Artistas

artísticamente como J Balvin, es un cantante urbano nacido el siete de mayo de mil novecientos ochenta y cinco (1985), en Medellín, Colombia. Hijo de José Álvaro Osorio y Alba Mery Balvin, tiene una hermana pequeña de nombre Carolina que es modelo. Balvin empezó a hacer música desde pequeño, mientras escuchaba rap, bachata y reggae (regué) en la radio y veía los vídeos musicales en la tele, soñaba con mostrar los movimientos de baile ante miles de personas. Durante su adolescencia, se entusiasmó con el rock y formó parte de varias bandas que tocaban canciones de Nirvana, Metallica, Enanitos Verdes… En un intercambio académico, viajó a EE.UU., donde además de mejorar su Inglés, afianzó su gusto por el género urbano, algo que siguió explorando durante su etapa universitaria, mientras estudiaba Relaciones Internacionales. Formó parte de la banda de rap MDL Crew, actualmente Universidad de la Calle y en su séptimo trimestre decidió dejar los estudios y centrarse en la música con el apoyo de sus padres. En dos mil cuatro (2004), lanzó su primera producción como solista, una canción titulada Panas, que habla de la amistad y con la que ingresó al mercado del reguetón. En dos mil nueve (2009), firmó con EMI Music Colombia y lanzó su primer sencillo Ella me cautivó, que consiguió llegar al número treinta y cinco en la lista tropical de Billoboard. Balvin; logró un gran reconocimiento nacional e Internacional, convirtiéndose en artista revelación del dos mil nueve (2009), de la emisora La Mega, artista de verano de Los 40 Principales y compositor Revelación por la Gobernación de Antioquia. El single, fue seguido del lanzamiento de su álbum debut Real, que fue un éxito en Colombia. En el dos mil once (2011), lanzó su segundo álbum El Negocio, con tres sencillos, Sin compromiso, Me gustas tu y En lo oscuro. En lo oscuro; se convirtió en el primer número uno de Balvin en su país natal. A mediados del dos mil doce (2012), el artista publica Yo te lo dije, que sería la primera canción de su siguiente proyecto La familia. Colaboró en la versión colombiana del hit Blurred Lines de Robin Charles Thicke (Robin Thicke), publicado en octubre del dos mil trece (2013), justo antes de la salida de su tercer disco. Balvin; hizo su debut en vivo para el mercado latino en Estados Unidos durante los premios Juventud, donde interpretó Yo te lo dije (lanzada a mediados del 2012). Seguido de eso Balvin lanzó el tema 6 AM, con el puertorriqueño Farruko. manuelverdugo.com

Tirone José González Orama (Canserbero)

Tirone José González Orama; más conocido como Canserbero, fue un rapero, cantante y compositor venezolano. Nació el once de marzo de mil novecientos ochenta y ocho (1988), en Caracas.

Es hijo de José Rafael González Ollarves y Leticia Coromoto Orama y vivió en la capital hasta los cuatro años. Después se mudó con su familia a Palo Negro, Maracay.

De orígenes humildes, de niño disfrutaba escuchando música de diferentes géneros, al principio se interesó por el reguetón (reggaetón) y el merengue hip hop de moda en esa época.

Muy hablador, siempre se presentaba para representante del año escolar en el colegio.

En mil novecientos noventa y siete (1997), con apenas nueve años, su madre falleció y se quedó bajo el cuidado de su padre.

Empezó con la improvisación a los once años, junto a sus amigos del barrio y después se centró en rapear.

Tras el asesinato de su medio hermano por parte de padre, sus referencias musicales cambiaron a géneros más críticos, como el Hip Hop de los noventa y el Hard Rock.

El nombre artístico de Canserbero, viene del Serbero de la mitología griega; el perro guardián de tres cabezas encargado de vigilar la puerta del Hades, asegurando que los muertos no salieran y que los vivos no pudieran entrar. La S viene de ser.

Cuando conoce a Blackamikase y a Afromak, juntos decidieron crear un proyecto llamado códigos de barrio y aunque escribieron muchos temas, sólo grabaron unos pocos.

Ya en la Universidad, se encontró con Lil Supa, que le invitó a grabar en un pequeño estudio conocido como El Techo.

Allí se adentró más en la cultura Hip Hop emergente en el país. Formó durante varios años, parte de la agrupación Basyco (Base y Contenido), donde interpretaban canciones del género Rap consciencia.
En dos mil siete (2007), Canserbero y Lil Supa deciden producir un disco conjunto llamado Can+Zoo Índigos, que funcionó muy bien en el ambiente Latinoamericano del Rap no comercial, incluso realizaron una gira nacional.

Al año siguiente, Canserbero decidió reunir algunos de sus temas anteriormente grabados y sacó a la luz el mixtape; Nuestra Doctrina no es un Dogma, es una Guía para la Acción, de distribución gratuita a través de Internet.

Lector empedernido y practicante de las artes marciales, trabajó como analista durante un tiempo y se matriculó para estudiar Derecho y Ciencias Políticas, pero decidió dejarlo para enfocarse a la música.

El dos mil diez (2010), fue el año de lanzamiento de su álbum de estudio debut como solista; Vida, que tuvo muy buena acogida.

Para dos mil doce (2012), publicó su segundo álbum; Muerte, y durante el año se mantuvo ocupado con los conciertos. Además; también participó en el evento masivo Hip Hop al Parque, en Colombia.

En dos mil trece (2013), formó dúo con Apache, sacaron el tema Ready, una ópera Rap de ocho minutos y lanzaron el disco Apa y Can.

Durante el dos mil catorce (2014), actuó en varios conciertos en distintos países Latinoamericanos y también en España.

Colaboró con la rapera española María Rodríguez Garrido (Mala Rodríguez), en la canción Ella y lanzó un segundo mixtape titulado Give Me 5.

El cinco de diciembre de dos mil catorce (2014), ofreció su último concierto en Argentina.

Trágicamente falleció a los veintiséis años en la madrugada del veinte de enero de dos mil quince (2015), en Maracay, tras caer de un edificio. Su muerte está llena de hipótesis y versiones.

Canserbero se ha convertido en uno de los grandes exponentes del Rap Latinoamericano. Una de las voces con más trascendencia del mundo Hip Hop en Español.

Y no se muere el que se va, sólo se muere el que se olvida…

Poco o nada se ha escrito sobre el aprecio de las élites gobernantes incas hacia la actividad artística y sus ejecutantes. Esta ponencia revela una consideración privilegiada de la práctica artística dentro del escalafón de la estructura de la sociedad inca. Lo artístico fue una labor productiva de absoluta dedicación de grupos familiares especializados, pero también con la posibilidad de que personas pertenecientes a las clases altas lo practicaran. El proceso de creación artística en el Tahuantinsuyo estuvo supervisado por quienes dirigían el culto, quienes a su vez sostenían ideológicamente el poder real. Como los artistas incas se hallaron siempre al lado del poder, viviendo en los templos o cerca a ellos, fueron adquiriendo conocimiento preferente, convirtiendo la práctica artística en eslabón de primera importancia entre el poder terrenal y el poder del más allá. (Ponencia expuesta en el V Congreso Nacional de Historia del Perú)

Se hace un recuento del "período rosa" de Picasso, marcado por el amor y con antecedentes catalanes del período azul, en un París bohemio, signado por la relación con Fernande Olivier, quien fuera su inseparable musa, mientras el artista se va abriendo camino hacia el cubismo, donde otra amada, gobernará la escena.

Este trabajo es complemento del publicado bajo el título "La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando​ cuando Goya era profesor (1785-1797)". En: Goya y su contexto: Actas del seminario internacional celebrado en la Institución Fernando el Católico los días 27, 28 y 29 de octubre de 2011. Zaragoza: Institución Fernando el Católico, 2013, pp. 317-341. Por motivos de espacio no se pudo incluir en dicha publicación, estando inédito.

Este artículo ofrece un contrapunto etnográfico a los discursos contemporáneos que han puesto de relieve el papel de la economía creativa como motor de desarrollo. Desde hace algunas décadas, la figura del " emprendedor cultural " viene siendo señalada como un modelo de libertad, flexibilidad y creatividad, presentándose como una vía de escape a las opresiones de la vida laboral en el capitalismo tardío. Sin embargo, observar las estrategias que despliegan los jóvenes para desenvolverse en el mundo del arte nos permite distinguir las considerables brechas que separan las retóricas celebratorias de las reales condiciones del empleo cultural. Este texto explora algunas de las tensiones que atraviesan la práctica artística en la Ciudad de México, prestando atención a los modos en que los jóvenes consiguen desarrollar sus proyectos en un contexto marcado por la precariedad. Palabras claves: economía creativa – artistas jóvenes – precariedad.

ABSTRACT: This article offers an ethnographic counterpoint to the contemporary discourses that highlight creative economy as an engine of development. Since the last few decades, the figure of a cultural entrepreneurship has been pointed out as a model of liberty, flexibility and creativity, presenting itself as an exit way to the constrictions of work in late capitalism. Nevertheless, to draw the attention to the strategies developed by young artists to get on in the art world allows us to distinguish the noteworthy rifts that divide the optimistic rethorics from the actual conditions of cultural employment. This text explores some of the tensions that accompany the artistic practice in Mexico City, taking notice of how young artists manage to carry out their projects in a precarious context.
Keywords: creative economy – young artists – precariousness.

Hoy más que nunca urge una práctica pastoral orientada al arte y a la comprensión de la belleza, con el objetivo de descubrir la epifanía divina y promover los valores cristianos en nuestro contexto.

La sociedad actual carece de condiciones favorables para la verdadera cultura y la libertad. En lugar de que vayamos construyendo ambientes llenos de creatividad y desarrollo, estamos siendo aturdidos por un torrente de imágenes frecuentemente banales y brutales arrojadas por los medios de comunicación. Esta situación no es otra cosa que un signo vivo de la grande necesidad de elevar a un nivel superior nuestra humanidad. En este sentido, y puesto que la articulación de lo estético con la prosecusión del bien y lo verdadero es una cantera privilegiada de la Pastoral de la Cultura, la revista Vida Pastoral (septiembre-octubre 2015) ha proyectado trazar algunas líneas sobre una materia vasta y complicada. No sin antes creer que nuestra propuesta incitará la formación, el reconocimiento y la salvaguarda del patrimonio artístico y cultural de la Iglesia mexicana.

Nuestra labor tendrá éxito si en Usted, querido lector, surge un mayor deseo de conocimiento y un placer cada vez mayor en el abordaje de las bellas artes.

Neste  artigo  analiso  o  advento  de  Clementina  de  Jesus  ao cenáculo artístico na década de 1960. Seu surgimento possibilitou que  certo  nacionalismo  de  esquerda,  até  então  propugnado de modo  unívoco  por  um  grupo  de  intelectuais  e  ativistas  das  artes populares,  descobrisse  uma  nova  feição, a que viria a ser considerada a mais “autêntica”: a afro-negro-brasileira. A partir deste  ponto  abria-se  uma  via  aos  movimentos  negros  e  aos construtos  que  davam  conta  da  categorização  do  outrora “nacional-universal”  samba:  o  “verdadeiro”  samba  encontrava doravante a sua raiz exclusivamente afro-negra, ao passo que, de outro  lado,  o  que  se  pode  denominar  imprecisa  e  vagamente  de
“cultura”  afro-brasileira – ideário  que  em  partes  subsidiou  a
formação  do  Movimento  Negro  Unificado – o  seu  símbolo-mor nas artes nos anos 1970-80: o samba “verdadeiro”.

Recorrido por las principales instituciones de difusión del arte contemporáneo españolas y portuguesas, atendiendo a los cambios experimentados en ambos países en sus periodos democráticos y a las relaciones de intercambio que se han establecido entre ellos. Se examina la dotación, ámbito de actuación y modo de funcionamiento de las infraestructuras artísticas portuguesas, factores que estarían en el origen de las relaciones asimétricas observadas entre ambos países; así como las disposiciones que han presentado los agentes artísticos y que se traducirían en relaciones de proximidad o de distancia.

This analysis of the main institutions disseminating contemporary art in Spain and Portugal assesses the changes both countries have undergone since the return of democracy and the exchange partnerships established between them. It also examines the contribution and sphere of activity of Portual's art infrastructures and the way in which they operate -factors that lie at the basis of the asymmetrical relationships observed between both countries. In addition, it looks at the conditions of the artistic agentes which result in close or distant relationships.

A região norte, e em particular o distrito de Bragança, tem ganho
especial interesse por parte dos historiadores e dos historiadores de arte, expresso na publicação de estudos que incidem sobre o seu património material e imaterial. No entanto, muito ainda se encontra por realizar no que concerne à divulgação de fontes documentais desse património, que nos dão pistas sobre os seus intervenientes e, em especial, sobre os seus autores. Partindo do concelho de Carrazeda de Ansiães no período setecentista, com evidente carência de estudos específicos sobre o seu património, propomo-nos, neste artigo, lançar pistas sobre os artistas e artífices que, no século XVIII, residiam e trabalhavam nas diversas obras deste concelho

Se transcribe y edita este manuscrito del ilustre historiador dieciochesco Juan Pedro Velázquez Gaztelu, donde se recogen todos los personajes más importantes de la vida de la ciudad de Sanlúcar de Barrameda que dejaron una huella documental en el Archivo General Fundación Casa Medina Sidonia o en el Municipal entre otros. Resulta esencial para contextualizar cualquier dato histórico o artístico desde el siglo XVI amediados del XVIII, pues permite disponer de un conocimiento básico de mecenas y de todo el personal de la corte, cabildo municipal, estamento eclesiástico, etc.

Obra completa en Link: https://riunet.upv.es/handle/10251/90530  ---

Arte y mística en el siglo XXI. La creación artística como una aproximación a la espiritualidad.
Directores: Dra. Natividad Navalón Blesa y Dr. Ignacio Husillos Tamarit
Departamento: Escultura.
Universidad: Universitat Politècnica de Valencia, Facultat de Belles Arts de San Carles.
Lectura: 25/09/17.
Mención de Doctor Internacional.
Cum Laude.

Link de la publicación: https://riunet.upv.es/handle/10251/90530


Mañas García, A. (2017). Arte y mística en el siglo XXI. La creación artística como una aproximación a la espiritualidad [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. doi:10.4995/Thesis/10251/90530

A partir de los libros de matrícula de alumnos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, y de las solicitudes de admisión conservadas en la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, se elabora una relación conjunta de los alumnos matriculados en los estudios de la Academia entre los años 1785 y 1797 cuando Francisco de Goya fue profesor en ella, aportando datos sobre edad, lugar de nacimiento, nombre de sus padres o tutores, profesiones, estado civil, preferencias de formación, etc. Este artículo se complementa con otro trabajo no publicado que cuelgo como borrador en esta misma plataforma.

Instituto Río Branco, Ministerio de Relaciones Exteriores y Ministerio de Cultura de Brasil.
Ámbitos de negociación de los derechos de autor. Comité Permanente de derecho de autor y derechos conexos de la OMPI, SCCR. Organización Mundial del Comercio, WTO, capítulo ADPIC y e-commerce. Tratados de libre comercio. Responsabilidad intermediarios y safe harbour.

La proliferación de colectivos artísticos en el siglo XIX es un fenómeno que muy a menudo algunos historiadores han narrado en términos evolutivos, explicándolos como antecedentes de los grupos de artistas que impulsaron las vanguardias e «ismos» del Movimiento Moderno típicos del siglo siguiente. Ello no deja de ser una simplificación didáctica, pues lejos de identificarse con un manifiesto estético o un estilo artístico, las agrupaciones artísticas decimonónicas solían caracterizarse, desde una perspectiva formalista, por su heterogénea mezcla de variopintas idiosincrasias. Basta recordar algunos de los más conocidos, como los nazarenos alemanes, los prerrafaelitas británicos, los macchiaioli italianos, los impresionistas o los nabis franceses, el grupo belga de los XX, o la Secession vienesa, cuyo lema era toda una proclama de liberalismo estilístico: Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit. Los cuadros de muchos integrantes de esos famosos grupos pictóricos sólo tenían en común con los de otros miembros el hecho de haberse dado a conocer conjuntamente en la esfera pública. Pocos rasgos estilísticos compartían Degas y Pisarro; pero ambos se involucraron muy activamente en las exposiciones de la Société Anonyme des artistes peintres, sculpteurs, et graveurs, creada en 1874 con el único fin de organizar muestras para promocionar y vender las obras de sus miembros. Es obvio que el análisis de estas u otras sociedades artísticas debería más bien abordarse desde metodologías sociológicas. También resulta evidente que las «comunidades de artistas», las colonias o barrios artísticos, u * Coordinador del Observatorio Aragonés de Arte en la Esfera Pública, grupo de in vesti gación de la Universidad de Zaragoza financiado por el Gobierno de Aragón con fondos del FSE. Investigador principal del proyecto I+D «Museos y barrios artísticos: Arte público, artistas, instituciones» financiado por la Secretaría de Estado de I+D+i del Ministerio de Economía y Competitividad (código HAR2012-38899-C02-01).

This work aims at exploring the existing commercial relationships between companies and celebrity artists. The main relationship is a symbiotic collaboration seeking an increase in sales to both parties.

In the present analysis, the different relationships that the company and the artist-celebrity establish with each other, and the strategies established based on the transfer of concepts from the figure of the artist-celebrity to a series of commercial products generated specifically for this purpose are explored. Also, the existing bibliography across various disciplines is analyzed, contrasting them to create a discursive line to brings them all together. The theoretical applications presented in this research are illustrated using practical cases to exemplify the various ways in which these relationships are manifested.

Dice Hal Foster, el crítico y teórico norteamericano, que el mundo contemporáneo conoce una singular mezcla de los saberes artístico y etnográfico. Los artistas, dice Foster, actúan cada vez más como analistas sociales que presentan su obra valiéndose de estrategias propias de la antropología, la sociología o la política, en una suerte de defensa del estatus teórico y conceptual de su trabajo.

Partiendo de teorizaciones de Bourdieu y Heinich y empleando estudios de casos, ponemos el acento en la importancia de los reconocimientos simbólicos para el desempeño del trabajo artístico. Exponemos porqué siendo de gran trascendencia los actos de crédito inter-cambiados entre artistas, pueden presentar un marcado sesgo androcéntrico sin que por ello reciban una sanción negativa o, incluso, sean percibidos como tales. Con las recientes figuras del comisarix-autor y del artista-comisarix, junto con una creciente reflexividad hacia las con-venciones expositivas, se ha abierto espacio para la participación de lxs artistas en el tráfico de reconocimientos. Se observa ahí unas prácticas en las que el género femenino se revela un aspecto de minusvaloración, contraviniendo los logros feministas alcanzados en las instituciones artísticas. En relación a estas cuestiones, analizamos cómo la ratio de mujeres en la formación artística continúa en ascenso mientras sigue cediendo en el desarrollo profesional. La lógica de la dominación simbólica, la definición de la excelencia, las propiedades que definen al artista y la ideología carismática apuntalan un universo persistentemente sexuado.

In this paper, we will take Bourdieu and Heinich theories and we will use cases studies to emphasize the importance of symbolic recognition for the development of artistic work. We will expose why the acts of credit exchanged among artists have a great importance, they can show a marked androcentric bias without receiving a negative sanction or even being perceived. The curator-author and the artist-curator recent figures, together with a growing reflexivity towards the exhibition conventions, have renewed the participation of artists in the recognition traffic. In these practices, feminine gender often has an aspect of undervaluation, contravening feminist achievements in artistic institutions. In relation to these issues, we will analize the increase of women in artistic education and the assymmetry with their professional careers. The logic of symbolic domination, the definition of excellence, the qualities that define the figure of the artist and the charismatic ideology underpin a persistently sexuaded universe.

El escultor navarro José Martínez, discípulo de Martínez Montañés en Sevilla y colaborador de Manuel Pereira en Madrid, fue perseguido por la Inquisición por blasfemia en la capital hispánica, por bigamia en Tudela y por simular ser familiar del Santo Oficio en Zaragoza. El proceso incoado en 1647 en la ciudad aragonesa, aquí estudiado, ofrece información relevante acerca de la cotidianeidad de los artistas de Zaragoza a mediados del siglo XVII, así como otros datos hasta el momento ignorados.

The Navarrese sculptor José Martínez, disciple of Martínez Montañés in Seville and collaborator of Manuel Pereira in Madrid, was persecuted by the Inquisition for blasphemy in Madrid, for bigamy in Tudela and for pretending to be a member of the Holy Office in Zaragoza. The process initiated in 1647 in Zaragoza, here studied, offers relevant information about the daily life of artists established in Zaragoza in the middle years of the 17th century, as well as another data so far ignored.

El presente artículo tiene como objetivo estudiar el modo en el que en "La gaviota" de Antón Chéjov circulan distintos discursos relacionados con el estatuto y la función creadora del artista, propios del contexto socio-cultural perteneciente a la transición de los siglos XIX y XX. en el plano de la ficción, Chéjov sienta las bases de un teatro del futuro que paradójicamente se identifica con el estilo de su propia drataturgia del presente.

En La Esmeralda, la desilusión funciona como el motor que incentiva la búsqueda personal. Aprender a ser originales dentro de una “localidad de semejantes” es el aporte más grande que los maestros y compañeros pueden brindar a la persona en formación. Este segundo capítulo, analiza la idea de arte que se enseña en la escuela dentro de un contexto de rompimiento de estructuras de pensamiento y acciones.

A partir de las acciones artísticas desplegadas durante las movilizaciones posteriores al 18 de octubre de 2019 en Chile, en este artículo se proporcionan ciertos lineamientos para abordar los activismos artísticos actuales y la reformulación de los cruces entre arte y política. Se propone que el estallido social ha marcado un punto de inflexión con respecto al posicionamiento político asumido por diversos artistas chilenos, cuyas producciones e intervenciones públicas acerca de la contingencia nacional nos invitan a pensar la práctica artística como una plataforma colaborativa, creativa y de resistencia, desde la cual ejercer un agenciamiento político en el marco del Chile postdictatorial. Desde esta perspectiva, se analizan los trabajos de distintos creadores y colectivos en apoyo al movimiento social (Ana Tijoux, Mon Laferte, LASTESIS y Delight Lab, entre otros) y se propone una tipología para identificar las principales características de los activismos artísticos.

Este trabajo trata aspectos referentes al pensamiento, el arte y la cultura en tiempos de Covid-19. Ahora mismo es un asunto que preocupa a muchos de los agentes que se encuentran inmersos en el mundo del arte, por ello me parece oportuno hacer un análisis sobre el contexto que hoy los determina. Nos acercaremos a las reflexiones que nos proponen grandes teóricos y analizaremos algunas de sus propuestas. Y en un segundo momento nos centraremos más en las praxis artísticas para comprobar precisamente cuales son aquellos cambios que están teniendo lugar en museos, galerías, ferias de arte, casas de subasta, el arte en la red, lo canales de difusión, los artistas y su producción en medio de la pandemia.

Resumen: El presente trabajo analiza las imágenes generadas en torno a los artistas una vez fallecidos. Pues como cualquier individuo, su cuerpo efímero acaba en la putrefacción, mientras que su condición de personaje público lo distancia del resto proporcionándole otras existencia para ser honrado. De esta forma, su memoria pervive. En primer lugar, se recorrerán los precedentes de la imagen fotográfica post mortem para posteriormente explorar algunas imágenes fotográficas de artistas
muertos durante los siglos xix y xx, haciendo especial hincapié en las dudas que suscita el ámbito nacional y en la doble función de estos artefactos: como objeto de recuerdo y como signo de propaganda, ya que ambas ideas conviven en este tipo de documento. Finalmente, el artículo se centra en el entierro de Vicente Blasco Ibáñez, sus fotografías post mortem y los problemas que las rodean.

Palabras clave: fotografía post mortem, tradición, recuerdo, poder, Vicente Blasco Ibáñez.


Abstract: The present text analyses a number of images of artists created after their deaths. Like any other individual, their ephemeral bodies are destined to rot, while their public figures provide another body to be honored, setting them apart from others. In this way, their memories are kept alive. Firstly, the paper reviews the precedents of post-mortem imagery, and it then explores some photographs of deceased artists from the 19th and 20th centuries, with a focus on issues emerging from the national context of each and from and the double-layered meaning of these artefacts, which serve both as memorial objects and as signs of propaganda, the two dimensions coexisting in this type of document. Finally, the paper examines the burial of Vicente Blasco Ibáñez, his postmortem images and the issues they raise.

Keywords: Post mortem photography, tradition, memory, authority, Vicente Blasco Ibáñez.

Nacido en Treinta y Tres del Olimar en 1942, Juan Baladán Gadea es un poeta, músico y compositor uruguayo que sufrió la prisión por razones políticas entre 1971 y 1985, tras lo cual se exilió en Breccia (Italia). Durante sus catorce años de reclusión, su actividad artística se tornó en una forma de resistencia frente a la opresión, así como motor de existencia en esas difíciles condiciones de vida. Organismos internacionales tales como Amnesty International, así como de la Association internationale de défense des artistes victimes de la répression dans le monde (AIDA) se movilizaron por su liberación. Fundada en 1979 y radicada en varios países europeos y en Estados Unidos, AIDA tenía como objetivo denunciar a través de acciones creativas la censura y violencia sufridas por artistas en cualquier parte del mundo. Además de defender casos de Europa del Este, Asia o África, AIDA actuó en la esfera pública transnacional para presionar a las dictaduras latinoamericanas, empleando la creación como forma de combatir el autoritarismo en el mundo. Motivada por el estudio de dicha asociación, la entrevista a Juan Baladán Gadea permite reflexionar sobre la maquinaria represiva desplegada en América Latina y los mecanismos culturales de resistencia a la misma.

El presente artículo trata de las cuestiones del mundo del trabajo de los artistas que
movilizaron la Asociación Argentina de Actores y la Casa dos Artistas, entre los años
de 1930 y 1945. Actualmente las dos instituciones están articuladas a raíz de las clases
que brindan los artistas en sus respectivos países (Argentina y Brasil). El objetivo del
artículo es pensar las relaciones de estas asociaciones en paralelo a las transformaciones
de la identidad del artista que, desde la década de 1940, ha comenzado a posicionarse
como artista-trabajador. Planteo que la identificación del artista con el mundo del
trabajo tiene una naturaleza transnacional, una vez que fue el resultado de intensos
diálogos y cambios internacionales por medio de giras, de transmisiones radiofónicas y
del cine internacional. Esta investigación se ubica en el campo de la nueva historial
social del trabajo y está encaminada a pensar la cuestión de la transnacionalidad.

Este trabajo parte de la necesidad de analizar y contextualizar la actividad profesional y las circunstancias economicas de los artistas plasticos y visuales en Espana, marcados por la precariedad dentro de la situacion economica, social y laboral que afecta a este sector desde el inicio de la crisis de 2008, mostrando un cambio de paradigma en las relaciones entre los distintos agentes que componen el sistema. Asimismo, pretende dar respuesta a la problematica que surge no solo de la propia consideracion del artista profesional, sino tambien de la ausencia de censos especificos que permitan analizar las circunstancias de este sector laboral. Nuestra investigacion ha constado de varias partes. En primer lugar, tras una revision de la literatura mas reciente sobre el concepto de artista, acometemos la definicion de artista profesional en el contexto laboral del sistema artistico espanol, las condiciones de trabajo especialmente precarias que afectan el sector, con altos niveles de au...

Aunque para la historiografía artística –ya desde el mismo siglo XVII– el mito del artista conflictivo e incluso del artista criminal se fijó en la figura del pintor italiano Miguel Ángel Merisi (1571-1610), más conocido como Caravaggio, llegando a explicar su obra como una manifestación de su personalidad delictiva, tanto el delito como las agresiones entre artistas o contra terceros han sido una constante a lo largo de la Historia del Arte.
En este texto indagamos acerca de la violencia en la personalidad de los artistas en la Edad Moderna, tomando como punto de partida el proceso incoado por el escultor zaragozano Tomás Lagunas (doc. 1616-1633) en Épila (Zaragoza) –sede de la importante casa condal de Aranda– en 1623, de más de doscientas páginas. Como tendremos ocasión de comprobar con detalle, Lagunas acusó a Juan de Rueda, familiar del Santo Oficio de la Inquisición, de haberle agredido violentamente sin causa justificada. Rueda se defendió alegando que el denunciante era un simple carpintero y, por tanto, un hombre sin honor ni reputación, vanagloriándose al mismo tiempo de su condición de infanzón y caballero, y de pertenecer a la familia de los Vizcondes y Señores de Rueda. Ante ello, Lagunas no dudó en responder que él era escultor, «el qual ha sido y es arte liberal y no es en manera alguna oficio mecanico, como por la parte contraria nulamente se diçe, porque aquella no se ha acontentado ni acontenta con averle afrentado, sino que quiere disimularlo con decir que su arte es oficio, lo qual es ageno de verdad».
Esta potente aseveración del denunciante obligó a los agentes de la causa a preguntar a los testigos del proceso sobre esta cuestión, lo que nos permite aproximarnos a la consideración social que los artistas en general, y los escultores en particular, tenían en el primer cuarto del siglo XVII en tierras aragonesas. Aunque, para entonces, ya hacía tiempo que en Italia habían conseguido incluir a la pintura entre las artes liberales gracias a las reflexiones teóricas de artistas y tratadistas de la talla de León Bautista Alberti, Giorgio Vasari, Benedetto Varchi, Ludovico Dolce o Leonardo da Vinci, e incluso habían zanjado la polémica acerca de la superioridad de la pintura sobre la escultura suscitada por el tema del parangone, España todavía no lo había hecho y la nobleza y liberalidad de los oficios artísticos seguían siendo debatidas en el Seiscientos. Así, gracias a este proceso comprobamos cómo en el Aragón de 1623 este problema ya era tema de debate y la defensa de la nobleza de las artes, todavía consideradas por gran parte de la sociedad como oficios mecánicos, una realidad.
Sin embargo, la información vertida en el documento judicial demostrará que el escultor Tomás Lagunas no era ningún santo y que ya se había visto envuelto en al menos otra trifurca, en esta otra ocasión contra un artista.
Aparte de todo ello, los numerosos interrogatorios llevados a cabo a lo largo del pleito ayudarán a esclarecer los hechos, pero también a conocer datos biográficos de los implicados, sus costumbres y las de la sociedad en la que se desenvolvieron, así como sus relaciones personales y profesionales. Se trata de una información relevante que otras fuentes no expresan y que, en este caso, son, además, de primera mano. Asimismo, este texto documental nos da pie para reflexionar acerca de la terminología empleada para la denominación de los oficios artísticos vinculados con la madera en el siglo XVII.

Carlos Rodrigues Brandão é antropólogo, mas também psicólogo. Com ampla trajetória acadêmica, a lista de universidades do Brasil e do exterior às quais esteve e está vinculado é vasta o suficiente para inibir nossa tentativa de reproduzi-la. Mas, aparentemente, foi na Universidade Estadual de Campinas que construiu a maior parte de sua trajetória, ainda inacabada, afinal, continua produzindo. Referência obrigatória para os estudiosos, principalmente do mundo rural e da Educação, Brandão escreveu livros que enveredam para além da Antropologia, versam sobre temas ligados à Arte, ao Meio Ambiente e à Literatura, inclusive a infantil. O Humano com toda sua potência de vida múltipla é matéria de pensamento do autor, como fica evidente no curso livre e aberto que, atualmente, coordena em seu sítio em Caldas, no Sul Mineiro. Nas palavras dele, um curso que é um “encontro entre pessoas sobre o mistério da pessoa”. Na biblioteca da casa central da Rosa dos Ventos – o sítio, um lugar de hospedagem e reflexão – ele concedeu essa entrevista um dia após uma sessão acerca do “mistério da pessoa”, no dia 3 de fevereiro de 2019. Por meio dessa conversa generosa, Brandão deixa evidenciar como a sua trajetória cruza-se às de artistas, intelectuais, ambientalistas, enfim, de toda sua gente amiga. A própria história da cidade mineira já não pode ser inteiramente contada sem o percurso biográfico e profissional do professor emérito da Unicamp. Afinal, suas andanças, como viajante – um “aventureiro”, como se definiria – ou pesquisador, criaram laços com variadas pessoas a tal ponto que foram reencontrá-lo no interior de Minas Gerais. O resultado ainda tem sido o estabelecimento de uma intelectualidade em Caldas, conforme ele mesmo conta. Sem dúvida, esse processo não deixou de trazer consequências também para a sua própria produção e vida e para as de outros, como de jovens e experientes artistas e estudiosos que circularam e moram na região, bem como para a movimentação política que fora e é praticada por aqueles que se iniciaram ali, ficando na Rosa dos Ventos.

¿Qué se ha estado haciendo por parte del Ministerio de Cultura para potenciar la producción artística y su difusión en tiempos de pandemia? ¿Qué políticas culturales se han implementado para apoyar a los creadores y demás implicados en el ámbito del arte y la cultura? ¿Qué iniciativas han llevado a cabo la red de museos y galerías para visibilizar las exposiciones que formaban parte de la agenda cultural de dichas instituciones? ¿Cuáles son los giros qué han tenido lugar en la obra de los artistas cubanos a raíz de la pandemia?

Resumen Durante la última dictadura argentina se planteó, además de las maneras de actuar política y legalmente para exigir información sobre los desaparecidos, el desafío de su representación. Si el uso de pancartas con fotografías de identidad y las siluetas primaron en Argentina para denunciar la falta de esas personas en el espacio público, en otras latitudes también se gestaron diversas estrategias estéticas con los mismos fines. Surgida en Francia en 1979 y extendida por Europa y Estados Unidos, l'Association Internationale de défense d'artistes victimes de la répression dans le monde (AIDA) se proponía defender la libertad de creación en todos los países del mundo empleando las herramientas artísticas y actuando simultáneamente desde distintos puntos de los países centrales. ¿De qué manera evidenciar la ausencia? ¿Cómo sensibilizar a la opinión pública transnacional de la desaparición forzada? Analizando su campaña de repudio por "100 artistas argentinos desaparecidos", este artículo demuestra que nombres y cuerpos fueron elementos centrales en las múltiples tácticas y repertorios estéticos empleados para representar a los ausentes y comprometer a la comunidad internacional a tomar cartas en ese asunto. Palabras-clave: Desaparición forzada; Dictadura; AIDA; Artistas; Representación; Cuerpos. Abstract During the last Argentine's dictatorship, developing legal and political procedures to inquire for disappeared people and representing their absence were both challenges. While placards with identity photographs and graphic campaigns of silhouettes prevailed in Argentina, different aesthetic strategies were created in Europe to denounce forced disappearance in the public space. Founded in France in 1979, spread around Europe and the United States, the aim of the International Association for the Defense of Artists Victims of the Repression Worldwide (AIDA) was to defend freedom of creation all over the world. How can the absence be shown? How can transnational public opinion be sensitized of forced disappearance? Analyzing AIDA's campaign for "100 disappeared Argentine artists" this article shows that names and bodies were central elements in the multiple aesthetic tactics and repertoires used in order to represent them and to commit the international community to take action on this issue.

El presente artículo estudia que factores influyen al momento de consumir cierto tipo o género de música, en este caso se analiza la música de artistas nacionales y la música de artistas extranjeros, desde el abordaje critico de “La dependencia cultural” de Luis Ramiro Beltrán.

Resumen

El presente trabajo consiste en un breve análisis sobre cómo los movimientos artísticos contemporáneos han dejado un lugar muy limitado para el desarrollo de un espacio creativo donde tengan cabida las manifestaciones de las mujeres artistas. Las creadoras han ido abandonando la pintura clásica, reducto por excelencia acotado a la heroicidad masculina, y, desde los años sesenta del siglo XX, las artistas han buscado en otros soportes y técnicas, como la fotografía, las instalaciones, la performance o el vídeo, espacios donde expresar su historia.

Abstract

This paper is a brief analysis of how contemporary art movements have left a very limited area for the development of a creative space for production by female artists. These artists have given up classical painting, the stronghold par excellence of male heroism, and since the 1960s, female artists have sought spaces to tell their story in other media and techniques such as photography, installations, and video and performance.

Obra completa en Link: https://doi.org/10.17583/brac.2017.2365  ---  Heroínas de una sociedad misógina. Teresa de Jesús atrincherada en la morada.
Mística en el arte contemporáneo
Autores (por orden de firma): Natividad Navalón, Alejandro Mañas y Teresa Chàfer
Editorial: Barcelona Research Art Creation
Ref. revista/libro (ISBN, ISSN…): 2015-8992
Volumen: Vol. 5
Páginas: 17-44
Año: 2017
Link: http://hipatiapress.com/hpjournals/index.php/brac/article/view/2365

Existe uma relação entre uma teoria estética e a imagem do artista de tal forma que podemos dizer que TODA ESTÉTICA ENGENDRA UMA IMAGEM DE ARTISTA E TODA IMAGEM DE ARTISTA ESTÁ FUNDAMENTADA EM ALGUMA ESTÉTICA. Podemos observar nas discussões acadêmicas acerca da estética e filosofia uma crescente preocupação com o conceito de gênio. Existem numerosos estudos sobre a questão focando principalmente em sua primeira fase de desenvolvimento na Inglaterra e em sua fase final de ápice e ruptura no Idealismo Alemão. Entretanto, em sua fase intermediária, representada pelo Iluminismo francês o conceito de gênio não tem tido a mesma intensidade nas pesquisas. Certamente que o conceito de "genius" atingiu seu clímax no Genielehre germânico com a filosofia estética de Hamann, Herder, Lessing e Goethe. Suas origens germânicas podem ser claramente localizadas em Kant. Entretanto, para compreender corretamente esse momento do conceito, se faz necessário compreendê-lo em seu desenvolvimento francês, o qual representa uma fase intermediária entre as origens inglesas e o clímax germânico.

En este artículo se analiza la metáfora “el público es la familia”, elaborada por el can-tante Abel Pintos (1984, Bahía Blanca, Argentina) para hacer referencia a la relación con sus seguidores. Primeramente, se hará un breve repaso por la vida del artista, su obra y su actividad actual de promoción artística. Luego, se revisarán las características prin-cipales de los movimientos de masas, en particular, en lo que hace a la relación de los artistas con su público (nivel de cohesión alto, organización para fines comunes, res-paldo y admiración por un personaje público, referencias internas, símbolos en común y uso de productos con la marca del artista). A continuación, se detallará la metodo-logía de la investigación y se presentarán los resultados del análisis discursivo de al-gunas publicaciones y comentarios de Facebook en los que la metáfora que focaliza-mos se hace presente. Se extraerán de estos las características de la relación entre Abel Pintos y sus seguidores, y se enumer...