Spanish Golden Age Theater

The present work tries to deal with some questions about the stage directions in Lope de Vega’s autograph comedies, an aspect that has been neglected by the critic and that needs to be analysed in depth. We will study three aspects (location, verbal forms and graphic indications) to contribute ideas, clarify details, launch hypotheses, and above all, invite reflection and research

Female Protagonism on the Early Modern European Stage One of the major differences between the commercial theatre cultures of early modern England and continental Europe was that, whereas in England the female roles were performed by young cross-dressed boys, elsewhere female performers were prominent figures in their industry. Indeed, actresses in countries such as Italy and Spain played an active role in the creative process of theatre-making, and could rise to lead their own acting companies and even write their own plays. With this distinctive factor in mind, this paper comparatively explores from a quantitative standpoint how playwrights across early modern Europe depicted female characters in their plays, with particular focus on Shakespearean England and Golden Age Spain. The number of lines pronounced by female characters as opposed to male ones in the works of dramatists from one or the other country indicates a significant disparity between the two, which in turn might suggest that the presence and absence of actresses in one and another theatrical culture directly affected the amount of speech, protagonism and agency allocated to female characters in their plays.

NUNCA ALABAREMOS BASTANTE LA TITÁNICA LABOR de William R. Manson y C. George Peale, quienes desde 2002 vienen editando con gran pulcritud todas las obras teatrales de Luis Vélez de Guevara, dramaturgo hoy más mencionado que efectivamente leído y estudiado. En efecto, el novelista creador de El diablo cojuelo ha eclipsado a un notable autor de comedias que rivalizó en los gustos del público con Lope de Vega, Tirso de Molina o Pedro Calderón de la Barca. Aunque se le atribuye un centenar de obras, solo ahora empiezan a resultar accesibles a la mayoría de los lectores e investigadores.

El artículo ofrece unas breves consideraciones sobre el panorama actual de los corpus textuales digitales del teatro clásico europeo, con un especial enfoque hacia el contexto español. Dentro de este ámbito, se pone énfasis en el proceso de realización y las características de la edición crítica y el archivo digital de una comedia española del siglo XVII, La dama boba de Lope de Vega. Este proyecto, que se ha realizado con fines experimentales, pretende ofrecer a la comunidad científica un posible modelo de representación de tradiciones textuales complejas que implique la superación de los límites de la edición tradicional en papel.

RESUMO: O presente artigo busca analisar a influência que as preceptivas dramáticas do Século de Ouro espanhol exerceram sobre a produção teatral portuguesa do período. Para tal, recorremos a algumas peças do dramaturgo português Antônio José da Silva, O Precipício de Faetonte, Os Encantos de Medeia e Anfitrião, ou Júpiter e Alcmena, a fim de comprovar a hipótese de que o autor português, ao emular o modelo espanhol, acaba por vezes, superando-o em questões de forma e conteúdo. ABSTRACT: This paper seeks to analyse the influence of the Spanish Golden Age's dramatics preceptives had on the Portuguese theatral production of the period. To this end, we resort to O Precipício de Faetonte, Os Encantos de Medeia and Anfitrião, ou Júpiter e Alcmena, by the Portuguese playwriter Antônio José da Silva, to prove the hypothesis that the author, to emulate the Spanish model, sometimes surpassing it in matters of form and content. Assi que, um, pela infâmia que arreceia, E o outro, polas honras que pretende, Debatem, e na perfia permanecem. Luís de Camões. OS LUSÍADAS

e l mundo académico se está acostumbrando estos últimos años al género anglosajón del companion, es decir, a un vademécum más bien orientado a los alumnos pero también utilísimo para los estudiosos que necesiten una introducción rápida a un género, autor u obra determinados. Los lectores del Anuario Lope de Vega conocen sobradamente el notable A Companion to Lope de Vega (Tamesis, Woodbridge, 2008) editado por alexander samson y Jonathan Thacker, libro que repasa con rigor pero claridad la biografía del autor, su formación, su relación con el teatro, la publicación de sus comedias, su lírica, etc. el libro que nos toca hoy reseñar, A Companion to Early Modern Hispanic Theater, incumple con nuestras expectativas sobre el género, pues la mayoría de los artículos en él incluidos (y los hay de excelente calidad) no son introducciones a aspectos del teatro áureo ni responden a la organización panorámica de un companion, y sí, más bien, a la de una colectánea temática bastante laxamente reunida. son cuestiones que la editora del volumen, Hilaire Kallendorf, expone brevemente en una introducción de casi dos páginas y media. en ella presenta el libro como una «up-to-date guide to research in this field», «a serious, panoramic, state-of-the-art handbook in english to chart a course for future work» (p. 1) al que profetiza con gran optimismo un futuro envidiable: «This book is destined to be cited often» (p. 2). su retórica es quizás más propia de otros géneros, y no de una introducción, pero el augurio podría cumplirse, pues algunos de los artículos del libro son muy

Este conjunto de trabajos examina la representación del otro en distintas expresiones de la literatura hispánica: novela, cuento, poesía, teatro, zarzuela, memoria, relato de viajes, entre otras. Asimismo, se sigue una perspectiva diacrónica que abarca desde la literatura del Siglo de Oro español hasta la literatura latinoamericana más actual.

Cubierta e índice de la edición de "La vida es sueño" hecha para la editorial Peter Lang (2021). La cubierta es Segismundo III de Polonia, retratado por Rubens.
La edición incluye las dos versiones de La vida es sueño (1634 y 1635), cotejando las ediciones de Sevilla, Lisboa, Zaragoza, y Madrid.

Arte nuevo de hacer comedias www.revistes.uab.cat/anuariolopedevega RESEÑA Lope de Vega, Arte nuevo de hacer comedias, ed. Evangelina Rodríguez, Castalia / Acción Cultural Española, Barcelona / Madrid (Clásicos Castalia, 313), 2011, 352 pp. ISBN: 978-84-9740-407-5. Rafael Ramos (Universitat de Girona) C on sus multitudinarios congresos internacionales (Almagro, Craiova, Florencia, Madrid, Niterói, Olmedo, Pamplona, Valencia…), monografías monumentales, ediciones conmemorativas y traducciones, 2009 fue, claramente, el gran año del Arte nuevo, que celebraba así sus primeros cuatro siglos de existencia. A rebufo de todos esos eventos, y fechada expresamente en otoño de 2009 (aunque en la «Bibliografía» se ofrecen referencias completas a trabajos publicados en 2010 y 2011), aparece ahora la cuidada edición de una gran especialista en teatro del Siglo de Oro como es Evangelina Rodríguez. De hecho, resulta un tanto irregular llamar «edición» a su trabajo, pues excede sobradamente esa denominación. La «Introducción» es más bien una amplia, completa e inteligente monografía (pp. 9-259), a la que sigue, sí, una nueva edición (pp. 281-348) del texto analizado.

A inicios del siglo XVII, la populosa, activa y opulenta Sevilla es, también, la ciudad del delito y el libertinaje; de las «malas artes», como dice Deleito y Piñuela, a la que acuden «aves rapaces ansiosas de lucro o explotación: gitanas embaucadoras [...], rameras, truhanes, aventureros y ladrones» 1 . Es allí donde posiblemente Tirso, según la más fiable atribución de la autoría de la obra que estudio, no gratuitamente ubica a «uno de los más fascinantes canallas que ha dado la historia literaria» 2 : don Juan Tenorio. Parte del interés que despierta este personaje se debe a que no se mide con los estereotipos que en la época privan sobre la gente indigna que pulula en el lugar, hecho que lo hace sobresalir. A diferencia de los infames comunes y conocidos, el autor hace pertenecer a don Juan a los más altos estratos de la nobleza, pero trasgrede criterios particulares de honor que se dictan para su estamento 3 . Es, en síntesis, «el gran burlador de España» (vv. 1279 y 1487) 4 , como en dos ocasiones se pone en voz del criado Catalinón, pues tal es su especial gozo: 1 Deleito y , p. 190. 2 Walde Moheno, 2007b Hay otros personajes nobles que tampoco quedan bien parados, pues son disolutos o corruptos. 4 Cito con base en mi propia edición. Las referencias a los versos siempre aparecerán entre paréntesis y en el cuerpo del texto.

Reviews SYMPOSIUM •·.157 espeeialmente en elcaso de .Lorea. . Soufas ofrece sin embargo un modo valiosode acerearse a estes autores como verdaderosprofesionales •del 'arte, y como tal, implicados en su quehacer en su totaIidadexistencial, entendida esta como.actitud•personal, .social.ypolitica. It.veces .las leeturas resultan un tanto repetitlvasypredeclbles, .y que elpoema concreto tiende a perdersu singularidadalamoldarse.al paradigma entice .adoptado. Nopor ellopierde valerelacercamieatoqueen sumayoria producesutileslecturas, asien elcasode tostresultimosautores. Yaseaproducto de una voluntad Intelectual, ya de unas vocesInterioresimpesibles de discemir totalmente, estos antares sobresalen por su afande crear un arte superior que, comoaficazmente presenta Soufas, seemplazadentro del marco delmodernismo, mas alla de los limitadores parametres de generacion.

The term "maurophilia" was coined by Georges Cirot in a series of articles published in the Bulletin Hispanique during the years of the Second World War. Since then, the idealized image of the Moor in the many genres of Golden Age literature has been interpreted as a nostalgic look at the Islamic cultural past, or as an expression of dissenting voices in a space overwhelmed by the ubiquitous surveillance of the Inquisition, the persecution of minorities, and the obsession with blood purity as structuring criteria for social hierarchies. This article revises the concept of maurophilia in light of Lope de Vega's Jorge Toledano (1595-97), a rarely studied captivity play, in which the idealized relations between Moors and Christians serve as an instrument to exalt notions of lineage and genealogical purity, as well as to repudiate the Morisco communities during the years leading up to the expulsion.

La autoría de la obra se ha discutido largamente desde antaño: tradicionalmente se ha partido de la autoría de Tirso de Molina, pero con las candidaturas de Claramonte y Mira de Amescua ya presentadas. Evitando polémicas, considero a Tirso como autor de la obra: la princeps, único documento explícito conocido, está a su nombre (Arellano en su estudio preliminar de la comedia, 2007: 57) y no se le puede negar a Tirso ser el dramaturgo por excelencia de la burla (Vitse, 2004: 212). Aparte, se conoce una suelta titulada Tan largo me lo fiáis, atribuida sin fundamento a Calderón e impresa entre 1650 y 1660: presenta un texto similar pero con diferencias importantes, cuya relación con El burlador se discute. 2 Como señala Márquez Villanueva, «Del modo más paradójico, su naturaleza profunda consiste en no poseer otra que la que el vaivén de cada época quiera asignarle» (1996: 11). Weinstein (1959) cifra en más de quinientas las recreaciones de don Juan. 3 Para una panorámica ver Banús y Galván (1995).

Lope de Vega en su comedia El divino africano cuenta la conversión de Agustín de Hipona del maniqueísmo al cristianismo y su posterior santificación. Si bien la materia no resulta demasiado original, sí lo es, en cambio, el enfoque que el dramaturgo otorga a su obra. En ella, se busca mostrar la vida del protagonista y también sus milagros, todo representado de una manera sobria, ciertamente alejada de la espectacularidad teatral típicamente barroca, para que el espectador no olvide la lección moral. Es cierto que ocurren sucesos extraterrenales, como visiones, apariciones divinas y demoníacas o sueños premonitorios, pero cada una de estas ocasiones le sirve al autor para introducir diálogos y monólogos en los que se muestran los problemas de fe del obispo de Hipona y sus reflexiones internas.

The purpose of this paper is to underline some aspects of the play La vida es sueño (Life as a Dream), arguably the best known play by the Spanish Golden Age dramatist D. Pedro Calderón de la Barca.  There have been extended reviews from many different experts to try to better understand this masterpiece of literature.  This paper analyzes the work from multiple perspectives.  The first analysis is the one of the characters closest to the protagonist, in particular King Basisio and Rosaura, whose interaction with the main character, Sigismund, give form and develop the play’s theme.  The secondary focus is on two key moments where the protagonist reflects over existence and his position in life, since “struggle” is the word that summarizes the play’s plot.  The paper concludes with a reflection over the multiple levels of understanding of the dichotomy awake versus sleep in the play, since there are multiple references throughout the play to the state of dreaming and being awake. In the end, this study proves that La vida es sueño is more than an ordinary play, but a monument to self-realization through life’s struggle.

In this volume, Nicholas R. Jones analyzes white appropriations of black African voices in Spanish theater from the 1500s through the 1700s, when the performance of Africanized Castilian, commonly referred to as habla de negros (black speech), was in vogue.

Focusing on Spanish Golden Age theater and performative poetry from authors such as Calderón de la Barca, Lope de Rueda, and Rodrigo de Reinosa, Jones makes a strong case for revising the belief, long held by literary critics and linguists, that white appropriations and representations of habla de negros language are “racist buffoonery” or stereotype. Instead, Jones shows black characters who laugh, sing, and shout, ultimately combating the violent desire of white supremacy. By placing early modern Iberia in conversation with discourses on African diasporic studies, Jones showcases how black Africans and their descendants who built communities in early modern Spain were rendered legible in performative literary texts.

Accessibly written and theoretically sophisticated, Jones’s groundbreaking study elucidates the ways that habla de negros animated black Africans’ agency, empowered their resistance, and highlighted their African cultural retentions. This must-read book on identity building, performance, and race will captivate audiences across disciplines.

Induráin (eds.) BIADIG | BIBLIOTECA ÁUREA DIGITAL DEL GRISO | 54 Publicado en: Javier Espejo Surós y Carlos Mata Induráin (eds.), Preludio a «La dama boba» de Lope de Vega (historia y crítica), Pamplona, Servicio de Publicaciones de la Universidad de Navarra, 2020, pp. 111-129. Colección BIADIG (Biblioteca Áurea Digital), 54 / Publicaciones Digitales del GRISO. ISBN: 978-84-8081-670-0. LA POLIMETRÍA EN LA DAMA BOBA: FUNCIONES POÉTICAS Y DRAMÁTICAS * Fausta Antonucci Università Roma Tre 1. Cuando Lope compuso, en 1613, La dama boba, en una etapa de plena madurez creadora, hacía ya muchos años que dominaba con maestría la fórmula de la comedia urbana. Con respecto a comedias más tempranas, como El acero de Madrid, La dama boba muestra una mayor regularidad estructural: la acción se desarrolla mayoritariamente en la casa madrileña de Otavio y de sus hijas Nise y Finea, y dicha concentración espacial se refleja en un número reducido de bloques escénicos caracterizados por una unidad espacio-temporal y delimitados por un momento de tablado vacío (los llamados cuadros) 1 : dos en el acto primero, cuatro en el segundo, mientras que el tercero es un cuadro único. Al contrario, es elevadísima la cantidad de cambios métricos, aunque no lo es tanto el número de formas estróficas utilizadas: de hecho, si se observa el esquema final, salta a la vista que la armazón métrica de la comedia está constituida por las redondillas y * Este trabajo reelabora, con algunos ajustes y modificaciones, otro anterior mío (Antonucci, 2009). 1 Ruano de la Haza, 1994, pp. 291-294. Se trata de un concepto ya muy utilizado sobre todo en ámbito anglosajón (aunque por ejemplo Dixon, 1994, p. 388, declara preferir el término salida). No necesariamente un momento de tablado vacío por sí solo da lugar a un cambio de cuadro, como aclara Ruano de la Haza con varios ejemplos. En La dama boba es el caso, en mi opinión, del tablado vacío que se da en coincidencia con el v. 2930: aunque hay un cambio de forma métrica, acción, espacio y tiempo son totalmente continuos.

Los entremeses son el hermano pequeño del teatro de Cervantes, con los que logra brillar más que en sus comedias y tragedias. En los ocho entremeses despliega Cervantes un amplio abanico de ideas, recursos y temas. Un libro con el que el autor del "Quijote" pretende dar un golpe en la mesa dramática del Siglo de Oro.

he aim of this study is to perform an evaluation of one hundred Spanish Golden Age theatre plays of undisputed authorship using the R package stylo, the stylometric analysis tool developed by Eder, Rybicki, and Kestemont (2016). In this paper we will determine which algorithms obtain best results on authorial classification (method, MFW, culling, and word n-grams). We will also evaluate the text length at which stylometry begins to be an effective diag­nostic tool for authorship attribution in our corpus. This cross-validation evalua­tion can serve future analysis of similar corpora and will show the possibilities of applying stylometry to Spanish Golden Age theatre, which presents many cases of dubious authorship.

Una amplia monografía sobre el teatro de Calderón, que ahonda en sus circunstancias vitales, históricas y literarias. Organizada por géneros teatrales, ofrece un panorama completo de su producción dramática, y una bibliografía esencial y comentada.

“El Cancionero de Abraham Israel, un manuscrito sefardí de Gibraltar del siglo XVIII”, Proceedings of the Fourteenth British Conference on Judeo-Spanish Studies, ed. Hilary Pomeroy,Christopher J. Pountain y Elena Romero, Londres, Queen Mary-University of London, 2008, pp. 73-84.
Presentación del Cancionero de Abraham Israel, un manuscrito sefardí de Gibraltar del siglo XVIII, que se conserva en la Biblioteca Nacional de España. Se aportan datos sobre su procedencia (perteneció al bibliófilo inglés sir Thomas Phillipps), su contenido y la personalidad de su compilador

Hay asuntos delicados que rozan —o se meten del todo— en el área del tabú: si el sexo siempre anda de por medio, el peligro se dispara con la prostitución y la madeja se puede enredar todavía más en sus reflejos artísticos, que viven en el quicio entre el documento y el monumento. Si se piensa un poco, las cosas de putas tienen muchos componentes, personajes y variedades; si se escarba algo más, saltan actitudes de todo pelo (de la afición a la condena, pasando por la regulación oficial), idas y venidas en el tiempo… Y, claro está, literatura, mucha literatura, porque los escritores también pueden tener la mente calenturienta. Entre otros ingredientes, la fuerte conexión del sexo con la vida explica la fascinación por la prostitución, que es —si se quiere— otra cara del amor y una parcela de liberación con tanto de mala fama como de peligroso deseo. Por eso, no puede ser que la tan cacareada «profesión más antigua del mundo» sea la única que quede fuera de la historia, por lo que este libro trata de explorar algunas facetas de las putas de papel del Siglo de Oro desde La Celestina a ciertas representaciones artísticas.

En este trabajo analizamos Los empeños de una casa de Sor Juana Inés de la Cruz, una versión de la comedia de capa y espada en la que los valores patriarcales se critican y subvierten, mientras que los personajes femeninos adquieren complejidad y un inusitado protagonismo, pues en ellos se refleja cómo las mujeres de la época encaran los obstáculos que valores masculinos como los códigos del honor y la honra les imponen.

Montaner, Alberto, Política, historia y drama en el cerco de Zamora: La «Comedia segunda de las Mocedades del Cid» de Guillén de Castro, Zaragoza, Prensas Universitarias, Universidad, 1989, 220 pp. + [2] h. (Humanidades, 11).— ISBN 84-7733-107-3

El corpus dramático de Lope de Vega es uno de los más estudiados en el teatro barroco español, pero todavía encierra numerosas lagunas que quedan por aclarar. En el presente trabajo
estudio el manuscrito que se conserva de una comedia titulada Mujeres y criados en relación con una comedia homónima de Lope que varios catálogos dan por perdida. En la primera parte demuestro la autoría lopesca de la obra a partir de elementos internos del texto y de la relación que guarda el manuscrito con noticias proporcionadas por documentación de la época. En la
segunda parte del artículo estudio las características más relevantes de esta comedia, destacando su inserción en el género de la comedia urbana, la subversión que se lleva a cabo de ciertos temas, como las jerarquías sociales o el honor, y el papel predominante que Lope concede a las mujeres en la trama de la obra.

El suicidio (o muerte por desesperación) es un motivo frecuente en la dramaturgia y novelística (y hasta en algún poema) de Cervantes, que acoge esta impactante modalidad de muerte según una diversidad de formas, estrategias y sentidos. De La Galatea a Don Quijote y de las Novelas ejemplares y el teatro hasta Los trabajos de Persiles y Sigismunda, este trabajo explora las variaciones cervantinas sobre el suicidio, teniendo en cuenta su alcance (de la amenaza a la consumación), sus motivaciones (amor, honor, religión) y su función, en relación con el concepto de decoro y el género en cuestión. Con esta perspectiva panorámica se pretende avanzar hacia una mejor comprensión de la dimensión y del sentido del suicidio en la producción de Cervantes como un todo. / Suicide (or death by desperation) is a frequent motif in Cervantes’ drama and prose (and even in some poems), wherein one finds this impressive form of death in a diversity of manners, strategies and senses. From La Galatea to Don Quijote and from the Novelas ejemplares and the theatre to Los trabajos de Persiles y Sigismunda, this article aims to explore the Cervantine variations on suicide according to its range (from menace to commission), its causes (love, honour, and religion) and its function, in relation with the concept of decorum and the literary genre. This perspective tries to advance a better understanding of the dimension and sense of the suicide motif in Cervantes’ production as a whole.

Resumen: Años después de la malograda campaña de Carlos V sobre Argel (1541), ese desastre mayúsculo de la historia militar de España cobra rasgos folclóricos. La derrota se atribuye a la intervención de una hechicera argelina, quien habría invocado a los demonios para provocar el naufragio de la armada imperial. Referencias a esta figura emergen paulatinamente en obras cronísticas y piezas dramáticas de finales del siglo XVI y principios del XVII. Con especial atención a la historiografía del período y a La mayor desgracia de Carlos Quinto (1623), drama de Luis Vélez de Guevara, este artículo analiza cómo el hecho histórico se transforma en leyenda popular, rastreando la evolución del mito y sus variaciones, examinando el modo en que obras cronísticas y literarias dialogan en la producción de significados múltiples, y proponiendo, a la luz del corpus, una lectura del fenómeno con atención a la realidad política y social que le da sentido.

In this article, I suggest that the analysis of a few episodes in El perro del hortelano, thanks to the play's credible Mediterranean context, can help qualify its adscription to the genre of palatine comedies. My aim is to contribute to our understanding of how Lope, in a period of creative maturity, not only reshapes and updates the literary material of his sources, but also demonstrates that the blending and hybridization of genres lies at the core of his Comedia Nueva. Throughout the article, I engage diverse critical readings of the play and consider them within the context of recent contributions in Mediterranean Studies. I likewise analyze several of the play's dramatic themes related to the Mediterranean Sea and draw attention to its ingenious conclusion. Finally, I explain why Lope chooses the gracioso to end the plot by impersonating a Greek-Armenian merchant, a figure only comprehensible at the beginning of the seventeenth century.

En este trabajo sugiero que el análisis de algunos episodios de El perro del hortelano a través de su verosímil contexto mediterráneo puede ayudar a matizar su adscripción al género de las comedias palatinas. Con ello quiero aportar claves para entender cómo Lope, en un período de madurez creativa, no solo reorienta y actualiza el material literario de sus fuentes, sino que también muestra una vez más que la mezcla e hibridación de géneros está en la base de la Comedia Nueva. A lo largo del artículo complemento diversas aportaciones críticas sobre la obra con los así llamados Estudios Mediterráneos, analizo múltiples rasgos dramáticos de la pieza vinculados a este mar, e incido especialmente en su ingeniosa conclusión; finalmente propongo una explicación respecto de por qué Lope elige para resolver la trama que el gracioso encarne precisamente a un mercader intermediario greco-armenio, una figura solo entendible a principios del siglo XVII.

(En): If we look for the representations of the old theatrical type of the braggart soldier in the Spanish theatre of the 16 th century, we soon discover that practically no Spanish avatar of the type corresponds completely to the numerous examples of the ancient Greco-Roman archetype. However, it is possible to find several characters who, although they do not comply with all the tiny nuances of the characteristics, approach the said archetype in many points. In the theatre of the sixteenth century the character of Sigüenza of the short play El Rufián cobarde written by Lope de Rueda could be the first of them. Extracted the absence of boasting about conquests of women, typical for a braggart, but unnecessary for a character with features of ruffian, Sigüenza is presented as one of the perfect and crystalline realizations of the archetype. And this is not little to affirm, considering the complexity of the modifications that the characters of the theatre of the 16 th century present to us.

Griselda compuesta por el único poeta y representante Navarro Introducción, edición y notas de Guillermo Carrascón, Anejos de Artifara, UNIVERSITÀ degli STUDI di TORINO. Junto con el texto de la edición modernizada de la primera rendición teatral hispánica de la historia de Griselda (Boccaccio, Dec X 10, Petrarca, De insigni obedientia et fide uxoria) se da también el de la versión contenida en la traducción de Vinyoles del Supplementum chronicarum mundi de J. F. Foresti.

Publicado en: El teatro barroco revisitado: textos, lecturas y otras mutaciones. Ed. de Emilia I. Deffis, Jesús Pérez Magallón y Javier Vargas de Luna. Puebla, Montréal y Québec: El Colegio de Puebla, McGill University y Université Laval, 2013. Al artículo le quitaron, sin aviso, todas las referencias bibliográficas que tenía a pie de página, así que fue recortado en la edición. Trata sobre las distintas comedias que se realizaron en el Siglo de Oro con la temática de las amazonas, cómo se enfocó el tema en cada una de ellas, y la representación de la amazona en el teatro y en imágenes (con un añadido sobre la versión italiana de una de las comedias).