Trabajo Práctico n°1

de Reflexión artística
I
Guía de lectura

Gamarra Ivan

89635

Reflexión artística I

Daniela Olivera

Dirección cinematográfica 3-3

Segundo 24-08-15
 1- Mencione los distintos rasgos característicos y definitorios en una
obra de arte según Tatarkiewicz. Relacione las siguientes obras con
esta idea. 1. Marcel Duchamp, “Rueda de bicicleta” (1913). 2. Willem de
Kooning “Mujer” (1952). 3. “La Gioconda” (1503) de Leonardo da
Vinci. Reflexione y analice las imágenes.

Según el esteta polaco Wladyslaw Tatarkiewicz (1886-1980), los rasgos

característicos y definitorios para que una obra sea considerada arte son los
siguientes:

-Producir belleza: idea desarrollada en el Renacimiento, época donde surge la

expresión de “bellas artes”, donde se trata que todas las partes de la obra
converjan “hacia una belleza única”.

-Representar o reproducir la realidad: derivado del concepto clásico de mímesis

(imitación o representación de la naturaleza como fin esencial del arte).

-Crear formas: dotar a la materia de forma, para crear un nuevo concepto de arte.
Aristóteles decía que lo único que se exige a una obra es que tenga una forma.
Según Tatarkiewicz esta es una de las definiciones más modernas de arte.

-Expresar: el artista utiliza la obra como medio para transmitir sensaciones,

emociones e ideas.

-Producir la experiencia estética: el acento se coloca en el receptor, es decir

en el espectador que queda como un miembro partícipe de la obra, y puede tener
un espectro de percepción muy amplio.

-Producir un choque: involucra al espectador y al efecto que la obra produce en

él.

Para sintetizar estas definiciones, Tatarkiewicz enuncia: Una obra de arte es la

reproducción de cosas, la construcción de formas, o la expresión de un tipo de
experiencias que deleiten, emocionen o produzcan un choque. Arte es aquello que
proporciona alimento espiritual, es el producto de una actividad humana
consciente.
Marcel Duchamp: Rueda de bicicleta (1913)

El concepto de arte, no es universal, ni eterno, cambia según las culturas y los

tiempos históricos.

Según las palabras de Peter Burger: “La provocación de Duchamp no sólo

descubre que el mercado de arte, que atribuye más valor a la firma que a las
obras sobre la que ésta figura, es una institución cuestionable, sino que hace
vacilar el mismo principio del arte en la sociedad burguesa, conforme al cual el
individuo es el creador de las obras de arte. Los ready-mades de Duchamps no
son obras de arte, son manifestaciones”.

Marcel Duchamp (1887 – 1968) es

reconocido por el ready-made, en el cual
presentaba objetos manufacturados,
simples y cotidianos, los firmaba y
presentaba en salas de exposiciones,
con el objetivo de probar que el arte es
una actitud mental que residía en los
espectadores.

Teniendo en cuenta los distintos rasgos

característicos que propone
Tatarkiewicz, sobre el arte, puedo
concluir que la obra de Marcel Duchamp
no trata de producir ni representar la
realidad, es decir que su obra no
presenta la mímesis característica de las
obras que se realizaban anteriormente,
como en la época del Renacimiento,
donde se buscaba la armonía y la divina
proporción. Él se ponía en un lugar de
rebeldía, sintiendo un cierto rechazo y provocando a las normas establecidas
hasta ese momento. Duchamp construyó una escultura con objetos ya existentes,
un banco y una rueda de bicicleta. No presenta una belleza convencional, sino que
trata de producir un choque en la percepción del espectador y en la definición que
este podía/pueda tener sobre el arte. La obra para mí trata de representar lo
irónico, la crítica y la ruptura directa a los paradigmas establecidos, y creo que no
trata de buscar un sentido concreto, ni un valor moral o estético.
Willem de Kooning: Mujer I (1952)

“Lo bello no siempre está en las cosas bellas. Asimismo, lo feo, en su mayor
dosis de atrocidad, de violencia y destrucción, puede llegar a poseer una cuota
tan fuerte de atracción como lo bello”, afirma Elena Oliveras en Estética, la
cuestión del arte.

Willem de Kooning (1904 - 1997),

nacido en Holanda y nacionalizado
estadounidense, fue uno de los
máximos representantes del
expresionismo abstracto.

Basándome en los rasgos definitorios

y característicos del arte que propone
Tatarkiewicz, puedo decir que la
producción de belleza y la
representación de la realidad no son
los elementos que se puedan
destacar a primera vista en esta
obra. De Kooning justamente huye
de todos los parámetros establecidos
en cuanto a la forma de pintar y
representar el arte. Eliminó la
composición, el orden, las relaciones,
la luz, y acaba con la jerarquía entre
fondo y figura. Emplea trazos vigorosos, amplios y muy marcados. No crea una
forma concreta, crea manchas que desdibujan la figura, las líneas de la imagen
se mezclan con el fondo, y no busca implementar la mímesis como parámetro
de su obra. Crea un nuevo universo, dando una nueva forma a la mujer,
representándola de forma desproporcionada, asimétrica y no figurativa, que en
muchos casos puede resultar agresivo y hasta monstruoso y generar
desconcierto, repudio y/o aversión. En cuanto a mí, creo que de Kooning fue
un innovador en cuanto a la forma de representar el arte y aplicar el color, la
obra si bien a primera vista me genera cierto impacto, no me genera ningún
disgusto y me parece una obra que aporta originalidad.
Leonado da Vinci: La Gioconda (1503)

Leonardo da Vinci (1452 - 1519) fue uno de los artistas más importantes del
Renacimiento. Fue un polímata, entre sus muchas actividades destacaba las
de pintor, arquitecto, anatomista, científico, escritor, entre otras cosas.

Una de las obras más famosas y

enigmáticas de la historia fue La
Gioconda, conocida también como La
Mona Lisa. Analizándolo desde los
rasgos característicos y
representativos que definen el arte
que propone Wladyslaw Tatarkiewicz,
puedo concluir en que es una obra
dotada de belleza y que cumple con
las características propias de la
época en la que se pintó, el
Renacimiento, cumpliendo con la
armonía y la divina proporción, todo
en el cuadro está perfectamente
compuesto. Es una obra que busca
representar la realidad, es decir pintar
a una dama, cuya identidad hasta el
día de hoy se sigue cuestionando.
Además conociendo al artista que la
pintó podemos saber que fue uno de
los artistas y botánicos que más
tiempo dedico el estudio de la anatomía mediante la observación de modelos
vivos, animales y cuerpos de personas muertas, en el que estudiaba los
músculos, los movimientos y las expresiones faciales, por lo cual en sus obras
intenta representar fielmente la realidad mediante colores y formas.

Es una obra que al verla de ninguna manera puede generar rechazo, sino más
bien genera equilibrio, tranquilidad y de cierta manera curiosidad, ya que al
observar detenidamente la expresividad de esta mujer en apariencia
armoniosa, sus gestos, su mirada y su sonrisa nos invitan a cuestionarnos
¿qué esconde esta mujer misteriosa?, ¿qué nos quiere decir su mirada?, ¿qué
nos quiere transmitir su sonrisa? Queremos buscar la historia detrás de la
pintura.
 2- ARTE Y BELLEZA EN LA ANTIGÜEDAD.
Desarrolle el concepto de "mimesis". ¿A qué se refiere Platón en "la
metáfora del espejo"? En la degradación ontológica del arte, ¿en qué
lugar queda el artista? En la idea de Belleza de Platón, ¿qué otros
conceptos intervienen? Desarrolle.

-El concepto de mímesis, está ligado íntimamente al arte. En un momento, el

sentido fue más profundo que aquello que podría indicar la palabra imitación,
pero también puede significar representación. Dentro de la representación
teatral, W.K Guthrie señala que, la relación entre un actor y su papel no es
exactamente imitación, sino que el actor se mete en el papel, o más bien el
papel se introduce dentro del actor, que lo representa con sus palabras y
gestos. En cuanto a la pintura la mímesis busca representar un sentido lo más
fielmente posible de la naturaleza o de la realidad.

-Platón, en los textos de la República (X), habla de la metáfora del espejo,

donde nos dice que lo que produce el espejo son simples fenómenos, su ser no
es el ser de verdad, conformes a la realidad. El espejo produce fantasmas que
no corresponden a la realidad, el mismo no ofrece nada más que imágenes, es
decir creaciones.

-También, Platón ilustra la degradación ontológica del arte a través de tres

grados de la realidad, poniendo como ejemplo las tres camas:

 El primer grado de realidad: la idea de cama, por la cual la cama es

cama, es obra del Demiurgo, del divino artífice del mundo de las ideas.
 El segundo grado de realidad: corresponde a la cama sensible que
fabrica el artesano, es una copia imperfecta, realidad degradada con
respecto al primer grado de realidad.
 El tercer grado de realidad: corresponde a la imitación que hace el
artista, a la obra que hace representando lo que él percibe y que está
materializado, que a su vez es una copia del primer grado de realidad.
Por lo tanto el artista quedaría en el tercer grado de la realidad, según lo que
propone Platón con la degradación ontológica.

-Platón escribió en el Banquete, “si hay algo por lo que vale la pena vivir, es por
contemplar la belleza”. El concepto de belleza al que se refiere Platón, y que
era dominante en su época, no es el mismo del que podemos hablar nosotros.
Para nosotros algo bello, un objeto, una persona, una canción, tiene que ver
con las formas, los colores, la melodía de dicho objeto, persona o canción, para
nosotros algo bello es lo que da placer y cierto agrado a la vista, al tacto, y a
los sentidos en general. Platón entenderá la belleza indisolublemente unida a lo
bueno, a la armonía, a la medida, a lo matemático y a la proporción; “lo bello no
carece de proporción”, “la medida y la proporción son la belleza y la virtud”
decía en su madurez.

Existen las casas hermosas, las mujeres y hombres bellos, pero solamente en
un sentido puramente estético. Para Platón, al margen de lo estético, la belleza
abarca también la virtud, el bien, la verdad y sobre todo la sabiduría y el
conocimiento.

Así que cuando Platón habla de belleza, no se está refiriendo únicamente a

aquello que da cierto placer sensorial y que agrada a los sentidos, sino a todo
aquello que aporta conocimiento y sabiduría.

3- ARTE Y BELLEZA EN LA EDAD MEDIA.

¿Cuál es la idea y la función del arte en el medioevo? ¿Qué relación

tenían con lo artístico, lo creativo, el conocimiento, el simbolismo, la
divinidad y lo religioso?

El Medioevo fue un larguísimo período que duró aproximadamente del S. V al

S. XV, que supuso un medio entre dos épocas muy importantes de la historia:
la Antigüedad clásica y el Renacimiento. La Edad Media había sido dominada
por la fe Cristiana, se tomó lo religioso como tema único y central de todo tipo
de obras y aparece la Santa Inquisición.

En esta época no existía la concepción de arte y artista como las tenemos

ahora, los artistas no eran libres en cuanto a representación de sus obras, sino
que eran subordinados y trabajaban para la corte, el artista no creaba sus
obras a partir de sus propias ideas y las expresaba, sino que tenía que
interpretar la biblia y representarla en la obra. El artista no fue considerado una
individualidad creadora que imprimía su sello personal a la obra, es decir que,
el artista no firmaba, ni era dueño de su arte. La pintura y la escultura no
estaban asignadas a un grupo concreto, y en la práctica social, eran tratadas
como productos de artesanos, los artistas actuaban dentro de gremios o
corporaciones formadas por maestros, oficiales y aprendices de un mismo
oficio, que protegían a los trabajadores, surge la idea de comunidad. El arte no
era una expresión, sino una construcción. Las ideas eran simbólicas y
alegóricas, estaban elaboradas en torno a un profundo sentimiento religioso,
Dios se manifestaba en la biblia y en la naturaleza en forma de símbolos, su
mensaje debía ser interpretado y el arte así debía representarlo. El hombre
medieval vivía en un mundo pleno de significados, de remisiones y de
manifestaciones de Dios.
 El arte era una forma principal de hacer llegar al pueblo el dogma cristiano,
como lo muestran los frescos y vitrales que decoraban las iglesias, además,
pretendía enseñar a través de la biblia de los pobres y así generar un
acercamiento o contacto entre el pueblo y el mensaje cristiano, había un cierto
control de la verdad. En cuanto a lo artístico no había idea de dimensión y
perspectiva, eso recién aparece en el Renacimiento. No había propiedad
intelectual, ni idea de naturalismo, la creación quedaba en mano de lo divino.

4- NEOCLASICISMO HISTORICO

Ubique temporal y cronológicamente. ¿Qué características propias tiene?

¿Qué semejanzas con la antigüedad clásica? ¿Qué relación con el
renacimiento?

La pintura neoclásica es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década

de 1760 aproximadamente, y que se desarrolló en toda Europa, arraigando
especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830. Su impulso inicial no
vino de la mano de los artistas sino de los filósofos, los representantes de la
Ilustración en Francia. Hombres como Diderot y Voltaire protestaron contra el
relajamiento moral del estilo rococó y, por asociación, contra el régimen que lo
había engendrado. Reclamaban un arte racional, moral y con principios.
Fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del
hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración, generando a su vez
importantes cambios sociales, políticos y económicos. Junto a la Ilustración, la
Revolución francesa y la Revolución industrial influyeron ampliamente en esta
nueva forma de expresar el arte.

El Neoclasicismo buscaba reflejar la belleza y la perfección formal a partir de

la vuelta a las raíces clásicas. Estaba ligado al arte del mundo antiguo,
grecorromano, y a aquello que fue considerado como su renacimiento en la
cultura humanista de los siglos XV y XVI. Buscaban resucitar los modelos del
Arte Antiguo, porque veían en ellos encarnadas la virtud y así lograr la
perfección del mundo. Pedían un arte dirigido por la razón y no por el
sentimiento, en el que la perfección técnica dominara sobre la improvisación y
la imaginación.

La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero como
esta es imperfecta se debía escoger de ella lo mejor, sin dar cabida a la fealdad
o a la imperfección, se daba prioridad a lo bueno, a lo bello y a la divina
proporción, inspirados también en la forma de representación del
Renacimiento. Debían ser realistas, pero idealizadas; transmitían seguridad.
Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraban debían ser
contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión a la escena, algunos
pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones grandilocuentes con los
brazos, que todos entendían como parte del mensaje trascendente con el que
se quería ennoblecer la escena.

Las composiciones eran concebidas de forma geométrica, equilibrada y

estática, los movimientos y las posturas eran muy estudiados. No hay temas
anecdóticos que distraigan del motivo principal. Todo acontece en primer plano
trasmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje. La luz era clara y fría, no se
renuncia al claroscuro, porque la luz intensa dirigida permitía aclarar aún más
la prioridad compositiva, dejando en penumbra lo más secundario. Predomina
el dibujo, la forma, sobre el color. Los colores son pálidos, convencionales, y el
dibujo es el objetivo prioritario del pintor. Contornos bien definidos, bellas líneas
y cuidado del detalle, buscando cierta semejanza con la realidad, mímesis.

Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales

hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos, a
los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados
siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante o de transmitir valores
ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo.

El representante máximo de la pintura neoclásica es el francés Jacques -Louis

David. Cultivó la pintura de tema clásico, inspirada en los relieves
grecorromanos, de los que copió la simetría, la falta de profundidad y la
ordenación en figuras paralelas. Sus obras más famosas son El juramento de
los Horacios (1784) La muerte de Marat (1793) o Napoleón cruzando los Alpes
(1799)

Con Napoleón Bonaparte la pintura se convirtió en un arte al servicio de la

propaganda del Imperio y del emperador. Cuando Napoleón llegó al poder,
David fue nombrado pintor de Cámara (1804-1816). Respondiendo a la petición
de su emperador, se dedicó a la creación de un nuevo estilo imperial, ejemplo
perfecto del cual es la Coronación del Emperador (1805-07), en un marco de
lujo inherente a la corte.
 La muerte de Marat (1783) Napoleón cruzando los Alpes (1799)

El juramento de los Horacios (1784)

Jean Auguste Dominique Ingres: fue discípulo de David. Su vida artística fue
muy larga, sus cuadros son enormes y de gran frialdad. Algunas de sus más
afamadas obras son Apoteosis de Homero (1827), Napoleón en su trono
imperial (1806) y La gran odalisca (1814). Son algunas de las obras más
representativas del movimiento neoclásico.
 Apoteosis de Homero (1827)

Napoleón en su trono imperial (1806)

5.- ROMANTICISMO HISTORICO

Ubique temporal y cronológicamente. ¿Qué características propias tiene?

¿Qué relación con el medio evo?

El romanticismo es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino

Unido, que se extendió por toda Europa y posteriormente a América desde
1770 hasta 1870, aproximadamente. Nace como una reacción revolucionaria
contra el racionalismo de la ilustración y el clasicismo, dándole prioridad a los
sentimientos.

En el Romanticismo se practica la libertad de creación frente a los cánones del

Neoclasicismo. El Subjetivismo y el individualismo frente a la rigidez de las
reglas académicas. Se valoran especialmente la originalidad, la diversidad y
la particularidad frente a la unidad de la Ilustración. El Romanticismo se
encontraba en la necesidad de explorar nuevos campos: conflictos bélicos,
análisis psicológicos, cementerios, bandidos, costumbres populares, viajes y
aventuras, suicidio, locura, tempestad, el hombre solo ante la inmensidad. Se
da importancia a los sentimientos, a las emociones y a las pasiones amorosas,
al sufrimiento, al odio. Se exaltan los sentimientos religiosos, patrióticos y los
inspirados en la naturaleza, el paisaje cobra gran interés. Se recrean mundos
pasados, principalmente el Medioevo, representando la soledad, la ruina y lo
caótico de la época.
Se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla,
incluso dentro de una misma nación, debido a que el romanticismo es una
manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y el hombre mismo. De todas
maneras presenta algunas características comunes entre todos los artistas
románticos de la época:
• Predominio del color sobre el dibujo y usar la luz para difuminar las
figuras y acentuar los cromatismos.
• Dramatismos en las composiciones con gran preocupación por el
movimiento y la complejidad compositiva.
• Técnica rápida con pinceladas sueltas y pastosas.
• Aparición de temas actuales: revoluciones, guerras, desastres. Y sobre
todo la gran importancia del tema histórico y del paisaje.

Surgen grandes artistas y grandes obras muy representativos del movimiento

Romántico:

-Eugéne Delacroix (1798 – 1863) Su

pintura es colorista y sensual. “La libertad
guiando al pueblo” es una de sus
principales obras, refleja en ella la
insurrección de 1830 que tiene lugar en
Paris y que pone fin a la restaurada
monarquía borbónica, la Libertad es una
figura que recuerda a la Victoria de
Samotracia y que lleva en sus manos la
bandera tricolor francesa. La escena se
organiza de abajo a arriba.

“La libertad guiando al pueblo” (1830)

- Jean Francois Millet: buscaba retratar a la

gente humilde y campesina en un gesto de
admiración por la gente pobre. Su obra más
representativa es El Ángelus, la escena
muestra a dos campesinos que interrumpen
su trabajo en el campo para rezar el
Ángelus, la escena recuerda al saludo del
ángel a la Virgen María en la Anunciación.
Sus caras quedan en sombra, mientras que
la luz destaca los gestos y las actitudes,
consiguiendo expresar un profundo
sentimiento de recogimiento.

“El ángelus” (1857 – 1859)

- Caspar David Friedrich: pintor paisajista del
romanticismo alemán del Siglo XIX, considerado
uno de los artistas alemanes más importante de
su generación. Es conocido por sus paisajes, por
las nieblas matinales, sus pinturas generalmente
representan al hombre frente a paisajes
extensos, al hombre frente a la inmensidad de la
naturaleza.
Su obra más representativa es “Viajero frente a
un mar de nubes”, La obra representa a un
viajero, que se encuentra de pie en lo alto de
una montaña elevada, mirando un mar de nubes
que queda debajo. El viajero se encuentra de
espaldas y viste de negro. Se pueden ver los
picos de otras montañas saliendo entre la niebla.

“Viajero frente a un mar de nubes”

(1817 – 1818)

-Francisco de Goya: fue un pintor

español, su obra abarca la pintura, el
mural, el grabado y el dibujo. Su arte
supone el comienzo de la pintura
contemporánea, y se considera
precursor de las vanguardias pictóricas
del siglo XX. Una de sus obras más
famosas es “El fusilamiento del 3 de
mayo”, La intención de Goya al
elaborarlo era plasmar la lucha del
pueblo español contra la dominación
francesa, al inicio de la Guerra de la
Independencia Española.

“El fusilamiento del 3 de mayo”

(1813 -1814)

Otros artistas destacados del Romanticismo fueron: Théodore Géricault,

Theodore Rousseau, Camille Corot, Henri Füssli, Willian Blake, entre otros.
6.- CLASICO / ROMANTICO

Desarrolle la interpretación geográfica propuesta por el crítico alemán

Wilhelm Worringer a principios del 1900

Para el crítico alemán Wilhem Worringer (1881 – 1965) existe una distinción
por áreas geográficas entre lo clásico y lo romántico. Lo clásico es el mundo
mediterráneo (cálido y ameno) en donde la relación de los hombres con la
naturaleza es clara y positiva, es decir donde la mímesis o representación de la
realidad tiene gran influencia y validez, se busca tener una representación
objetiva, idealista y moral de la naturaleza. Lo romántico es el mundo nórdico
(frío y solitario), en el que la naturaleza es una fuerza misteriosa, con
frecuencia hostil, que busca desprenderse de lo moral e idealista, y apreciar el
concepto de lo feo y plasmar, entre otras cosas, la miseria, la soledad, la
tristeza, la violencia, etc.

Se trata de dos concepciones distintas del mundo y de la vida, relacionadas

con dos metodologías distintas, como consecuencia de las ideologías propias
de la Revolución Francesa y de las conquistas napoleónicas, se va perfilando
en las conciencias la idea de unidad, cultural, e incluso política.