Arte Moderno
Arte Moderno
Arte Moderno
ARQUITECTURA
DOCENTE:
INTEGRANTES
REYES DE LA CRUZ, Jose Luis
Huánuco - Perú
2023
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DEDICATORIA
bondad. Dedicado a nuestros padres por su apoyo incondicional en toda esta etapa de
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AGRADECIMIENTO
Como autor del presente trabajo de Investigación agradezco a la Arq. Castañeda brancacho,
yina nuestro docente del curso de historia del arte por su colaboración y preocupación en la
A nuestros padres por guiarnos y gracias a ellos se hace realidad este trabajo GRACIAS.
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RESUMEN
. Desde su aparición, el arte moderno ha sido una manifestación cultural ampliamente teorizada por
aparición de este tipo de producción artística, se ha impuesto una idea que radica sus virtudes en la
supuesta “posesión” de cierta autonomía relativa en el campo cultural. Sin embargo, y a pesar de los
intentos por comprenderlo como un proceso simbólico desligado de su contexto social inmediato, han
sido los mismos pensadores que lo apoyaron quienes terminaron sometiéndolo a un fuerte grado de
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SUMARY
From its beginning, modern art has become a cultural expression widely theorised by critics and
specialists. In most of these reflections there has been an imposition of an idea that centres its virtues
in the supposedly “possession” of a certain autonomy related to the cultural field. Nonetheless, and in
spite of the attempts to understand modern art as a symbolic process unattached from its immediate
social context, the same intellectuals who supported that idea are the ones who finally yielded it to a
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Tabla de contenido
DEDICATORIA ...............................................................................................................2
AGRADECIMIENTO .......................................................................................................3
RESUMEN ......................................................................................................................4
SUMARY.........................................................................................................................5
INDICE ............................................................................................................................6
INTRODUCCION ............................................................................................................9
1- DIFERENCIA ENTRE ARTE MODERNO Y ARTE CONTEMPORANEO
.........................................................................................................................................
10
- CONTEXTO EN EL QUE SE DESARROLLO (SOLO UNO DE ELLOS (ARTE
MODERNOARTES CONTEMPARANEO)....................................................................11
- PERIODOS..................................................................................................................11
- MAXIMOS EXPONENTES .........................................................................................18
- CARACTERISTICAS: PINTURA, ESCULTURA Y ARQUITECTURA .......................21
- LAS REPRESENTACIONES EN QUE SE BASABA .................................................29
2- ANALICIS DE UN REPRESENTANTE.....................................................................30
- BIOGRAFIA.................................................................................................................30
- SUS REPRESENTACIONES MAS DESTACADAS....................................................31
- SELECCIÓN DE UNA OBRA DEL AUTOR Y REALIZAR UN ANALISIS:..................37
PASOS PARA HACER EL ANÁLISIS DE UNA OBRA DE ARTE.................................41
- LA IDENTIFICACIÓN..................................................................................................41
- LA INTERPRETACIÓN...............................................................................................41
- LA HISTORIA DE LA OBRA PARA ANALIZARLA......................................................42
- ESTILO O MOVIMIENTO............................................................................................48
- USO DEL COLOR, FORMA Y TECNICA....................................................................48
: ¿CÓMO SE FIJA EL PRECIO DE UNA OBRA DE ARTE?.........................................50
- A QUÉ PERIODO PERTENECE.................................................................................52
- EL VALOR SEGÚN LA TRAYECTORIA DEL AUTOR...............................................53
- LA PROPIA HISTORIA DE LA OBRA.........................................................................54
- EL PROPIETARIO O LA PROPIETARIA 56
- UN CONJUNTO DE FACTORES................................................................................57
CONCLUCIONES .........................................................................................................60
BIBLIOGRAFIA .............................................................................................................61
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INDICE DE FIGURAS
Figura 2 el impresionismo…………………………………………………………………….
Figura 4 fauvismo………………………………………………………………………………..
Figura 5 expresionismo………………………………………………………………………..
Figura 6 cubismo…………………………………………………………………………………
Figura 7 surrealismo…………………………………………………………………………..
Figura 8 expresionismo……………………………………………………………………….
Figura 9 Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
…………………………………………………………………………………………………………..
Figura 10 Claude Monet Estanque con nenúfares (1899) Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm.
Museo: National Gallery. Londres………………………………………………………
Figura 11 Antoni Gaudí………………………………………………………………………
Figura 12 pablo picoso……………………………………………………………………….
Figura 13 Jackson pollock…………………………………………………………………..
Figura 14 edificio larkin building………………………………………………………...
Figura 16 el beso……………………………………………………………………………..
pág. 7
Figura 25 primera obra de arte moderno……………………………………..
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INTRODUCCIÓN
El arte moderno representa como innovació n frente a la tradició n artística del arte
occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la funció n del arte, en que
el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitació n de la naturaleza o su
representació n literal.
Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronoló gico, sino
estético; de estilo, de sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista como
William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que
Vincent van Gogh (muerto en 1890) indudablemente sí.
El arte moderno representa como innovació n frente a la tradició n artística del arte
occidental una nueva forma de entender la estética, la teoría y la funció n del arte, en que
el valor dominante (en pintura o escultura) ya no es la imitació n de la naturaleza o su
representació n literal. La invenció n de la fotografía había hecho esta funció n artística
obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista,
con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en
formas abstractas.
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1- DIFERENCIA ENTRE ARTE MODERNO Y ARTE CONTEMPORANEO
El mundo del arte es amplio y diverso, y a menudo puede resultar confuso para aquellos que no están
familiarizados con sus términos y conceptos. En particular, la distinción entre arte moderno y
contemporáneo puede ser un poco confusa para algunos.
En términos generales, el arte moderno se refiere al período de tiempo que abarca desde finales del
siglo XIX hasta la década de 1960. Este período se caracteriza por la experimentación y la innovación
en cuanto a la forma, el contenido y la técnica. El arte moderno abarcó una amplia variedad de estilos,
desde el impresionismo y el cubismo hasta el arte abstracto y el expresionismo.
Por otro lado, el arte contemporáneo se refiere a la producción artística de la actualidad, desde la
década de 1960 hasta nuestros días. Este período se caracteriza por la diversidad y la globalización del
arte, así como por la inclusión de diferentes medios y técnicas, como la instalación y el arte conceptual.
A menudo, el arte contemporáneo se enfoca en temas políticos, sociales y culturales actuales.
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Comprender las diferencias entre ellos puede ayudarnos a apreciar y entender mejor el arte que nos
rodea
¿Por qué se llama moderno al arte del periodo comprendido entre 1850 y 1950? La noción de
modernidad surgió en la década de 1850 para referirse a las profundas transformaciones que
experimentaron los países industrializados a partir del siglo XIX con las revoluciones técnica e
industrial.
Sin embargo, la modernidad es también una forma de pensar y crear decididamente innovadora y en
reacción a las reglas de la Academia de Bellas Artes. La Academia de Bellas Artes, que desde 1725
había aceptado o no exponer a los artistas en el Salón de Pintura y Escultura (comúnmente conocido
como el Salón) estaba perdiendo influencia y los jurados de los Salones estaban perdiendo su gran
credibilidad ante los pintores, el público y el Estado. Los pintores ajenos a la academia (porque
infringían las normas establecidas por ésta) se negaban progresivamente a ser expuestos junto a los
pintores académicos.
Al mismo tiempo, la crítica de arte se desarrolla porque el arte se convierte en objeto de escritura.
Grandes escritores como Baudelaire o Zola escriben críticas sobre la obra de los artistas modernos, a
menudo para apoyarlos. Algunos artistas escriben ellos mismos críticas de arte como Matisse o los
manifiestos (manifiesto dadaísta, manifiesto surrealista).
Por último, la aparición de la fotografía como nuevo medio de arte visual ha tenido una serie de
repercusiones en los artistas. En primer lugar, lo ven como una razón más para alejarse de lo figurativo
y de los cánones del arte clásico. La fotografía será también una nueva fuente de inspiración y un
medio de trabajo: los artistas fotografían paisajes u objetos y luego los plasman con mayor o menor
fidelidad en sus obras.
- PERIODOS
A mediados del siglo XIX, los artistas comenzaron a rebelarse contra la aplicación de los estilos
artísticos europeos por parte de la Academie des Beaux-Arts, técnicas establecidas desde el
Renacimiento. Surgieron múltiples estilos modernos basados en los principios subyacentes que
rechazaban la historia y las representaciones realistas, en lugar de pasar al color, las líneas, las
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dimensiones enfatizando la abstracción. Este período fue un tiempo de muchos estilos de arte
diferentes, un tiempo de experimentación, invención y el uso de materiales únicos. El impresionismo
fue el primer movimiento de arte moderno basado en Sunrise de Claude Monet. La imagen contenía
un cambio radical en el uso de pinceladas, colores vivos y luz. Algunos de los movimientos únicos
incluyeron: Impresionismo, Post Impresionismo, Fauvismo Art Nouveau, Expresionismo, Dada,
Surrealismo, Expresionismo Abstracto, Arte Cinético, Arte Pop, Arte Op y Minimalismo. Cada uno de
estos tenía diferentes definiciones y cualidades.
El impresionismo
El impresionismo surgió en 1872. En ese año, Claude Monet utilizó una innovadora técnica. Esta incluía
pinceladas borrosas, un distinto enfoque en la luz y colores vivos en el desarrollo de su pintura
Impression, Sunrise.
Esta fue una de las obras de arte moderno que desafió las reglas rígidas y las representaciones realistas
de la pintura académica. La claridad en los detalles de los ojos, cabello y demás partes del cuerpo
humano se desvaneció con el impresionismo.
Este estilo tuvo bastante influencia sobre la pintura francesa hasta finalizar el siglo. Algunos de los
representantes más relevantes fueron Monet, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.
Figura 2 el impresionismo
El post impresionismo
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El Postimpresionismo se inspiró de la libertad artística que se venía suscitando con el impresionismo.
Algunos autores como Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri Toulouse-Lautrec
decidieron también ‘aventurarse’ a trabajar estilos no convencionales en sus obras.
Los autores de este movimiento, que comenzó en la década de 1890, mostraron un gran interés por la
experimentación y subjetividad. Por eso, sus obras de arte moderno representan reinterpretaciones de
la realidad que reniegan de las representaciones realistas. Son pinturas poco convencionales
Fauvismo
El nombre de este movimiento se debe al grupo vanguardista que lo fundó, el cual fue liderado por
autores como André Derain y Henri Matisse-Fauvism.
Esta corriente apareció por primera vez a principios del siglo XX. Y, del mismo modo que los
postimpresionistas, los fauvistas preferían dejar atrás los tonos piel y/o tonos tierra más realistas. Por
eso, comenzaron a utilizar tonos más surrealistas. También comenzaron a enfatizar percepciones
subjetivas en sus obras de arte moderno. Estas solían tener una apariencia abstracta que se alejaba de
lo tradicional y reconocible.
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Figura 4 fauvismo
Expresionismo
El expresionismo surge antes de la Primera Guerra Mundial. Los pintores, que eran oriundos de
Alemania y Austria, decidieron optar por un enfoque experimental. Esto al igual que los representantes
de los movimientos anteriormente mencionados.
Las obras de arte moderno del estilo expresionista transmiten una fascinación por el color brillante y
artificial. También están compuestas por una iconografía individualista.
Figura 5 expresionismo
El Cubismo
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Este movimiento se inició en 1907. Se caracteriza por el uso de formas fracturadas y deconstruidas en
las obras de arte moderno. En ese sentido, el Cubismo marcó el cambio de este género hacia la
abstracción.
Georges Braque y Pablo Picasso son dos de sus máximos exponentes. Ambos materializaron el cubismo
a través de pinturas al revés, esculturas multidimensionales y collages de vanguardia.
Al igual que los otros movimientos artísticos modernos, el cubismo enfatizó la subjetividad de sus
autores de manera espontánea. Como decía Pablo Picasso: «no teníamos el objetivo de descubrir el
cubismo, solo queríamos expresar lo que había en nosotros»
Figura 6 cubismo
Surrealismo
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Figura 7 surrealismo
Expresionismo Abstracto
El expresionismo abstracto fue desarrollado a mediados del siglo XX. Diversos artistas decidieron dejar
atrás los estilos figurativos para darle paso a lo abstracto.
Estos pintores también se interesaron en el color, la composición y la emoción de sus obras. Sin
embargo, pusieron mayor énfasis en la innovación de su proceso creativo. De esta forma buscaron
mostrar su percepción sobre el mundo que los rodeaba
Figura 8 expresionismo
- MAXIMOS EXPONENTES
Paul Cézanne (1839 – 1906)
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Paul Cézanne fue un pintor francés postimpresionista considerado como uno de los padres del arte
moderno. Sus obras se caracterizan por realzar la volumetría, independientemente de la luz que
incidiese en ella, pues era artificial, reduciendo además la realidad a formas puras, es decir, formas
cilíndricas, cuadradas…y que serán las que influenciaran a Picasso a la hora de crear el cubismo como
el nuevo estilo artístico.
Camille Pisarro le ayudó a que este aclarase su paleta y le enseñó a pintar como un buen impresionista
que era, su estilo. El impresionismo para Cézanne fue más que nada una práctica, aprendiendo sobre
todo su técnica que luego hará en sus obras, se trataban de pinceladas sueltas, muy pocos espesas
donde el color ganaba pureza.
Sus cuadros carecen de emotividad y sentimiento pues se centraba sobre todo en el lenguaje pictórico,
en ver la relación entre el color y la forma. Su idea era la siguiente “El dibujo y el color no son
diferentes, a medida que se pinta se va dibujando; cuanto más armonioso es el color, más se precisa el
dibujo”.
Entre sus obras más significativas destacamos Los jugadores de cartas y el Bodegón con manzanas y
naranjas.
Figura 9 Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
Musée d´Orsay.
Claude Monet (1840 – 1926), uno delos principales artistas del arte moderno
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Otro de los artistas más importantes del arte moderno es Claude Monet, el mejor pintor impresionista
por excelencia, de hecho, con una de sus obras fue la que le dio nombre al movimiento. Se trata de
Impresión: sol naciente, que se expuso por primera vez en el año 1874, sin ser entendida por muchos,
de hecho, de entre todas las que estaban expuestas fue la que mayores insultos recibió.
Para Monet el color no existía en la naturaleza en sí, el color estaba vinculado en función de la luz, de
ahí que uno de los objetivos más perseguidos por los pintores impresionistas sea el de representar el
mundo de manera directa y espontánea para de esa manera centrarse sobre todo en los diferentes
efectos de la luz.
Tuvo la suerte que, con el tiempo, las críticas hacia sus pinturas empezaran a desaparecer y por lo
tanto poco a poco sus obras recobraron importancia. Este hecho hizo que durante los últimos 25 años
de su vida pudiera vivir mejor económicamente, pues si por algo se caracterizó Monet fue por vivir
durante más de treinta años en la más absoluta pobreza.
Entre sus obras más significativas tenemos El estanque de Ninfeas, la Estación de San Lázaro y la serie
de pinturas que realizo de la Catedral de Rouen
Figura 10 Claude Monet Estanque con nenúfares (1899) Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm. Museo: National Gallery. Londres
Antoni Gaudí es el máximo exponente del modernismo catalán dentro del ámbito de la arquitectura.
Se caracterizó por su sentido tan peculiar sobre el volumen y la geometría, aparte de su gran capacidad
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soñadora y creativa que le permitía proyectar de antemano las obras antes de que este las pudiera
pasar al plano.
Muy pocas veces hacia planos y mucho menos detallados, solía improvisar sobre la marcha, eso sí, a la
hora de concebirlos estudiaba y analizaba hasta el más mínimo detalle, detalles
que el mismo dominaba a la perfección como el trabajo de la cerámica con su famosa técnica del
“trencadís”, la forja de hierro, las vidrieras, carpinterías…
Entre sus obras más importantes destacamos el Parque Güell, la Casa Milá, la Casa Batlló, el Capricho
de Comillas y el templo expiatorio de la Sagrada Familia.
Pablo Ruiz Picasso fue nada más y nada menos quién encabezó uno de los muchos movimientos más
destacados de las vanguardias artísticas, el cubismo. El cubismo se caracteriza por representar y
plasmar sobre la superficie del cuadro un objeto o persona desde varios puntos de vista, simplificando
las figuras a formas geométricas y muy esquemáticas.
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A pesar de que Picasso haya pasado a la historia por encabezar un nuevo estilo como lo es el cubismo,
las obras realizadas anteriormente a esta tendencia no tiene nada que ver, pues atravesó por dos
periodos conocidos como el periodo azul y el periodo rosa de entre los que podríamos destacar La vida
o Acróbata y joven arlequín donde se pueden apreciar que las representaciones son algo más
figurativas.
También se le atribuyó en parte la invención del collage como técnica artística y en escultura, pues
también se atrevió con esta otra especialidad, el ensamblaje. Algunas de sus obras más representativas
son las Señoritas de Avignon, el retrato de Ambroise Vollard y el Guernica. Por lo que respecta a la
escultura destacamos su obra de Cabra o Cráneo de toro.
Y, por último, otro de los artistas más importantes del arte moderno es Jackson Pollock. Fue un pintor
estadounidense y el mayor exponente de la pintura abstracta. Famoso por emplear en sus pinturas la
técnica del dripping que consiste en dejar que goteé la materia pictórica, normalmente acrílicos, sobre
una tela extendida en el suelo bien desde algún tipo de recipiente agujereado, esparciéndose de este
modo mediante salpicaduras, o con los mismos pinceles, que recibe el nombre de Sprinkle o
directamente con las mismas manos.
En el movimiento del cuerpo para la creación de dichas obras se cree haber visto el origen de la Action
Painting (Pintura en acción), pues al fin y al cabo lo que sus lienzos manifiestan es eso, una fuerza, una
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intensidad violenta, energética. Entre sus obras más importantes tenemos que destacar Autumn
Rhythm (Number 30), Shimmering Substance y Número 1.
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Figura 14 edificio larkin building
pág. 22
Figura 15 Seagram building
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Figura 16 el beso
.
Artistas destacados
Paul Gauguin (¿cuándo te casas )
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Figura 17 Paul Gauguin (¿cuándo te casas )
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Figura 19 Paul Cézanne (jugadores de naipes)
Artistas destacados
pablo Picasso (señoritas de avignon)
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Figura 21 juan gris (letra lía, la tierra de las letras)
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Figura 23 Gino severini (tren suburbano llegada a parís)
Expresionismo (1905-1920)
Artistas destacados
Otto mueller (girls sitting by the water)
Artistas destacados
Otto mueller (girls sitting by the water)
El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una
nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas
artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su condición literal.
Édouart Manet fue quizá el primer artista en desarrollar el arte moderno. Hizo una pintura llamada Le
Déjeuner sur l’Herbe («Almuerzo sobre la hierba») que causó gran escándalo. Las figuras
representadas en la obra y la técnica utilizada eran muy diferentes a lo típicamente representado y
usado en su época.
La obra muestra un desnudo femenino junto a caballeros completamente vestidos. Esta escena suscitó
controversia en el Salon des Refusés en 1863, cuando fue presentada en la exposición de obras
rechazadas por el Salon Oficial. Fue considerado vulgar por el desnudo de la mujer. Sin embargo, la
pintura era resultado de la visión subjetiva que Manet tenía de su entorno.
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De hecho, los personajes de su obra eran personas identificables para él. La esposa de Manet, Suzanne
Leenhoff, y su modelo favorita, Victorine Meurent, posaron para la mujer desnuda. Siendo así que la
cara de Meurent y el cuerpo de Leenhoff conforman la figura. Los dos hombres son el hermano de
Manet, Gustave, y su futuro cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff. La otra fémina
ligeramente vestida fue realizada a imagen de una modelo muy conocida entre otros pintores,
Alexandrine-Gabrielle Meley. Así Manet reinterpretaba su realidad.
2- ANALICIS DE UN REPRESENTANTE
PAUL CÉZANNE
- BIOGRAFIA
Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence, Francia, el 19 de enero de 1839. Era hijo de un exitoso
sombrerero y de una acomodada madre que apoyó su amor por el arte. Estudió en la Academia de
Arte de Marsella y más tarde en la Academia de Arte de París, pero se sintió insatisfecho con el estilo
tradicional y convencional que se enseñaba allí.
A partir de la década de 1860, Cézanne comenzó a desarrollar su propio estilo único, influenciado por
el impresionismo y el postimpresionismo, pero que se alejaba de los movimientos artísticos
convencionales de la época. Él creía que la pintura debía basarse en la observación directa de la
naturaleza y en la exploración de la forma y el color.
A pesar de ser reconocido como un gran artista hoy en día, Cézanne tuvo una carrera temprana difícil y
luchó por vender sus obras durante muchos años. Sin embargo, fue amigo de otros artistas
importantes de su tiempo, como Émile Zola, Camille Pissarro y Claude Monet, quienes lo apoyaron y
animaron en su trabajo.
En la década de 1880, Cézanne comenzó a recibir cierto reconocimiento público y fue invitado a
exponer sus obras en el Salón de París. En 1895, tuvo su primera exposición individual, donde presentó
más de 100 obras en la Galería Vollard en París.
Cézanne continuó pintando hasta su muerte el 22 de octubre de 1906 en su ciudad natal, Aix-en-
Provence. Dejó atrás una gran colección de obras maestras, incluyendo paisajes, bodegones y retratos,
que han influido en generaciones de artistas.
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A lo largo de su carrera, Cézanne logró algunos de los mayores logros en la historia del arte. Uno de los
más importantes fue su enfoque en la exploración de la forma y el color, que llevó a la creación de su
estilo único y lo distinguió de otros artistas de la época. Además, fue uno de los primeros artistas en
experimentar con la geometría y la abstracción en sus obras.
Cézanne intentó seguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el
orden pictórico. Al igual que Zola el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la
representación de la vida temporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin
preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una
observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura
que podía entrar este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de
color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los
museos» en cuanto al impresionismo que representaba Paul Cèzanne en cuanto a características es
como las que son que elegía temas de la vida cotidiana, frecuentemente mostraban paisajes los
pintaban al aire libre, los colores los mezclaban lo menos posible, (cuadros colores vibrantes),
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pinceladas, brochazos cortos, capturaban la esencia de lo que querían plasmar, hacían las sombras
colores complementarios, (bordes suaves, mejor intervalo de colores), el fondo de la pintura era
típicamente opaco, enfatizaban en dar una luz natural a los objetos, que a su vez reflejaban su luz a
otros objetos, las sombras del terreno reflejaban el color del cielo, lo que daba un efecto de frescura y
luz natural al paisaje.
La obra Una Granja de Anvers resulta imprescindible para examinar el cambio de dirección en la
producción de Cézanne. Hacia medianos de la década de 1870 y bajo la influencia de Pissarro, las
fantasías de Cézanne se suprimieron para dar paso a fines más objetivos.
En ésta importante obra, Cézanne transforma un intrascendente paisaje rural en un vehículo que
remodela el lenguaje impresionista en uno propio basado en el estudio de la realidad (no de las
“impresiones”) y en el que se intuye su futura preocupación por sacar a relucir los volúmenes
geométricos de los cuerpos.
Cézanne nos presenta una humilde granja enmarcada por dos edificios sin determinar. Nada menos
trascendente, sino fuera por el contraste entre las pinceladas desiguales que conforman la granja y el
paisaje circundante, propio de un lenguaje más fugaz y impresionista, con las manchas sólidas que
conforman las dos edificaciones que enmarcan la escena. Pareciera una representación de aquello
imperecedero contrapuesto a la transitoriedad del momento.
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figura 27 una granja de auvers (c. 1879-1882)
Este lienzo de pequeñas dimensiones y sensacionalista historia nos vuelve a evidenciar las capacidades
transgresoras de Cézanne. Presentado como un bodegón, no es sino un estudio de siete simples
manzanas sobre, lo que intuimos es, una mesa de madera. Cézanne no sigue ningún convencionalismo
y sus manzanas campan libres por un lienzo sin enmarcación alguna.
Es importante destacar que Cézanne jamás trabajó bajo los influjos de las formas geométricas puras,
como posteriormente harían los cubistas. Estas manzanas no son esferas puras, sino unos consistentes
e irregulares volúmenes esféricos. En la obra, ninguna manzana se alza como gran protagonista, no
obstante, observamos que todas ellas están tratadas con dedicado esfuerzo, como si de grandes y
virtuosos héroes se tratara.
Otra vez, un tema intrascendente, sin embargo, muy capaz de constatar el sentido del cambio en el
artista.
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figura 28 bodegón con manzanas (c.1875-77)
La Montaña de Santa Victoria es otra de las pinturas más importantes de Paul Cézanne. Supone la
evidencia del interés de Cézanne por el mundo tangible. Natural de Aix-en-Provence, Cézanne sintió
una gran atracción por los parajes de la zona, sobre todo por la montaña de Santa Victoria, la cual
llegaría a pintar en más de setenta ocasiones.
Como en su día hiciera Monet, Cézanne eligió un motivo y lo pintó en diferentes momentos del día y
desde distintos puntos de vista. Sin embargo, y a diferencia de su amigo, sus resultados parecen no un
espontáneo reflejo de lo contemplado, sino más bien un estudio lento y prolongado de aquello que
una vez observó y donde, de nuevo, nos muestra sus preocupaciones y estudios sobre la luz, las formas
y sus volúmenes
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figura 29 la montaña de santa victoria (c. 1885-1887)
Los jugadores de Naipes es, sin lugar a dudas, la serie más conocida de Cézanne. Realizada a lo largo
del primer lustro de 1890, las cinco obras que conforman esta serie nos muestran unos motivos de
inspiración caravagesca; los cuales se cree fueron propiciados por la obra de los hermanos Le Nain,
expuesta en el museo de Aix-en-Provence.
Todos los lienzos de la serie presentan a dos personajes masculinos enfrentándose, en una taberna, a
un juego de naipes. No obstante, uno de los lienzos destaca por encima del resto, concretamente el
más sobrio de todos. Mucho se ha comentado acerca del sutil juego de gestos y miradas de ambos
personajes, los cuales, mediante unas máscaras inexpresivas, encierran una concentración casi
tangible para el espectador.
En cuanto a su composición, la botella, foco de luz de la obra y colocada en el centro del lienzo,
constituye el eje central del mismo, separando el espació en dos zonas casi simétricas que enfatizan
aun más la rivalidad de ambos personajes.
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La década de 1890 supone el período más maduro de Cézanne. Sus obras ya no reflejan esa lucha
interna entre distintos lenguajes, ese dudar de quien está aprendiendo, y se manifiestan heterogéneas
y unificadas, seguras de sí mismas. Los antiguos maestros han abrazado las nuevas normas postuladas
por el artista y fluyen al unísono en obras como Los jugadores de Naipes.
En la última década de su carrera, Cézanne reflexiona sobre el motivo de las bañistas. Este venerable
tema ya había aparecido anteriormente en sus cuadernos (Las Cinco Bañista, c. 1885-1887), pero es
ahora cuando adquiere un enfoque mucho más ambicioso.
La obra nos muestra una abundancia de desnudos femeninos en la orilla del agua en actitudes eróticas
enmarcadas por una bóveda simétrica de árboles. En esta composición somos capaces de reconocer el
increíble esfuerzo de Cézanne por conciliar las lecciones de los antiguos maestros con sus nuevos
postulados artísticos, pues la disposición de sus personajes, composición e incluso sus colores nos
remiten a todo su compendio de sabiduría.
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figura 31 Las Grandes Bañistas (1895-1905)
Cezanne hizo una serie con este tema empezando con cinco jugadores hasta quedar reducido a estos
dos. El gran objetivo: el estudio y recuperación de las formas.
Por la luz artificial que incide sobre la botella y la oscuridad insinuada detrás de la ventana la partida se
desarrollaría a última hora de la tarde.
ANÁLISIS
COMPOSICIÓN equilibrada pero algo asimétrica : la botella con reflejo blanco ( indicio de luz artificial)
parece ocupar el centro pero un poco desplazada hacia la izquierda , detrás se intuye el paisaje
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Figura 33 Los Jugadores de cartas
Los colores predominantes son cálidos destacando la amplia gama de marrones, desde los claros
tonos arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados.
El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta con
marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta amarilla pantalón
marrón y malva, sombras violáceas.
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Figura 34 Los Jugadores de cartas
Los colores predominantes son cálidos destacando la amplia gama de marrones, desde los claros tonos
arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados.
El contraste de colores intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta con
marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta amarilla pantalón
marrón y malva, sombras violáceas.
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EXPRESIÓN: Los dos jugadores están concentrados mirando sus naipes, el mayor tiene la cabeza
levantada y el otro la tiene más baja y rostro más serio parece preocupado más tenso porque tal vez le
toque jugar a él o no ve claro el resultado de la partida.
SIGNIFICADO O SIMBOLOGÍA: Por tanto, cartas más claras y cabeza más erguida parecen indicar el
triunfo del personaje mayor. No obstante, el gran objetivo es el estudio de las formas y su
recuperación.
- LA IDENTIFICACIÓN
- LA INTERPRETACIÓN
Iconografía: Son unos jugadores de cartas en un bar de pueblo, en este caso es como una excusa para
hacer el cuadro.
El señor que no fuma es el que está esperando para echar las cartas, y el del cigarro da una sensación
de ganador de la partida por su postura más relajada.
- La concepción que tiene Cezánne de la natura se reduce a simples volúmenes geométricos, por lo
tanto los cuerpos de los jugadores son tratados como un cilindro.
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- La parte izquierda es más grande y el cuerpo del jugador está entero, lo cual no succeix con el
adversario, con esto Cézanne intensifica el enfrentamiento.
- La tensión de la composición recae sobre los objetos de encima la mesa (donde se desarrolla la
acción) y en las manos de los jugadores (donde se mantienen las miradas)
Función
Función pictórica, sólo pretende plasmar un hecho cotidiano.
Significado
- No fue ninguna persona quién le encargó la obra, la hace él mismo por gusto, es el que se denomina
el arte por el arte
- Una interpretación afirma que era la lucha que tuvo el pintor con su padre para que aceptas su
pintura y estilo de vida.
- Una otro interpretación sugiere la posibilidad que fuera el mismo Cezanne quién se enfrentaba a si
mismo haciendo alusión a las propias contradicciones interiores
Las dos personas que participan en el juego de cartas se colocan separadas del resto de los clientes del
club. Estos hombres posiblemente podrían ser campesinos, y es probable que uno de ellos se llamara
Alexandre, quien se desempeñó como jardinero en la finca del padre del artista en Jas de Bouffan.
Están sentados en una modesta mesa de madera, que sostiene una botella de vino sellada con un
corcho. Los jugadores de cartas están vestidos con ropa modesta pero respetable. El caballero sentado
a la izquierda lleva chaqueta y sombrero. Mientras examina cuidadosamente sus cartas, fuma en pipa.
Por otro lado, el jugador de la derecha parece más joven y se viste de manera más informal.
Rodeándolos, se pueden observar las decoraciones de las paredes de madera de la sala conocidas
como boiserie, así como una puerta de vidrio.
El cuadro "Jugadores de cartas" de Paul Cézanne ha formado parte de diversas colecciones de arte a lo
largo de su historia. Inicialmente se incluyó en la colección de Ambroise Vollard, luego pasó a la
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colección Denys Cochin y luego pasó a formar parte de la colección Durand-Ruel. Finalmente, hasta
1911, encontró su lugar en la colección del Conde Isaac de Camondo en París. Después de eso, fue
legado por el Conde a los Museos Estatales y finalmente terminó en el Museo del Louvre. De 1947 a
1986 se exhibió en la Galerie du Jeu de Paume de París y luego se trasladó al Musée d'Orsay en 1986,
donde se exhibe actualmente. Paul Cézanne creó cinco cuadros con el mismo tema de los jugadores de
cartas. La versión expuesta en el Musée d'Orsay es particularmente notable, ya que muestra los
notables resultados de la investigación y experimentación del artista. Curiosamente, en el museo de
Aix-en-Provence se exhibió una obra titulada "Los jugadores de cartas" de los hermanos Le Nain. Es
posible que Cézanne se haya inspirado en esta pieza al crear sus propias pinturas de la serie.
La obra de arte creada entre 1894 y 1895 es una pieza notable que pertenece a la serie de pinturas al
óleo de jugadores de cartas del maestro posimpresionista Cézanne. Estas pinturas fueron realizadas
durante el período final de la carrera de Cézanne, concretamente a principios de la década de 1890, y
la serie consta de cinco obras únicas. Cada versión difiere en términos de tamaño, el número de
jugadores representados y la configuración del juego de cartas. En preparación para la serie The Card
Players, Cézanne creó numerosos dibujos y estudios. En particular, una de las versiones de la serie The
Card Players se vendió en 2011 a la familia real de Qatar por un precio estimado de $ 250 millones
(equivalente a $ 301,1 millones en la actualidad), estableciendo un nuevo récord para el precio más
alto jamás pagado por una pintura. Este récord solo fue superado en noviembre de 20
Versiones
Entre 1890 y 1895 Cézanne realizó cinco versiones con el motivo de los jugadores de cartas. Cada una
de ellas tiene su particularidad. Las vamos a identificar por el lugar donde se ubica el cuadro.
En este cuadro aparecen cinco personas. Tres hombres son los jugadores. Uno más, por detrás de la
mesa, asiste de pie a la partida. Y otra persona al fondo, parece estar abstraída. Parece una mujer,
pero no está claro. Por aquella época no sería muy lógico que una mujer estuviera asistiendo a una
partida de cartas como mera espectadora. Todo hace pensar en un joven adolescente, tal vez el hijo de
alguno de ellos.
En la obra podemos observar una de las características del estilo de Cézanne. Se trata del abandono de
la perspectiva tradicional para usar otra que comprende varios puntos de vista. Así la mesa del juego,
el frente, con su cajón, está representado como si lo viéramos de forma frontal. La superficie plana de
la mesa, sin embargo, está representada de tal forma que vemos que está depositado encima de ella.
Esto solo sería posible si nos hubiéramos elevado por encima de ella o las patas traseras midieran
veinte o treinta centímetros más que las delanteras.
En este lienzo una de las cosas que llama poderosamente la atención es lo que no vemos y es… el
silencio. Es una escena tranquila, serena, donde no parece que haya trajeteo alrededor. La ausencia de
una botella o vasos de vino y la presencia de ese adolescente me hace pensar que no estamos en una
taberna sino en una habitación de una casa de cualquiera de ellos, o del propio pintor que ha
organizado la timba para poder retratarlos tranquilamente. A la derecha, al fondo, un grueso cortinajes
rompe la lisa pared para proporcionar volumen a la escena. En pared también podemos ver, en el
centro, la parte inferior de un cuadro y un colgador de pipas de fumar; y a la izquierda un anaquel con
lo que parece ser un cántaro (que nos recuerda a algunos de los que utilizaba el artista en sus
naturalezas muertas). En este cuadro el personaje que fuma pipa es el que está de pie.
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figura 37 Versión Metropolitan Museum of Art de Nueva York
El museo clasifica esta obra como «posiblemente» la primera de las cinco versiones.
Comparándola con la anterior vemos que Cézanne se ha desprendido de un par de detalles para
centrarse más en la escena del juego. Ha eliminado el anaquel y también la parte inferior del cuadro.
También ha suprimido la figura del adolescente. Y en la mesa del juego ha quitado el tapete, como si le
molestara. Por lo demás es prácticamente la misma escena, con el cortinaje y los gabanes de los
paisanos. Al jugador del medio, el pintor ha decidido, en esta versión, ponerle un sombrero.
Hasta hace muy poco tiempo «colección privada» era el pie de foto de este cuadro. Ese término
eliminaba la situación geográfica de donde se encontraba el cuadro. En febrero de 2012, la familia de
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real de Catar compró por 191,6 millones de euros Los jugadores de cartas (la versión que estaba en
manos privadas). Es otra más de las adquisiciones que está haciendo este jeque con la idea de
transformar el emirato en un gran centro cultural en el Próximo Oriente. La obra de Cézanne ha batido
todos los récords en cuánto al precio pagado por una obra de arte. Solo me queda divagar sobre lo que
hubiera pensado el propio artista al conocer esta información.
Centrándonos en la obra, esta versión se simplifica con respecto a las dos anteriores. Lo primero que
salta a la vista es que son solo dos los jugadores que están con sus cartas en la mano. Un tapete de
color marrón cubre la mesa. En el centro una estilizada botella, contenedora de alguna bebida
alcohólica. Curiosamente no vemos ningún vaso, lo que hace pensar que Cézanne ha recurrido ha este
elemento con alguna intención estilista, como pueda ser la de dividir el espacio o meter alguna línea
vertical que contrarreste las horizontales que se forman la propia mesa o la balda de la pared,
formando así un interesante juego de líneas. El jugador de la izquierda viste una chaqueta de tonos
azules. Lleva un sombrero, una especie de bombín rústico, y fuma en pipa. Concentra su mirada en las
cartas que tiene en su mano y que casi las podemos adivinar. El jugador de la derecha viste una
chaqueta en tonos claros. También lleva un sombrero, más desenfadado, con el ala vuelta hacía arriba.
No fuma y su mirada se extravía más allá de las cartas.
Por detrás de él podemos ver una especie de mueble o puerta de madera.
Cézanne se preocupa más por el volumen por captar la forma la luz, dejando los detalles al margen
(como el hecho de que la cara no esté definida o no distingamos las cartas).
Tras su venta por esa desorbitada cantidad se ha criticado mucho esta obra. O mejor dicho, se ha
cuestionado si vale esa suma, pues casi todo el mundo acepta que estamos ante una gran obra
maestra. A ella se la designa como la iniciadora del movimiento cubista (mucho críticos encuadran esta
obra dentro de la carrera de Cézanne en un periodo protocubista o cubismo cezanniano). Esta obra
mantiene un equilibrio entre el canon clásico y la composición moderna (el cuerpo de la derecha se
sale algo del cuadro, una cosa impensable unos cuántos años atrás). Hoy en día, Los jugadores de
cartas, está considerada como un tesoro artístico nacional francés. Claro que este aspecto da risa
cuando el propio estado rechazó un intento de donación (del nuevo propietario de Jas de Bouffan) que
quiso legar unas obras que el genial artista había dejado en la finca cuando la vendió. Para mayor gloria
de este lienzo fue robado en Aix-en-Provence en agosto de 1961, junto con otras siete obras de
Cézanne. Meses después recuperaron las obras previo pago de un rescate. Después, muchos años
después, los franceses, con su Estado al frente, al intentado devolver un poco de honor al bueno de
Cézanne. Para ello no han dudado de dedicarle un montón de sellos y, sobre todo, un billetazo de 100
francos donde podemos ver el rostro del artista y un dibujo de Los jugadores de cartas.
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Por último, cada uno de los distintos propietarios, de estas versiones, dice que la suya es la mejor
versión que Cézanne hizo. Lo cierto es que ahora todas se han visto revalorizadas a raíz de la última
venta. Todos ganan con el boom de la venta de cuadros de arte.
Esta versión presenta muchas semejanzas con la anterior que acabamos de ver. Mismo jugadores y
mismos elementos compositivos. La única diferencia radica en que las figuras son más estilizas, más
delgadas y presentan una mayor superficie pictórica por encima de sus cabezas (a pesar de que el
lienzo es de menor tamaño). Los colores empleados son más luminosos, la pincelada es más suelta, y
en su conjunto da como resultado una obra con aspecto inacabado.
Con esta obra, Cézanne quiso, entre otras muchas cosas, reflejar la tradicional vida campesina que se
veía, de una forma u otra, amenazada por el progreso. Una de sus primeras obras La trinchera, es un
reflejo (y en cierta medida, denuncia) de esa herida en el paisaje fruto de la línea de ferrocarril que
avanzaba de forma inexorable, aquí, en Los jugadores de cartas, Cézanne ha querido inmortalizar esa
paz, esa tranquilidad de la vida de un pueblecito cualesquiera justo en el momento en que unas
personas se disponen a pasar un rato alejados del mundanal y frenético caos imperante en las grandes
ciudades.
Es importante destacar que Cézanne se centra en la escena dejando a un lado la picaresca, la trampa,
la burla, el engaño y el juego del dinero. La partida de carta como tal, sin apuestas de por medio, es un
reflejo de nuestra sociedad, que se va perdiendo por lo menos en el aspecto que nos presentó
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Cézanne. Esto se ve relegado a un mundo rural. En las grandes ciudades es difícil ver a unos jugadores
de cartas en una cafetería al lado de los grandes centros financieros.
Los años anteriores a 1890 y los siguientes se vivieron bajo la amenaza de esa guerra franco prusiana
que se vería cristalizada de forma ominosa en la que se conoce como la Gran Guerra (la Primera
Guerra Mundial, 1914 – 1918).
En los próximos números de Revista Atticus publicaremos este artículo completo, así como la influencia
que ha tenido esta obra y un extenso repaso a la temática de los jugadores de cartas en el Arte.
- ESTILO O MOVIMIENTO
Cézanne formó parte del núcleo original del movimiento impresionista, participó en la exposición de
1874 en la galería de Nadar. La forma de entender la pintura, la temática y su técnica era
impresionista, pero no se mostró satisfecho y quiso buscar nuevas posibilidades expresivas. Gran
conocedor de la obra de los pintores clásicos, como Nicolás Poussin, trató de dotar al impresionismo
de la estructura que estos artistas del pasado otorgaban a sus obras.
Cézanne consideraba que el pintor debía investigar qué es lo que realmente vemos y, para lograrlo,
debía observar el mismo motivo y buscar la perspectivas correctas. Esa idea será explorada en todas
sus posibilidades por Picasso y Braque, dando origen al cubismo, el primero reconocía a Cézanne como
“el padre de todos ellos”; también fue notable su influencia sobre Matisse, principal artistas del
fauvismo.
Esta obra se convirtió en el 2012 en el cuadro más caro del mundo, cuando se pagó por él la cifra de
250 millones de dólares, hoy ya superada.
El dibujo crea sólidas formas geométricas, tanto en la composición como en las figuras de los
personajes y en otros elementos, como la botella. Destaca el trabajo de los rostros que, en su aparente
sencillez refleja el elemento psicológico, es decir, la marcha de la propia partida. La geometrización de
las formas las dota de corporeidad y volumen, no debemos olvidar la idea de Cézanne de buscar las
formas geométricas básicas en la naturaleza, la simplificación geométrica.
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La luz es artificial, llega desde el frente, se refleja en la botella y se derrama por la composición
ayudando a generar el espacio y las ligeras sobras que acentúan el modelado de los objetos y de los
jugadores.
Predominan los colores ocres, mezclando azules, amarillos y rojos, más claros en la parte derecha,
ayudando a equilibrar la composición, como también juega con la simetría cromática invirtiendo los
tonos claros y oscuros en pantalones y chaquetas de los jugadores. Estos colores son aplicados con
pinceladas breves, con la técnica del facetado para descomponer las formas y el espacio, alternando
tonalidades para crear volumen en las figuras. El resultado refleja una gran austeridad tanto cromática
como formal.
Composición
La composición del cuadro está muy cuidada, no olvidemos que la intención de Cézanne era dotar a la
pintura impresionista de la estructura y la solidez de los grandes artistas del pasado, sin abandonar la
técnica moderna. La simplificación de la escena la dota de una sobriedad casi monumental; una simple
partida de cartas que, por los gestos y miradas de los personajes, se vuelve grave, casi épica, como
cualquier partida en un bar.
La botella que descansa sobre la mesa marca el eje del cuadro, no está en el centro geométrico de la
composición, detalle que, junto a la figura cortada del jugador de la derecha, pueden dar la sensación
de descuido compositivo, pero no es así. La figura del jugador de la derecha está encorvado, con un
abrigo voluminoso, por lo que su peso en el conjunto del lienzo es mayor y eso compensa que ocupe
menos espacio, los mismo podemos decir de los colores más claros. La figura de la izquierda, más
erguida está completamente dentro del marco.
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La composición es muy compleja, podemos ver el triangulo que forman las cartas, con las miradas de
los jugadores en la parte superior de la mesa y su reflejo en la parte inferior con los brazos y los
cuerpos.
Aunque predomina las líneas verticales: mesa, sillas, botella, jugadores… están se ven compensadas
por las líneas horizontales de la pared (posiblemente la transición entre la pared y la cristalera) y la
propia mesa, dando una sensación muy equilibrada.
La falta de referentes espaciales hace que nos metamos dentro de la propia partida, como
espectadores casuales que no pueden evitar mirar la partida que se desarrolla en la mesa contigua.
• Obra: Cézanne introduce la técnica y la estética impresionistas, y en la pintura de plein air. Aplica la
reducción de sus obras a figuras geométricas, que por él eran la esencia básica de todos los objetos.
Por lo tanto es considerado el antecesor del cubismo.
• Autor: Sus influencias son: Tintoeretto y Caravaggio, El Greco, Zurbarán y Ribera y Poussin. Gran
influencia también de las estampas japonesas (Toulousse-Lautrec, Van Gogh) que se nota en el
tratamiento de la tercera dimensión y del color y en el perfilado de los sujetos.
Analisis téncico y formal: Se trata de un oleo sobre tela donde tiene una limitación de colores, lo que
se llama una paleta limitada. Es característico, porque pensaba que demasiado color distraía y no se
veía el volumen que quería expresar. En cuanto a la pincelada es ancha y libre, que nos marca
diferente zonas de diferente color para construir las figuras. En cuanto a la luz intenta dar un entorno a
luz natural de manera frontal. En referencia al espacio tridimensional, tiene una perspectiva aérea
cromática. Por último, la expresividad, es un cuadro quieto estático, tiene una expresividad sutil.
Se trata de una composición cerrada que tiene un centro, donde se unen las miradas en las cartas, y es
donde la acción se está desarrollando, podemos ver que un personaje no se encuentra entero.
“Los jugadores de cartas” de Cézanne, se convierte en la obra de arte mas cara de la historia
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figura 40 Los jugadores de cartas” de Cézanne
La familia real de Catar pagó 250 millones de dólares por Los jugadores de cartas, cuadro que forma
parte de una serie de pinturas clásicas del artista francés Paul Cézanne (1839-1906). La venta supone
un nuevo récord en el mundo del arte y convierte a esa obra en la más cara de la historia.
Aunque el acuerdo se hizo público hace unos días, la venta tuvo lugar en secreto durante 2011. Según
la revista The Art Newspaper, el gobierno catarí fue el primer comprador de arte el año pasado en un
intento por consolidar la ciudad de Doha como capital cultural del mundo, en competencia con París y
Nueva York. El cuadro de Cézanne pertenecía al millonario griego Yorgos Embiricos. El magnate murió
en 2011 y, según la revista Vanity Fair, poco antes de su muerte él mismo había comenzado las
conversaciones sobre la venta, pero las negociaciones fueron cerradas por sus herederos.
La obra fue pintada entre 1890 y 1894. Mide 130 centímetros de alto por 97 de alto y retrata a dos
jugadores, campesinos de Aix-en-Provence, pertenece a la época de madurez (década de 1890) del
artista.
Esos campesinos fueron inmortalizados hasta en cinco ocasiones por Cézanne. La obra vendida a la
familia real de Catar, deja muy atrás los 81.9 millones de dólares que se pagaron en mayo de 2011 por
el cuadro de Pablo Picasso, Desnudo, hojas verdes y busto.
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Las otras cuatro obras pertenecientes a la serie de Los jugadores de cartas se encuentran en los
museos Metropolitano de Nueva York, el de Orsay de París, el Instituto Courtauld de Londres y en la
Fundación Barnes, en Filadelfia, Estados Unidos.
El destino final de este quinto cuadro será el Museo Nacional de Catar, el cual ya alberga obras de
Rothko y Warhol. En la propia capital catarí se exponen obras de Richard Serra, así como una
retrospectiva de Louise Bourgeois; en marzo se llevará a cabo ahí un Foro de Arte Mundial.
Los Jugadores de Cartas de Paul Cézanne: Una Obra Maestra del Postimpresionismo
Los Jugadores de Cartas, una serie de cinco cuadros creados por el influyente pintor postimpresionista
francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895, es considerada como una de sus obras maestras y un hito en
la historia del arte. La serie de pinturas presenta a dos o más hombres absortos en un juego de cartas,
a menudo acompañados de observadores y fumadores. A través de estas representaciones, Cézanne
explora la naturaleza humana, la concentración y la camaradería en un entorno rural. En este artículo,
examinaremos en detalle la historia, el contexto y la técnica de Los Jugadores de Cartas.
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Figura 42 Los Jugadores de Cartas de Paul Cézanne
Paul Cézanne (1839-1906) es reconocido como uno de los pintores más importantes del siglo XIX, y su
trabajo sirvió de puente entre el impresionismo y el cubismo, influyendo en generaciones de artistas
posteriores. A lo largo de su carrera, Cézanne experimentó con diferentes estilos y temáticas, pero
siempre mantuvo un enfoque en la exploración de la estructura, el color y la forma.
Durante el período en el que Cézanne pintó Los Jugadores de Cartas, el artista se había retirado a Aix-
en-Provence, su ciudad natal en el sur de Francia. Este alejamiento de la agitada vida parisina le
permitió centrarse en su obra y en las escenas de la vida rural.
Conoce los siete principales logros de Paul Cézanne, uno de los más grandes artistas del siglo XIX, en
esta lista que se presenta a continuación.
La carrera artística de Paul Cézanne fue extensa, con más de 40 años de trabajo. Así, Cézanne pintó su
obra entre los años 1860 y 1906, contando con obras completas y muchas de ellas por terminar. En la
actualidad se estima que el artista realizó unas 900 pinturas y 400 acuarelas.
Una obra mucho más valorada al final de su vida dada su personalidad introvertida. Su búsqueda
constante de un estilo único de expresión le fue alejando de la sociedad y las personas.
Paul Cézanne fue uno de los artistas más influyentes del siglo XIX, conocido por su contribución a la
Escuela de Pintura de Aix-en-Provence.
Su arte se caracteriza por una representación subjetiva de los objetos en lugar de la representación
objetiva de los impresionistas. Sus cuadros se caracterizan por una profunda sensibilidad por la luz y el
color, así como un uso innovador de técnicas de pintura. También exploró el uso del óleo y la acuarela
para crear efectos impresionantes. Cézanne fue un innovador en el campo del arte, y su trabajo influyó
a muchos otros artistas en los siglos posteriores.
Cézanne era conocido por su pintura realista, que combinaba el estilo impresionista con elementos
más tradicionales. Sus obras están llenas de color y textura, y sus paisajes a menudo reflejan la belleza
del paisaje de Provenza, donde vivió la mayor parte de su vida. Estudió la naturaleza de cerca, lo que le
permitió capturar la luz y la sombra con precisión.
Sus obras también incluyen retratos, autorretratos y obras que se centran en la figura humana. Estas
obras muestran una profunda comprensión de la anatomía human
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Los jugadores de cartas («Les Joueurs de cartes», en francés) es una pintura de óleo sobre lienzo, que
corresponde a la serie de las cinco obras sobre naipes, que realizó el artista francés Paul Cézanne, en el
marco de la época del postimpresionismo.
Cézanne, absorto en lo que él llamaba “sa petite sensation”, o “su pequeña sensación”, buscó reducir
al máximo los elementos que integran la representación, y así, permitió que el espectador se
concentrara únicamente en el núcleo principal de la escena: en el centro, una botella de vino y, a
ambos lados de la botella, dos hombres sentados, con los brazos apoyados en una mesa, con unos
naipes en las manos
En Los jugadores de cartas, y por medio de la composición cilíndrica de objetos como el sombrero, el
cuerpo, la manga y la total rectitud de las figuras, los tonos blancos en la pila, el cuello de la camisa, el
rostro desdibujado y el mantel que cae en ángulo recto, Cézanne se enfoca, primordialmente, en
otorgar al espectador la capacidad de distinguir rasgos psicológicos de sus personajes, no por la
dramatización de sus rostros, sino por la expresividad excluida de las formas que se distinguen a simple
vista.
La botella, por ejemplo, ocupa el lugar más centrado de la pintura. Su función radica en actuar como el
eje de simetría, marcando el espacio destinado a cada jugador, pero a su vez, focalizando la atención
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del jugador hacia la mesa, lugar donde transcurre la acción. En consecuencia, el espectador prosigue a
fijarse en las manos de los personajes, casi en la espera de ver el siguiente movimiento
Por su parte, la composición, elección del color y triangulación de los brazos de ambos jugadores,
permiten al público adivinar quién podría ser el ganador de la partida. Es decir, mientras que el jugador
de la izquierda sostiene naipes blancos y brillantes, el de la derecha cuenta con cartas más opacas y
grises
Finalmente, el detalle y la composición de los sombreros corresponden a uno de los pesos más
importantes de la obra. Cézanne desplaza el peso psicológicos de los personajes de sus rostros,
carentes de gestualidad, y lo posiciona en los sombreros de ambos jugadores.
Por un lado, el sujeto de la izquierda cuenta con un sombrero rígido, oscuro, mientras que el de la
derecha carga uno blando y de tonos más claros. Este juego cromático se repite con todo el vestuario
de los personajes, permitiendo al espectador imaginarse el carácter e individualidad de cada uno, más
allá de lo evidente.
- EL PROPIETARIO O LA PROPIETARIA
La familia real de Qatar ha pagado 250 millones de dólares (más de 191 millones de euros) por Los
jugadores de cartas, cuadro que forma parte de una serie de pinturas clásicas de Paul Cezanne. La
venta supone un nuevo récord en el mundo del arte y convierte al cuadro en el más caro de la historia.
Aunque el acuerdo se hizo público la semana pasada, la venta tuvo lugar en secreto durante 2011.
Según la revista The Art Newspaper, la Administración qatarí fue el primer comprador de arte durante
el año 2011, en su intento por establecerse en la capital cultural del mundo, en competencia con París
y Nueva York. El cuadro de Cézanne pertenecía al millonario griego Yorgos Embiricos. El magnate
murió en 2011 y, según Vanity Fair, poco antes de su muerte él mismo había comenzado las
conversaciones sobre la venta, pero las negociaciones fueron cerradas por sus herederos.
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Figura 44 La familia real de Qatar
- UN CONJUNTO DE FACTORES
Los Jugadores de Cartas, una serie de cinco cuadros creados por el influyente pintor postimpresionista
francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895, es considerada como una de sus obras maestras y un hito en
la historia del arte. La serie de pinturas presenta a dos o más hombres absortos en un juego de cartas,
a menudo acompañados de observadores y fumadores. A través de estas representaciones, Cézanne
explora la naturaleza humana, la concentración y la camaradería en un entorno rural. En este artículo,
examinaremos en detalle la historia, el contexto y la técnica de Los Jugadores de Cartas.
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Figura 45 Los Jugadores de Cartas de Paul Cézanne
Paul Cézanne (1839-1906) es reconocido como uno de los pintores más importantes del siglo XIX, y su
trabajo sirvió de puente entre el impresionismo y el cubismo, influyendo en generaciones de artistas
posteriores. A lo largo de su carrera, Cézanne experimentó con diferentes estilos y temáticas, pero
siempre mantuvo un enfoque en la exploración de la estructura, el color y la forma.
Durante el período en el que Cézanne pintó Los Jugadores de Cartas, el artista se había retirado a Aix-
en-Provence, su ciudad natal en el sur de Francia. Este alejamiento de la agitada vida parisina le
permitió centrarse en su obra y en las escenas de la vida rural.
La serie de Los Jugadores de Cartas consta de cinco pinturas que varían en tamaño y composición.
Aunque cada pintura es única, todas comparten el tema central de hombres jugando cartas en un
ambiente rural y relajado. En algunas versiones, los jugadores están acompañados por fumadores u
observadores, mientras que en otras, los jugadores aparecen solos.
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Figura 46 Los Jugadores de Cartas de Paul Cézanne
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CONCLUSIONES
Después de realizar este trabajo (investigar, descubrir, buscar…) he aprendido varios aspectos
sobre el arte moderno y la diferencia entre el arte moderno i arte contemporáneo: las
mayores diferencias entre el arte moderno y el contemporáneo. En primer lugar, el Arte
Moderno y el Arte Contemporáneo se originan en dos períodos diferentes. El período del arte
moderno incluye principalmente obras de finales del siglo XIX y principios del XX,
aproximadamente desde la década de 1880 hasta la de 1960. El arte moderno también suele
ser una expresión de individualidad. Mientras que el Arte Contemporáneo está más centrado
en el impacto social, con la sociedad como foco principal. También se puede decir que el Arte
Contemporáneo se centra principalmente en el presente y el futuro y que el Arte Moderno se
refiere a una época que ya pasó.
Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No
obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está
presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede
considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el
arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse
en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la
humanidad.
Por tanto, a las creaciones culturales que se produjeron entre los siglos XV y XVIII les
deberemos llamar "Arte de la Edad Moderna", con la suficiente distancia intelectual sobre él
para considerarlo, aunque esté claro que el concepto de "moderno" (también para lo que hoy
llamamos así) será siempre provisional.
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