     
En la composición se distingue el triángulo de la marquesina de la estación y trazando
dos diagonales en la parte inferior quedaría la locomotora que se encuentra en el eje de
simetría y que parece acercarse echando  vapor azulado. 
  
   En cuanto  al volumen los edificios del fondo  casi se diluyen  por efecto del vapor.
   
 También se insinúa una perspectiva geométrica tradicional marcada por la marquesina
y sobre todo por las vías del tren que parece que se van juntando. También los colores
diluidos del fondo crean una perspectiva aérea

      Pero el gran protagonista   del cuadro pintado al aire libre es la luz y el color. 
Como la luz tamizada por el efecto del vapor transforma la realidad
     
      Monet  utiliza una pincelada   muy rápida ,
en la que las formas por efecto del vapor  van perdiendo definición en favor del color y
la luz. Esta pincelada es muy amplia en el fondo  y más corta en el primer plano.
      
Se alternan  los colores fríos azules, violáceos del fondo que se mezclan con los
cálidos  amarillos y anaranjados. 

      Los tonos más oscuros de la marquesina y también de suelo contribuyen a

resaltar la luz del fondo.

     El ritmo es dinámico  , el humo de la locomotora central parece indicar su

avance.  
  
        III. CONTEXTO, SIGNIFICADO

        Se sitúa  en el último tercio del siglo XIX , a partir 1875-1880 cuando se inicia la
III  República.  

        La burguesía  una vez que ha conseguido  el poder se transforma en

conservadora, comienza la 
segunda fase de la revolución industrial con los consiguientes avances científicos y
técnicos (   luz eléctrica, tranvía, metro, teléfono, telégrafo, motor de
explosión ),  carrera colonial ( Francia es la segunda potencia colonial)  y  por tanto
contacto y valoración de otras culturas exóticas., en especial la estampa japonesa, con
colores claros y luminosos y un espacio plano 
      Por otra parte los avances tecnológicos impulsan nuevas salidas para las artes
plásticas:
-    la fotografía  y la fijación del movimiento, de la instantánea, que introdujo múltiples
puntos de vista en los encuadres .
- la luz artificial, vinculada a la electricidad, que contribuirá a exaltar más el papel de la
luz y la búsqueda de nuevos tipos de perspectiva.
  Paris  se convierte en centro artístico es la época de la bohemia y de la belle epoque .
Es la cuna de los grandes movimientos artísticos: impresionismo , postimpresionismo y
de las primeras vanguardias
          
   El crítico Louis Leroy dió de manera despectiva del nombre de impresionistas a
un grupo de pintores: Monet, Sisley, Pisarro, Renoir  que organizaron una exposición en
1874. El nombre procede del cuadro impresión sol naciente.
              
     EL AUTOR. Claude MONET presenta todos los rasgos o características del
movimiento impresionista en el que se mantendrá siempre.: pintura al aire libre,
análisis de la  incidencia de la luz sobre los objetos,  colores puros, pincelada
rápida  , diferentes encuadres . 
  

   Temas fundamentales
son  los paisajes pintados al aire libre ( rurales y urbanos) aunque su auténtico tema
es mostrar los cambios que  provoca en las cosas ( colores) la diferente
iluminación.: la luz que  llega casi a desmaterializar las formas. ( ver puente
japones)  por esto en sus series aparece el tema a diferentes horas del día con el objetivo
de  observar como la luz provoca cambios  que a veces parecen casi disolver las
formas.      .

      Entre las principales “series” se encuentran: Estación de San Lázaro, Catedral de
Rouen , Regatas ;“ Las ninfeas” o NENÚFARES. ( Jardín   del agua) constituye su
última serie en la que el modelo no es más que un pretexto, las formas pierden su
contorno para convertirse en manchas color que CASI CONDUCEN A LA
ABSTRACCIÓN  . 
PUENTE JAPONÉS 1918-1924

 
DEGAS. Clase de danza
  I. IDENTIFICACIÓN.                                                            
         EDGAR   DEGAS.
CLASE DE DANZA
Fecha. 1875            
   Técnica: óleo sobre lienzo
   Formato: 85 x 75
   Estilo. Impresionismo.
          Localización actual . 
  Museo d´ Orsay 
    
      II. ANÁLISIS 
      La escena  representa  uno de sus temas preferido : la danza. La clase  gira
en torno al profesor que aparenta ser mayor   y a un grupo de bailarinas casi 
en semicírculo que muestran diferentes gestos como colocarse el peinado
hecho del que se deduce que estaríamos al final de la clase, solo la bailarina
que está enfrente del espejo sigue ensayando  bajo la mirada de su profesor
               La Composición  es abierta pues existen figuras incompletas como
la bailarina de la derecha y con el centro del cuadro en el  maestro o profesor
de danza.
            Se  percibe un esquema compositivo  en  diagonal formado por la
pared y bailarinas mientras que las pilastras forman verticales al igual que los
marcos laterales  del espejo .
            El  encuadre es  lateral hasta fondo. 
         Degas mantiene la importancia del dibujo a diferencia de otros
impresionistas,   como se observa en las líneas de las pilastras de la pared, del
espejo, de los tarima    
         Colores. Dominan los  blancos de los vestidos que se adornan  con lazos
de colores primarios y secundarios   , como se observa en la bailarina del
primer plano que  tiene un lazo de  color rojo en el pelo mientras que en el
vestido está su complementario el verde  .
           El color verde de la pared que es el mismo que el lazo del primer plano 
y el  marrón del suelo hacen que resalte el blanco.
 Uno de los logros del cuadro y también de la obra de Degas es la profundidad
y los encuadres novedosos influido por la fotografía.    
           La profundidad se logra:
-     Mediante la diagonal de la pared y de los tablones del suelo desde un
primer plano hasta el fondo  en un encuadre que es lateral
-       Mediante el recurso al espejo , cuyo antecedente estaría en Van Eyck,
que refleja una   ventana  
-       Mediante   la  disminución del tamaño de las figuras desde el primer plano
hasta el  fondo  .
              

              En el cuadro existen

espacios llenos cerca de la pared y espacio vacío a  la derecha como si el
encuadre elegido lo hubiera cortado, . También ha cortado algo   el vestido de
la bailarina  de la izquierda en primer plano y  también el de la bailarina de la
derecha que limita con el borde del cuadro . Esta forma de cortar las figuras es
una influencia de los encuadre de la fotografía.
    
   La luz procede del lado derecho creando un efecto  de   espacio  luminoso  .
    
   Tratamiento  de las figuras y expresión  Degas parece haber detenido el
tiempo y captar en una instantánea  como lo hace la fotografía   diferentes
gestos :  la bailarina  que se  retoca el peinado  , otra que se toca  la espalda,
otra se arregla la gargantilla   o estira el cuello .  

III.CONTEXTO Y AUTOR
              Como todos los impresionistas y también los postimpreionistas su vida
artística durante  transcurre entre el último tercio del siglo XIX y  primero años
del siglo  XX época de la consolidación de la III  República, de la segunda
revolución industrial con sus avances ( tranvía, metro, electricidad observable
en el cuadro) , expansión colonial y conocimiento de culturas exóticas que
influye como la estampa japonesa y también época de la bohemia  y de la Belle
epoque en Paris, con espectáculos para las masas: cabarets. carrera de
caballos, 
           Algunos avances tecnológicos como la fotografía  con su su diversidad
de encuadres   y la luz artificial que favorece más el papel de la luz influyen en
Degas ... 
          

  AUTOR    Edgar DEGAS( 1834- 1917). 

 
 Mantiene  la importancia del dibujo y prefiere  situar las escenas en interiores y con luz
artificial  , esto  le diferencia de impresionistas como Monet que prefieren la pintura al
natural para captar los efectos de los cambios de luz sobre la naturaleza  .  Sus
composiciones  construidas mediante líneas y manchas armónicas de color ,
busca   encuadres  que recuerdan la influencia de la  fotografía,; así como captar el
movimiento
      Temas bailarinas y carreras de caballo, mujeres en labores íntimas , desnudos.

  Bailarina basculando   1877-1879  . Encuadre desde lo alto y luz artificial

   

DEGAS. La absenta.
I.  IDENTIFICACIÓN y DESCRIPCIÓN
    La absenta
     Edgar Degas.
     Fecha. 1876
      Técnica . óleo sobre lienzo
     Formato:  90  x 70 cm
   Localización actual. Museo D´Orsay 
        Se conoce al cuadro como la absenta, el ajenjo o los Bebedores de absenta. 
            
                   En un café  , Nueva Atenas,   están sentados una pareja , una prostituta (de
la que es modelo una actriz) que tiene delante una copa  de absenta de color verde  y un
posible vagabundo ( el modelo fue un pintor y grabador amigo de Degas) desaliñado ,
fumando y con un café tal vez para disipar los efectos del exceso de absenta.
            Esta bebida  tuvo mucho éxito como excitante durante la Belle Epoque  1873-
1914 siendo posteriormente prohibida por  su toxicidad.
    Aunque la escena parece una instantánea fotográfica que ha sorprendido a los
bebedores en el café  en realidad fue cuidadosamente elaborada en su estudio.
    La obra causó un escándalo por considerar que se representaba lo degradado de la
sociedad, prostitutas, vagabundos, alcohólicos.
    
    II. ANÁLISIS FORMAL
              La obra se puede tratar como pintura de género y costumbrista.
           Realizada al óleo sobre lienzo y  de pequeño formato presenta la siguiente
composición. .
   
Los dos protagonistas se encuentran descentrados o desplazados hacia la
derecha mientras que en la izquierda el protagonismo es para las mesas una que entra en
diagonal o escorzo  y en la que se observa una especie de estilete o pincel  con la firma
del pintor y con encuadre desde lo alto o plano en picado y la otras mesas en
perpendiculares a la primera y con encuadre lateral. 

         
      El hecho de estar descentrados los personajes y ocupar tanto espacio las mesas
vacías acrecienta el sentido de aislamiento y soledad. Estas mesas parecen levitar  ya
que no se observa su soporte y sirven  para  sostener la bebida, copas y  para seccionar
las figuras.
    
  La   composición es claramente abierta , el vagabundo con pipa aparece cortado como
la rodilla, la mano o la pipa.
       Las estructuras compositivas se definen por líneas oblicuas , diagonales de las
mesas y los bancos donde se sientan  que se equilibran con las verticales de los
personajes.
       El espectador parece invitado a entrar sentándose en la mesa en escorzo.   Luego
en perspectiva oblícua observaría  la botella o jarra, el vaso y los personajes que dan una
sensación de inestabilidad o de deslizamiento.

    La luz  artificial parece entrar frontalmente  formando sombras a la espalda de los

protagonistas.
    
        Degas es un impresionista que sigue concediendo importancia al modelado y a
la línea claramente perceptible en las mesas, en el banco , en el modelado de la bandeja
que sujeta la botella, en el modelado del brazo de la mujer que parece cilíndrico y el
ovalado de la cara.    También destacan los  modelados  del bodegón copas y botella.     
  
   Los colores son poco variados dominando los tonos ocres,   a los que se unen 
marrones, el blanco de la mesa, el negro de la chaqueta del vagabundo  y los verdosos
del vaso de absenta.  Los colores contribuyen a la tristeza..
  
 Los colores más alegres se encuentran en el adorno del vestido  de la mujer con el
vistoso amarillo aunque en el resto  su tono es muy cercano al   verdoso del vaso de
absenta  que parece extenderse por el vestido y la propia cara de la mujer.

             El tratamiento de las figuras y objetos es realista representando bien el

mundo de la época  
   En cuanto a la expresión que es uno  de
los logros del cuadro se caracteriza en el hombre por su ausencia mirando  no se sabe
bien a qué y en la mujer por su ensimismamiento  y soledad.
         No existe ninguna comunicación, esta incomunicación de los hombres  será una de
las referencias de movimientos artísticos y de pintores como Picasso en su época azul o
Hopper.

   FUNCIÓN.   Unos interpretan que la función sería hacer una llamada a los efectos de
esta bebida  , pero para otros no existe ninguna función moral y solo representa una
escena cotidiana.
               
AUTOR    Edgar DEGAS  ( 1834- 1917). 
      Mantiene  la importancia del dibujo y prefiere  situar las escenas en interiores y con
luz artificial  , esto  le diferencia de impresionistas como Monet que prefieren la pintura
al natural para captar los efectos de los cambios de luz sobre la naturaleza  .  Sus
composiciones  construidas mediante líneas y manchas de color ,
busca   encuadres  que recuerdan la influencia de la  fotografía como los que vemos en
este cuadro ,; así como captar el movimiento
      Temas bailarinas y carreras de caballo  y también mujeres  como sorprendidas en su
intimidad: en el baño, toilette y que influirán en pintores como Toulouse-Lautrec.    
  Mujer en el baño.  Museo D´Orsay  1886  
             
                  La toilette. 1884-1886. Hermitage. San Petersbugo

** RENOIR Baile en Le Moulin de la Galette

I  IDENTIFICACIÓN y DESCRIPCIÓN
           RENOIR.
Baile en Le moulin de la Galette 
Fecha. 1876
 Técnica. óleo sobre lienzo
  Formato. 1,31 x 1,75
  Estilo.  Impresionismo
  Localización actual.  Museo d´ Orsay  

        
         El cuadro parece recoger un momento espontáneo , sin embargo, fue planificado y
cuidadosamente compuesto.
             Se desarrolla la escena en un local muy popular del barrio de Montmartre, en el
que se había iluminado el jardín con farolas de gas. 
        Durante el fin de semana era el centro de diversión para trabajadores, ciudadanos,
artistas, prostituas y señores que venían a Paris desde provinciana.
                En las mesas se sientan pintores conocidos del pintor , junto con las hermanas
Estelle y Jeanne . Bailando aparece el pintor cubano Pedro Vidal con su amiga Margot,
y al fondo también bailando otros pintores.
       
II. ANÁLISIS
          Composición.
        En el centro de la composición   se encuentran las dos hermanas.
          Si trazamos una diagonal imaginaria esta separa a las figuras que charlan de 
las que bailan ; ambos grupos  se ordenan en dos círculos , el más compacto alrededor
de la mesa y otro más abierto alrededor de la pareja que baila  .
                  ASPECTO
MÁS SIGNIFICATIVO ,  es la representación de las figuras en un espacio
ensombrecido con toques de luz . 

  Con pinceladas sueltas y toques de color logra representar los efectos de la luz que
entra dividida  a través de los árboles  y que incide en los trajes y en el suelo creando
zonas de luces y de sombras amarillentas y violáceas en el suelo y toque de luz parda y
marrón en la chaqueta del hombre del primer plano y en los sombreros.  
          Tratamiento del espacio. Se logra un efecto de multitud  recurriendo a
diferentes  encuadres: el grupo del primer plano ha sido captados desde arriba mientras
que las personas que bailan al fondo se ven en un encuadre frontal   

   
 La escena transmite alegría,    recogiendo la variedad de actitudes y la  sensación de
ambiente logrado al difuminar las figuras, creando un efecto de aire alrededor.

Ritmo   es  dinámico  por  diversidad de miradas,  las actitudes en las conversaciones.

    
III.  CONTEXTO Y AUTOR
      
      Como todos los impresionistas y también los postimpresionistas  su vida artística
transcurre durante el último tercio del siglo XIX y comienzos del XX época de la
consolidación de la III  República, de la segunda revolución industrial con sus avances (
tranvía, metro, electricidad observable en el cuadro) , expansión colonial y
conocimiento de culturas exóticas que influye como la estampa japonesa y también
época de la bohemia  y de la Belle epoque en Paris, con espectáculos para las masas:
cabarets. carrera de caballos, ... 

   El columpio 1876

                       
El autor  Auguste RENOIR ( 1841-1919.)  
   
   Sus cuadros se caracterizan por la visión optimista y alegre de la vida, por este motivo
a diferencia de otros impresionistas casi siempre está presente la figura humana,  y los
efectos de la luz sobre ella. También es maestro en  utilizar ampliamente el contraste
entre colores cálidos y fríos .

 Temas.  Las escenas de la vida urbana, como “ Moulin de la Galette  o los Remeros o

escenas intimistas. 
     Su obra evoluciona hacia una recuperación de la forma y el dibujo  influencia de la
pintura italiana. 
Ejemplo  LAS BAÑISTAS DE 1888
 BAÑISTAS. 1888
                Jóvenes en el piano  .1892 
      
  RENOIR. Almuerzo de los remeros

   
      IDENTTIFICACIÓN y  DESCRIPCIÓN.
    TÍTULO  : Almuerzo de los remeros
    Autor: Pierre Auguste RENOIR
   Cronología:  1881
   Técnica:   Óleo sobre lienzo
    Dimensiones:  1,295 x 1,727 m.
   Localización actual:   Colección Phillipsm Washington

        
     Este cuadro es la última gran obra impresionista  de Renoir  que refleja alegría ,
vitalidad y optimismo,  antes de recuperar la influencia del clasicismo ( ver la imagen
inferior el  Desnudo de 1888)

                  El tema presenta una escena de la vida cotidiana en la que une  retrato,

paisaje y bodegón. 
              El escenario es la terraza del restaurante Fournaise  en el que ha
reunido   a sus amigos que acaban de comer como se observa por los restos
en la mesa y  en los vasos de vino.  Este restaurante muy popular se
encontraba cerca de  una zona de baños y de actividades acuáticas muy
frecuentada en verano a la que se podía llegar   ferrocarril que se observa los
contornos difusos de un puente en el ángulo superior izquierdo. 
           Aunque  la escena nos parezca espontánea realizó  parte al aire libre  pero los
cambios en la composición  y retoques los realizó en su taller

 II. ANÁLISIS.
     
 COMPOSICIÓN  ¿  COMO SE ESTRUCTURA EL CUADRO.?
             En  primer lugar si se trazan dos diagonales:
    1 . La diagonal del ángulo  superior de nuestra izquierda  hasta el ángulo inferior de
nuestra derecha dejaría  a un lado  al  propietario del restaurante el señor Fournaise y
Aline Charigó la novia del pintor con su perrito, y también a la mesa y bodegón y al
otro lado al resto de los personajes

2.   La diagonal que parte del ángulo inferior izquierdo divide la mesa en dos partes  y
si la prolongamos hasta el ángulo superior derecho, deja  precisamente a la derecha a
un trío que conversa y a unos personajes que parecen coquetear, mientras que a la
izquierda queda el resto de la escena: el propietario , la novia de Renoir,  los dos hijos
del propietario, la muchacha apoyada en la barandilla y el joven que fuma, también se
encuentra en este lado el río, el toldo.
             
       Pero las dos diagonales al juntarse  generarían cuatro triángulos.

     a.   En el triángulo de la izquierda  se encuentran Aline Charigo novia y futura

esposa del pintor ( se casaron al año siguiente  )que le hace mimos a su perrito con
vestido azul con pañuelo rojo y  un sombrero amarillo con adornos de flores rojas y  que
quedan resaltados por el tono violeta  de la cinta. A su lado con sombrero de alas
amarillas, copa anaranjada ( efecto de la sombra del toldo) y   raya azul  colores
primarios, dos cálidos y en medio uno frío  el propietario del restaurante el   señor
Fournaise
     

b.          El triángulo superior    se aprecia un trío formado por    Angéle , la modelo
favorita del pintor,  que parece haber sido sorprendida de forma espontánea bebiendo,
Alfonsine,  hija del propietario,   que se apoya  en la barandilla y escucha al barón Raoul
Barbier ( exoficial de caballería) que se encuentra de espalda y era gran amigo de
Renoir . Detrás de este trío  aparecen el hijo del  propietario  y  un banquero  charles
Ephrousi personaje que fue añadido después. Las diferentes capas son muestras de los
cambios.                
Entre el toldo , arbustos  y remarcado por el propietario del restaurante y
Alfonsine  aparece difuminados  el río   y una escena naútica que
apenas se ven. 
    
   c.       En el triángulo de la derecha se observa  otro trío conversando    el hombre con
el sombrero de paja es el pintor y mecenas Gustave Caillebote, la muchacha es  Allen
Andrée actriz , que también posaba para Renoir , y de pie el periodista Maggiolo.
  En la parte superior  un trío en actitud de coqueteo

      d.     El triángulo inferior englobaría la mesa y la naturaleza muerta. Renoir era un
maestro de  bodegones.
       
        El fondo es mayoritariamente verde y por eso tiene muy cerca un toldo
rojo complementario del verde.
        Renoir coloca a los personajes muy cercanos  al espectador y  aunque se observa líneas
verticales como los elementos que sostienen el toldo     crea  dinamismo con las líneas
oblicuas que crean profundidad : la línea oblicua del toldo , la de   de la mesa  que dirige
nuestra mirada hacia la  bullicioso conversación de la derecha y la también línea oblicua
de la barandilla que dirige nuestra mirada hacia el duo ( formado por el hijo del
propietarios que fuma y el banquero) .  
      

 
     La   disposición de los personajes  nos hace dirigir la vista no solo a ellos que
conversan animadamente   sino también al bodegón   que está colocado en un lugar muy
destacado con copas  de cristal  que tienen aún resto de vino , restos de la comida ,
diversos tipos de botellas.. , todo ello construido con  pinceladas sueltas.                        

La factura de la pincelada  es  a la manera impresionista , paleta de arco iris: rojos y sus

opuestos verdes  o  amarillos, azules..  y pincelada rápida. Las sombras son por lo
general no negras sino violáceas. 
       Se puede apreciar  como en los colores de algunos elementos del cuadro
influyen  elementos cercanos. Así en el sombrero del señor Fourniase cuya ala
es amarilla , la copa es anaranjada  por  la influencia  de la la luz anaranjada
que produce el toldo   Así mismo en el mantel   en su esquina derecha  muestra
los colores de lo que tiene cerca como la silla, el pantalón del  personaje
sentado, el periodista Maggiolo.
TRATAMIENTO DE LA LUZ.
  
    La escena se sitúa bajo un toldo  que Renoir utiliza para lograr  una luminosidad
uniforme  , distinta a la de muchos de sus cuadros como  Moulin de la Galette o en la
imagen inferior Desnudo al sol. 
        
        En este caso  la luminosidad   se logra bien mediante armonías o bien mediante
contrastes con los colores complementarios. .   Por ejemplo se distinguen contrastes
entre violeta y amarillos, se observan vestidos amarillos  cuyas sombras como es
habitual en el impresionismo son violáceas  o  vestidos azules que quedan resaltados
por la proximidad de amarillos  en camisas o sombreros.

    RITMO es  alegre y  vitalista todos parecen estar entretenidos en la conversación y

muestran gestos. Nuestra mirada se dirige hacia los grupos que conforman la obra. 
  
CONTEXTO Y AUTOR
              
   Como todos los impresionistas y también los postimpresionistas, simbolistas  su vida
artística transcurre durante el último tercio del siglo XIX y comienzos del XX época de
la consolidación de la III  República, de la segunda revolución industrial con sus
avances ( tranvía, metro, electricidad observable en el cuadro) , expansión colonial y
conocimiento de culturas exóticas que influye como la estampa japonesa y también
época de la bohemia  y de la Belle epoque en Paris, con espectáculos para las masas:
cabarets. carrera de caballos, ...
          Este cuadro nos sirve como fuente histórica  pues muestra lo que era la vida
parisina, los gustos , la moda  del último tercio del siglo  XIX., un mundo que atrae a
pintores y artistas de otros países.
      
EL AUTOR
Auguste RENOIR ( 1841-1919.)   Sus cuadros se caracterizan por la visión optimista y
alegre de la vida, por este motivo a diferencia de otros impresionistas casi siempre está
presente la figura humana y los efectos de la luz sobre ella.  Maestro en  utilizar
ampliamente el contraste entre colores cálidos y fríos.
  
TEMAS.    Principales temas son escenas de la vida urbana, como  esta de los Remeros
o “ Moulin de la Galette  

     Su obra evoluciona hacia una recuperación de la forma y el dibujo  influencia de la

pintura italiana . Ver la diferencia entre los dos desnudos 

 DESNUDO AL SOL 1875   La crítica la calificó como carne agusanada.

DESNUDO  1888
  
          

    
   

RODIN. El pensador
 I. IDENTIFICACIÓN  Y DESCRIPCIÓN

Título: El pensador
 Autor: Auguste Rodin 
Cronología: 1880-1900 
Estilo: impresionismo
 Escultura...  de bulto redondo  y sedente
 Material: bronce 
Medidas: 1,98 x 1,29 m 
  Género:  alegórico, estatua símbolo sobre la reflexión de la condición humana. 

    Localización actual: Museo Rodin

 Esta figura iba a representar a Dante meditando ante las Puertas del Infierno
inspiradas en la Divina Comedia , obra  encargada en 1880 por el Museo de Artes
Decorativas de Paris que remitía como precedente a la Puerta del Paraíso de Ghiberti. 
              El proyecto incluía más de 180 figuras que no llegó a hacerse realidad pero de
sus  estudios  surgieron obras  como el Pensador; El Beso;, Adán y Eva. 
   
    La figura de Dante  , se transformó para  representar a un  un hombre
corpulento  sentado sobre una roca con las piernas ligeramente abiertas y el
torso hacia adelante, su  cabeza descansa  sobre el dorso de la mano derecha,
mientras sus  brazos se apoyan o descansan sobre la pierna izquierda.
Manifiesta por tanto una actitud de reflexión de pensar  hecho que  nos separa de
la categoría  animal, pero que también conduce a la angustia con  las preguntas. 
        Rodin hizo un primer modelo de la escultura en yeso en 1880. La primera
escultura a gran escala se culminó en 1902, aunque no fue presentada en
público hasta 1904. Existen más de veinte versiones  en diferentes museos 

  II. ANÁLISIS
     Material y procedimiento. 
         La escultura está realizada en bronce y el procedimiento la fundición.
Pero la técnica que  es lo que innova y hace diferente a Rodin  es el molde que
lo hace con las manos dejando zonas  de no acabado y superficies rugosas. 
   Por tanto valor táctil por una parte de frialdad del bronce y por otra de
rugosidad. Esta forma de proceder hace que la luz cree efectos o bien de  luz
o bien de  sombra, pero también  la propia rugosidad aumenta la expresividad 
              
         El tratamiento del cuerpo es realista , a pesar de la desproporción de
ciertas partes  como las manos y los pies que tienen influencia de Miguel
Ángel.
  

 Composición:
   -  En primer lugar es una escultura cerrada en sí misma:  El brazo y la
mano izquierda  se apoyan encima de la rodilla izquierda y el brazo derecho
que sostiene la cabeza apoya el codo sobre también la rodilla izquierda
cerrando  como en una especie de círculo imaginario la composición
       
           Así mismo s   la diagonal de las piernas y el arco que forma la
espalda y la cabeza contribuyen a cerrar la imagen  reforzando la actitud de
meditar 
          Se puede distinguir también un esquema compositivo en
zig.zag  formado  por diagonales: pierna, torso,brazo, hasta llegar a la cabeza
que contribuye al dinamismo o ritmo.  

    El punto de vista. El hecho de que el cuerpo se retuerza incita al

espectador a moverse a rodear la imagen, por consiguiente admite diferentes
puntos de vista. 
  La luz como se ha dicho antes al incidir sobre la superficie rugosas crea
efecto de luz y sombra que contribuyen a aumentar la expresividad.

        Ritmo   La superficie rugosa , los efectos lumínicos contribuyen a crear

dinamismo y vitalidad .  
          Este dinamismo se ve incrementado porque el pensador involucra todo
su cuerpo en la acción, sus músculos están tensos procedente de  un esfuerzo
interior y por la propia estructura compositiva con formas arqueadas y
angulosas y diagonales. Así frente a una escultura sedente y una actitud de
pensamiento que cabría esperar de calma , nos encontramos con ritmo
dinámico y vital  que procede del interior cercano al movimiento en potencia de
Miguel Ángel. 

    La expresión es  reconcentrada, seria , no de tranquilidad    sino de

preocupación. ¿ Cuál será su reflexión?
      
III.   CONTEXTO, AUTOR , ESTILO, FUNCIÓN 
            Francia después del desastre de la guerra franco prusiana y la
inestabilidad durante la Comuna de Paris, inicia con la Tercera República un
periodo de relativa estabilidad que consolida a la burguesía   que se constituye
en cliente y mecenas de artistas.
   
                 Coincide este etapa con el desarrollo económico ligado a la
Segunda Revolución Industrial, la expansión colonial También es una etapa de
cambios culturales y artísticos que van convirtiendo a Paris en centro artístico.
En el este final de cuarto de siglo se desarrolla el impresionismo en arte y
música ( Debussy) 
         El escultor: Auguste Rodin (1840-1917) perteneció a una familia
modesta, al suspender tres veces el examen para ingresar en la escuela de
Bellas Artes , tuvo que conformarse con estudiar en la Escuela de Artes
Decorativas y trabajar como decorador . Tras un viaje a Roma  en 1875 en que
descubre la obra de  Miguel Ángel, realiza " la edad de bronce" que le hizo muy
popular pese a la hostilidad y las críticas de los medios oficiales.     
 LORENZO DE MÉDICIS. .
SIMBOLO DE LA VIDA CONTEMPLATIVA

JUICIO FINAL. BAJADA A LOS INFIERNOS

  ESTILO . En la obra de El pensador está
presente la influencia de la obra de Miguel Angel ,especialmente de la figura de
Lorenzo de Médicis de las tumbas Mediceas de la iglesia de  San Lorenzo.
    Las características  de su estilo son:
   - Al igual que Miguel Ángel , Rodin  modela el  bronce creando la sensación de “
inacabado “ o non finito incitando al espectador a participar 
 - Utiliza  contornos no nítidos 
   - Introduce el modelado con los dedos y las manos con el fin de conseguir superficies
rugosas que potencian los juegos lumínicos. 
          Estas características de rugosidad, de falta de nitidez, de inacabado
contribuyen a calificar su obra como impresionista, teniendo en cuenta
también su deseo de que la obra estuviera relacionada con la luz y la
atmósfera que la rodeaba .
   
 También se le puede calificar como simbolista al ser muchas de sus obras
estatuas símbolos como la Catedral o  Balzac.     
 LA CATEDRAL. Estatua símbolo.
 FUNCIÓN.
  El pensador se ha convertido en una estatua símbolo. Símbolo de la gran cualidad
del hombre de ser racional, la de pensar, la de interrogarse sobre su existencia.  
    También tiene una función decorativa ya que pretendía dar a la ciudad moderna obras
modernas integradas en el espacio urbano. 

 Significado 
     Para algunos expertos representaría al  hombre primitivo que se separa del mundo
animal creando con esfuerzo el primer pensamiento. 
 Otros  creen que  simboliza el  pensamiento angustiado del hombre que medita sobre su
destino 
 La obra de Rodin es muy numerosa y entre otras  destacan : Los burgueses de Calais
(1884) Balzac (1891), . En sus esculturas elimina a veces partes del cuerpo para hacerlas
más expresivas o las deja inacabadas.
                  
Monumento a Balzac. 1897
Ejemplo de estatua símbolo ya que no trata de realizar un retrato sino de
reflejar el genio creativo del escritor que lo manifiesta mediante elementos
símbólicos: lo presenta como un gigante , mide más de dos metros cuando en
realidad Balzac era bajo;  lo presenta con una gran expresividad mediante su
cabeza con entrantes y salientes y erguida., por tanto la luz crea efectos de
claro y sombra que aumentan la expresividad.
         La parte inferior está como inacabada, es decir presenta el non finito y la
superficie es rugosa y  se observa un movimiento ascensional hasta la cabeza
ligeramente echada hacia atrás y erguida en actitud de energía de fuerte
carácter

      
      
       

GUSTAV KLIMT. . EL BESO.

  
I.   I   Identificación y Descripción
  El beso
 Autor. Gustav Klint 
 Estilo : simbolismo
 Técnica: óleo y pan de oro sobre lienzo
  Formato  180 x 180 cm
   Fecha:  1907-1908
 Localización actual  :  Galería austriaca de los palacios Belvedere, Viena.

         Iconografía.    
     Muestra a una pareja abrazada que representan la felicidad quizá en el periodo  más
dorado de nuestra vida ,la juventud  . Los dos amantes están encerrados o envueltos en
una aureola o mejor en una especie de capullo de oro del que apenas sobresalen sus
cabezas y sus manos. Existe una actitud dominante por parte del hombre y más sumisa
por parte de la mujer que cierra los ojos   Apenas existe fondo y se encuentran sobre un
prado   a modo de mosaico ( Klint estaba entusiasmado con los mosaicos bizantinos de
Rávena, los pies de ella se encuentran fuera de la alfombra asomándose a un abismo tal
vez alusión a lo efímero de la pasión.
        
            II. ANÁLISIS FORMAL
                          Es un cuadro en el que la línea  es claramente perceptible delimitando
las figuras y formas. En la figura femenina se perciben líneas   que  contribuyen a que
adivinemos su cuerpo de líneas rectas y curvas.
                           Alterna   varios tipos de  pinceladas unas acabadas y detalladas con
otras largas y cortas mediante las que se conforma el volumen. 
           En el  fondo las pinceladas son pequeñas , paralelas y verticales  pero lígeras por
la utilización de poca materia de color. 
         
 En cuanto a la composición.  Por una parte  se puede ver en general una forma
cilíndrica que englobaría a la pareja; o un cilindro para el hombre y un triángulo
rectángulo para la mujer.
       Se observan varios  escorzos. La mujer con cabeza hacia atrás y ladeada  a la vez
que  mira  al espectador pero con los ojos cerrados.   El hombre también muestra
postura escorzada , la cabeza hacia adelante rodeada de una corona de hojas y se
retuerce para con los brazos coger o sujetar  la cabeza de la mujer.  Su maciza forma es
símbolo de dominio.           

               El efecto luz se crea por medio del color y procede de los personajes centrales
y de su aureola o capullo a modo de crisálida  que con luz dorada del pan de oro técnica
utilizada para imágenes religiosas y aquí tema profano y erótico.  El dorado que
simbolizaba la luz divina se convierte en este caso en   símbolo del amor que
ilumina el espacio.

           En relación a los colores se pueden distinguir tres espacios diferentes: 

1   En la escena central predominan los colores  cálidos como los dorados  y
anaranjados . El vestido masculino se adorna con motivos rectangulares ajedrezados
blancos, negros y grises , mientras en el caso  de la mujer se  adorna con " mosaicos
" de  círculos con diversos motivos  en los que alternan los colores cálidos y fríos.
  2.  En el fondo  reaparecen los colores cálidos  como el amarillo sobre ocre   
  
3.  En el espacio inferior dominan colores fríos verdes, magentas, lilas  con algunos
amarillos que se asemejan a las teselas de los mosaicos. 
          
     No existe perspectiva ya que las figuras están yuxtapuestas sobre el prado .
Tampoco hay efecto de profundidad. El cambio de planos se produce mediante el
cambio de color del prado verde al ocre de la pared.
            
      En cuanto al ritmo es lento , detenido pero también existe una sensación de
inestabilidad , de caída o vencimiento del peso de la pareja que forma unidad con el
prado  hacia el abismo
            
             La expresión más significativa es la de la mujer de abandono, pero son
especialmente expresivos las manos tocándose y los gestos de los dedos. 
                    
      III.   AUTOR Y SIGNIFICADO.
                  
        En los albores del siglo XX reinaba el optimismo por los nuevos inventos como la
electricidad, metro, tranvia, los espectáculos de sociedad de masas , el contacto y la
admiración por lo oriental. 
                .  G. Klint fue  componente junto con otros artistas como los arquitectos
Olbrich y Otto Wagner del movimiento modernista o art nouveau llamado en Austria  :
Sezesión vienesa.
           En sus pinturas se puede ver la influencia de los iconos y mosaicos bizantinos
( realizó alguna visita a Rávena)  y un gusto por lo femenino y sensual y erótico,
retratando a sus modelos en  diferentes ángulos y en diferentes situaciones que
mostraban el gusto nuevo y moderno por lo sensual y erótico  que despertó el rechazo
de algunos críticos y de personas que las calificaban en aquellos años de obscenas.
     Otra de las influencias visible en su obra es la incorporación de elementos exóticos
orientales de Asia y Egipto y la importancia de adornos y  elementos ornamentales
especialmente visible en los círculos del vestido de la mujer o en la alfombra verde,  que
hacían que sus obras brillaran como si fueran los colores de las joyas. Con este brillo,
estos adornos y estas formas sensuales sugería la alegría del deleite , de gozar  en el
esplendor de la juventud. .
Klimt nunca se casó pero tuvo muchas relaciones de las cuales tuvo cuatro hijos
ilegítimos. Su gran amor fue Emile Floge con quien tuvo 27 años de romance.
     El Beso fue su obra maestra pertenece a su última etapa de su fase dorada 
caracterizada por el decorativismo.  Con esta obra  culminaba su investigaciones sobre
el tema del deseo humano   

SIGNIFICADO.  Esta pintura  es quizás  una alegoría de la intensidad pero también a

veces brevedad de la pasión durante la la juventud.  Los amantes representan la
conexión de energías opuestas. El hombre muestra un contraste blanco y negro, binario,
racional y mostrando su fuerza cuando atrae a la mujer en sus brazos. La mujer equilibra
esta energía con su cariño, calor y color que se retroalimenta de la ‘madre naturaleza’ a
través de los hilos de flores saliendo de sus pies.

El cuadro El beso representa  así mismo el ‘sentimiento’ de la pérdida de uno mismo

que los amantes sienten. La sensación de AMOR pleno, fuerte, sexual y espiritual.