Cinema brasileiro

Artigo para o Catálogo da Mostra Direção de Arte no Cinema Brasileiro, realizada em fevereiro de 2017,  na CAIXA Cultural RJ. Mostra e Catálogo organizados por Débora Butruce e Rodrigo Bouillet.

ISBN: 978-85-93535-00-0

LINK PARA O CATÁLOGO NA INTEGRA: http://mostradirecaodearte.com.br/index.html

Este artigo se propõe a trabalhar com o documentário de Silvio Tendler Encontro com Milton Santos. O mundo global visto do lado de cá (2006), analisando a coerência entre sua proposta temática (a defesa dos direitos dos setores populares) e sua forma. Para isso, considero fundamental a concepção do modelo sociológico de Jean Claude Bernardet. As categorias elaboradas por Bernardet continuam vigentes para revisar as complexas relações entre poder e imagem no discurso do documentário político.

Este volumen explora desde distintas perspectivas críticas los diversos modos en que los imaginarios simbólicos pueden contribuir a una mayor comprensión –racional y afectiva– de la experiencia de la pobreza y de las vidas precarias que la rodean o habitan en múltiples escenarios latinoamericanos. Compuesto de diecinueve ensayos originales que abordan esta temática desde el cine y la literatura de gran parte de Latinoamérica, el volumen invita a reflexionar sobre la compleja relación entre la realidad socioeconómica de la pobreza y sus representaciones. Todos los ensayos aquí presentes interrogan las posibilidades o los límites de las estéticas a las que recurren escritores y cineastas para abordar el problema de la pobreza. En conjunto, los artículos exploran una variedad de escenarios y personajes marcados por la precariedad, la marginalidad, la vulnerabilidad, la exclusión, o la violencia que acompañan o resultan de la inseguridad laboral, el desplazamiento local o regional, la frustración y la violencia de quienes se encuentran atrapados en barrios, ciudades o mercados que amenazan con eliminarlos o expulsarlos.

Esta comunicação investiga as estratégias de se fazer existir do filme Antônio um dois três com foco nas práticas de roteiro, em uma perspectiva do roteiro indissociável da produção e da direção. Para isso, são abordadas algumas dimensões do roteiro, escrito e rodado em três momentos diferentes, e o diálogo das práticas de Leonardo Mouramateus com a ferramenta de improvisação da Composição em Tempo Real do coreógrafo João Fiadeiro, determinantes no modo de trabalho com o roteiro no processo de criação do filme. Para esta investigação, foram estudadas o roteiro escrito, o filme em si e entrevistas com o realizador Leonardo Mouramateus. Ajuda-nos na leitura desses materiais, em uma perspectiva relacional, a teoria crítica dos processos de criação conforme proposta por Cecília Salles. ___________________________________ This communication investigates the strategies of making the film Antônio um two three exist itself, with a focus on screenwriting practices, in a perspective of the screenplay inseparable from production and direction. For that, some dimensions of the screenplay, written and shot in three different moments, and the Leonardo Mouramateus's practices dialogue with the choreographer João Fiadeiro's improvisation tool of the Composition in Real Time, determinants for the way of working the screenwriting in the creative process of the film. For this research, we studied the written screenplay, the film and the interviews with Leonardo Mouramateus. The critical theory of creative processes as proposed by Cecília Salles is our theoretical and methodological support to read these materials in a relational perspective.

O cinema e o audiovisual brasileiros se desenvolveram muito nos últimos anos, e um dos principais fatores que impulsionaram essa trajetória reside na atuação da Agência Nacional do Cinema (Ancine). Em setembro de 2021, a Ancine completará 20 anos como o principal órgão responsável pelas políticas públicas para o audiovisual brasileiro. Nesta publicação, Marcelo Ikeda, com sua experiência como pesquisador e ex-servidor da agência, passa em revista toda a trajetória da Ancine, desde os antecedentes de sua criação até os impasses do governo Bolsonaro. Além de apresentar as características da agência em termos das políticas desenvolvidas e de seus impactos no mercado audiovisual brasileiro, o livro analisa os embates e os conflitos de poder que marcaram sua história. Em jogo, está a autonomia da Ancine como agência reguladora para implementar suas políticas, resistindo às tendências de captura seja pelo mercado seja pelo governo.

Marton Olympio ​ é um dos roteiristas negros que têm movimentado o universo do cinema e da televisão trazendo novas vozes e narrativas, imprescindíveis para a garantia de uma diversidade efetiva, dinâmica e democrática no audiovisual brasileiro. Além de roteirista, também é diretor; autor da última temporada de ​ Cidade dos Homens (2018) e roteirista da série ​ Os Experientes (2019), ambas da TV Globo. Roteirizou, também, o longa-metragem Sequestro Relâmpago​ (2018), dirigido por Tata Amaral. Na entrevista, o cineasta conta sobre sua trajetória profissional, apresenta reflexões que vão desde a invisibilidade de importantes cineastas negros do passado até o surgimento de autoras e autores negros na atualidade e, além disso, propõe ações transformadoras por um cinema que contemple as tantas realidades do nosso país.

The history of Brazilian cinema is marked by many moments of euphoria and production crisis. Since the 1990s (a period that became known as the Resumption of the Brazilian Cinema), the film market in Brazil has been stable and film production has increased each year, according to the National Agency of Brazilian Cinema (ANCINE). Thanks to new digital equipment, there is the " prosumer " , who not only consume what is produced, but also produces, even in an amateur way. However, the increase in production does not mean reach an audience without restriction, either through cinema, whether in home video distribution or internet. From the difficulties of distribution and exhibition in commercial theaters, the digital format has created favorable conditions for democratization of the access to the movies, facilitating them from reaching the public and in various formats. This communication is intended as an argument: a look at the brazilian film production in the first decade of this century, some of the strategies used in the context of new media, distribution and exhibition of produced works. Digital Cinema as a key guiding concept alludes to the multiplicity of aspects and highlights how the effects of new media led to the change in cinema.

O livro apresenta um olhar sobre as tendências estilísticas do cinema independente brasileiro, por meio da análise de cinquenta filmes, realizados entre 2000 e 2019. No entanto, não se trata de uma lista de “melhores” ou “mais representativos” filmes do período. A proposta é oferecer uma oportunidade ao leitor para travar contato com filmes menos conhecidos do grande público mas que expressam a inventividade do cinema brasileiro dos últimos anos. O desejo deste livro é, portanto, não propriamente promover um olhar panorâmico sobre o que foi o cinema brasileiro dos últimos anos, mas oferecer um recorte específico – a partir de instrumentos analíticos que conjugam um olhar pessoal (inevitável) com uma análise crítica conjuntural – que jogue luz para um conjunto de filmes e realizadores notáveis que mereceriam ser mais discutidos ou conhecidos, para além de seu restrito circuito de legitimação.
Entre as obras selecionadas, estão filmes que foram exibidos apenas em festivais de cinema, permanecendo inéditos no circuito comercial, como Pulsações, de Manoela Ziggiatti, e Pinta, de Jorge Alencar. Para mostrar a diversidade de nossa produção, a seleção inclui dez curtas-metragens, além de várias obras realizadas na Região Nordeste - parte de um movimento de democratização da produção audiovisual brasileira. Entre os diretores escolhidos, estão nomes como Adirley Queirós, Affonso Uchoa, André Novais Oliveira, Gabriel Mascaro, Marília Rocha, Juliana Rojas e Petrus Cariry, além de coletivos cinematográficos como Alumbramento (CE), Teia (MG) e CUAL (BA).
O recorte estabelecido confere maior destaque a uma nova geração do cinema contemporâneo brasileiro – denominada de cinema pós-industrial (Cesar Migliorin), de novíssimo cinema brasileiro (Eduardo Valente e Lis Kogan), ou ainda, de cinema de garagem (Dellani Lima e Marcelo Ikeda). Entre as questões abordadas pelo livro, destacam-se: a relação orgânica entre documentário e ficção; a recusa à apresentação de grandes questões sociais e políticas por um viés estritamente sociológico, optando por um cinema social afirmativo em torno das micropolíticas; a ênfase nas “dramaturgias do comum”, a partir de pequenos momentos do cotidiano ou das relações familiares; a presença de filmes de coletivos cinematográficos, em torno dos temas da amizade e do afeto; um cinema de observação, que promove uma revalorização dos pequenos gestos, dos silêncios e dos tempos de espera; a presença de filmes-ensaio, filmes-de-arquivo ou de filmes em primeira pessoa; o ingresso de outros agentes na realização de filmes, como filmes universitários, filmes de realizadores das periferias e do interior do país; o diálogo ambíguo com o cinema de gênero, em especial utilizando elementos do terror ou do cinema fantástico.

vol. II LIMITE, O FILME DE MÁRIO PEIXOTO
INTRODUÇÃO
Daniela Gillone |9
LIMITE: ANGÚSTIA
Saulo Pereira de Mello| 25
UM LUGAR SEM LIMITES
José Carlos Avellar | 37
À BEIRA DO TEMPO
Patrícia Vaz | 51
SOBRE A IMAGÉTICA DE MÁRIO PEIXOTO
Geraldo Blay Roizman | 59
O HOMEM, O MAR, O TEMPO
Paulo Ricardo de Almeida | 70
O CÉU É LIMITE
Ciro Inácio Marcondes | 81
SOBRE O FILME | 86

Limite, o Filme de Mário Peixoto / Organização Daniela
Gillone - São Paulo: Três Artes, 2015.

(Coleção Cinema Brasileiro – Clássico – Industrial;
v.2)
ISBN 978-85-5670-002-5

1. Cinema Brasileiro. 2. História do Cinema
Brasileiro I. Título. II. Gillone, Daniela
(org.). III. Coleção

Disponível em: https://docs.wixstatic.com/ugd/c4217b_aab042ed922742c8b7bc6851ced2d7c7.pdf

Este artigo pretende refletir a respeito das formas de conflito e intolerância na sociedade brasileira e apresentadas na cultura pop, mais especificamente, em filmes brasileiros, os quais tematizam a questão a partir de ou em relação com manifestações e expressões do campo religioso. Toma-se como princípio hermenêutico o conceito europeu de religião vivida (lived Religion ou gelebte Religion), um modo de perceber e analisar elementos, con-teúdos e formas religiosas na esfera da cultura e da vida comum e cotidiana. Para tal, os filmes foram escolhidos levando em consideração nas narrativas e enredos a evidência da relação entre conflito, intolerância e a relação destes com a religião. Segundo este estudo, a partir dos filmes selecionados, podemos identificar três formas de conflito e intolerância relacionados à religião: a) o conflito sociopolítico com desdobramentos no campo religioso; b) o conflito e a intolerância dentro do próprio campo religioso; e, c) o conflito da falta de esperança e de perspectiva de vida. A análise dessa religião vivida deve servir também como subsídio para a reflexão da Teologia Prática neste contexto.

O presente trabalho busca delinear as polifonias existentes na construção da personagem
Elena, no documentário “Elena” (2012), dirigido por sua irmã, Petra Costa. No filme,
Petra busca construir o sujeito representativo Elena, retomando alguns caminhos feitos
pela irmã, e também por meio de entrevistas de amigos e familiares; imagens de arquivo
de peças teatrais e apresentações de danças; imagens de arquivo feitas pela família e por
Elena, quando Petra ainda era criança e áudio-cartas que Elena enviava à família, quando
morava em Nova Iorque. Nesse ínterim, os próprios sentidos sobre si mesma são
modificados na constituição do sujeito Petra. Bakhtin delimita o conceito de polifonia ao
analisar, dentre outras, a obra de Dostoievski. Nessa delimitação, o autor entende que os
sujeitos se constituem na e pela interação de diversos discursos, que por sua vez, são
compostos por uma polifonia de outros discursos. Sendo assim, o conceito em si diz
respeito a essa multiplicidade de vozes presentes na construção de sentidos; para o
presente artigo, iremos abordar a polifonia na construção de personagem no documentário
em questão. No filme, não só a voz de Elena, de amigos e de familiares, mas a própria
voz de Petra, como diretora, é uma voz complementar de diálogo polifônico entre
personagem, a forma de Elena e o espectador. Sendo assim, os sentidos sobre quem é
Elena nunca se fecham. Em suma, o objetivo do artigo é identificar essas polifonias
apresentadas nas tecnologias utilizadas na composição da personagem Elena. Para isso,
será realizada análise das áudio-cartas deixadas por Elena, refletindo também como Petra
escolhe utilizá-las na composição fílmica. Além disso, pretende-se pensar a própria
polifonia do espectador, gerada a partir da sensibilização dos olhares nas diversas
posições estéticas.

O presente trabalho aborda a gênese e a sistematização da crítica ao colonialismo de Frantz Fanon. A denúncia da autoconsciência racista do colonizado, realizada por Aimé Césaire, e a dialética do colonialismo, estudada por Jean-Paul Sartre, são as fontes do conceito de “libertação nacional” de Fanon. Sua obra, pouco numerosa mas intensa, será apropriada por Glauber Rocha e aplicada no discurso cinematográfico, não somente como estética, mas como uma definição de Cinema nos países subdesenvolvidos. Portanto, nosso objetivo é dar uma apresentação geral das ideias de um dos principais teóricos da descolonização e a sua apropriação pelo cineasta Glauber Rocha no começo dos anos 1960 para responder uma difícil questão que tanto o atormentava na primeira metade da década de 1960: o que é o “Cinema Novo”? Para apreender a sua riqueza teórica, vamos relacioná-lo com Aimé Césaire e contrapor ambos com um interlocutor privilegiado, Jean-Paul Sartre, que está no outro polo do sistema colonial, ou seja, na Metrópole.

Esse artigo propõe uma reflexão sobre a identidade brasileira contemporânea no âmbito dos estudos multidisciplinares de ‘trauma cultural’ (Alexander, 2004), onde o conceito original de trauma psíquico é revisado e ampliado a fim de refletir sobre mudanças identitárias e sociais, também através de representações como o cinema e a literatura. A abertura de “Cidade de Deus” (2002), filme de Fernando Meirelles e Kátia Lund, adaptação da obra homônima de Paulo Lins (1997), é tomada aqui como representação sintética de uma identidade brasileira de precariedade e inferioridade, decorrência do traumático passado colonial e escravista.

ABSTRACT:
This paper analyses, within a perspective of interactions connecting female memory, city and everyday events, the long feature film Aquarius (Brazil, Kleber Mendonça Filho, 146 min, 2016). The dwelling is the foundation to the conflicts of the protagonist Clara. The Casetti and Di Chio method (2007) was chosen as inspiration for the three levels in which the methodology of analysis regarding the film’s narrative will be approached. The analytical categories “city”, “collective space”, “old age women”, “habitational matters”, “memories” and “everyday events” reside at the core of this analysis. City and the female body are shuffled in the experiences of public spaces and the fear that crosses and limits the relationship between private and collective space.

Keywords: Aquarius. City. Gender. Affects. Everyday life. Sexuality. Symbolic violence.

RESUMO:
Este paper analisa, sob uma perspectiva de interações entre memória, cidade, corpo e cotidianidade feminina, o longa metragem Aquarius (Brasil, Kleber Mendonça Filho, 146 min, 2016). O espaço do habitar alicerça a construção do protagonismo dos conflitos da personagem Clara. A metodologia de análise da narrativa fílmica foi desenvolvida em três níveis inspirados no método de Casetti e Di Chio (2007). As categorias " cidade " , " espaço coletivo " , " velhice feminina " , " questões habitacionais " , " memórias " e " cotidianidades " agregam o eixo central desta análise. A cidade e o feminino se embaralham na vivência do espaço público e do medo que atravessa e limita a relação entre o espaço privado e coletivo. Abstract This paper analyses, within a perspective of interactions connecting female memory, city and everyday events, the long feature film Aquarius (Brazil, Kleber Mendonça Filho, 146 min, 2016). The dwelling is the foundation to the conflicts of the protagonist Clara. The Casetti and Di Chio method (2007) was chosen as inspiration for the three levels in which the methodology of analysis regarding the film's narrative will be approached. The analytical categories " city " , " collective space " , " old age women " , " habitational matters " , " memories " and " everyday events " reside at the core of this analysis. City and the female body are shuffled in the experiences of public spaces and the fear that crosses and limits the relationship between private and collective space.

Link para o texto original: http://cinerocinante.com.br/2017/12/28/eles-nao-usam-black-tie-a-peca-o-filme/

Em setembro de 1983, no âmbito da mostra “O operário no cinema alemão e brasileiro”, Leon Hirszman e Gianfrancesco Guarnieri participaram de um debate sobre o filme Eles Não Usam Black-tie. Dois anos após a circulação comercial do longa-metragem no Brasil, o cineasta e o dramaturgo se encontraram no Museu da Imagem e do Som de São Paulo (MIS-SP) para responder às perguntas de um público interessado em conhecer o processo de criação que ambos desenvolveram entre os anos de 1978 e 1981. Em um contexto histórico atravessado por grandes inquietações, fosse em relação ao futuro do movimento operário ou ao processo de redemocratização da sociedade brasileira, os espectadores dividiram-se entre elogios e críticas à obra cinematográfica, provocando questionamentos acerca da visão política que os dois procuraram incluir na versão fílmica de Black-tie.

A conversa no MIS-SP, material nunca antes publicado, existente em duas fitas cassete armazenadas na midiateca do museu, torna-se uma rara oportunidade para entrar em contato com os intensos debates que foram travados, na primeira metade da década de 1980, em torno desse longa-metragem vencedor de vários prêmios internacionais. A partir da leitura do documento, levando-se em consideração que Hirszman nunca escreveu textos sobre seu próprio cinema, é possível obter novas informações acerca da realização do filme e das decisões que foram tomadas para a adaptação fílmica de uma peça escrita originalmente em 1956. Para além das reflexões em torno da arte política, o cineasta e o dramaturgo detalham suas visões de mundo, expondo inquietações relacionadas à condição de um país que ainda se encontrava submetido aos desmandos do regime militar.

Devido a problemas técnicos existentes na gravação original, em que parte das questões do público é inaudível, optei durante a edição por acrescentar algumas perguntas, formuladas a partir das respostas oferecidas pelos artistas. Também incluí um pequeno conjunto de notas de rodapé, informações extras para a melhor compreensão do conteúdo presente no debate. Com a recente descoberta de novos documentos, cavoucados em acervos públicos e privados, redefinem-se as possíveis leituras sobre o lugar ocupado por Hirszman na história do cinema.

Quais foram as políticas públicas voltadas à distribuição do cinema brasileiros nos últimos dez anos? Esta é a pergunta que esta pesquisa busca responder. A partir do mapeamento dos instrumentos públicos voltados ao fomento, regulação e fiscalização do cinema e do audiovisual nacional, gerenciados em grande parte pela Ancine (Agência do Cinema Nacional), foram elencadas medidas que atingiram direta e indiretamente o setor da distribuição cinematográfica nacional. Em meio a isso, também foi realizado uma revisão histórica das políticas públicas voltadas ao cinema nacional, desde o Cinema Novo até os resultados do mercado nacional entre 2009 e 2018. Sobre a prerrogativa de contribuir para o aumento do consumo do cinema nacional surge a pesquisa Borderô.

A partir dos referenciais teóricos de Linda Williams (1991) e Mariana Baltar (2019), esboço neste artigo uma primeira tentativa de entrelaçar os estudos do excesso aos estudos de roteiro. Argumento que a estética fílmica não é algo que se dá, exclusivamente, no âmbito da realização, e que o roteiro pode antecipar o projeto estético do filme e também levar a uma experiência estética. Para isso, transponho dos domínios da mise-en-scène para o roteiro cinematográfico três categorias propostas por Mariana Baltar (2019), aqui denominadas “marcas estilísticas do excesso”: obviedade, antecipação e simbolização exacerbada.

As fronteiras do documentário compõem um horizonte de difícil definição. A qualificação de uma narrativa como documentária, até bem pouco tempo, era negada por parcela de nossos críticos, seguindo algumas formulações próprias a semiologia dos anos 60 . A falta de conceitos próprios provocou dificuldades no desenvolvimento de ferramentas analíticas, comprometendo o horizonte da produção não ficcional. Se o documentário não existe, quem faz documentário faz o que? Muitas vezes o conceito documentário confunde-se com a forma estilística da narrativa documentária em seu modo clássico, provocando confusão. Alguns autores se referem a documentário em geral, mas tem no horizonte o documentário clássico, confundindo a parte pelo todo. Predominante nos anos 30/40, o documentário clássico enuncia baseado em voz over , fora-de-campo, detentora de saber sobre o mundo que retrata. Na medida em que a ideologia dominante contemporânea foi criada na desconfiança da representação objetiva do mundo - e na desconfiança da espessura do sujeito que assume a voz de saber sobre o mundo -, a narrativa que se locomove com naturalidade neste meio sofre carga crítica. Nos anos 90 do século XX, aos poucos, foi se criando um consenso que o documentário é um campo que existe para além de sua narrativa mais clássica. Uma vez o campo expandido, jovens em sintonia com seu tempo, podem dizer, sem constrangimento, que fazem documentário, apresentando narrativas diversas como resultado de seu trabalho. Incorporando procedimentos abertos pela revolução estilística chamada Cinema Direto/Verdade, trabalhando com imagens manipuladas digitalmente, tomadas com câmeras minúsculas e ágeis, o documentário contemporâneo possui uma linha evolutiva que permite enxergar a totalidade de uma tradição. Uma totalidade que tem a origem de sua conceitualização nas formulações griersonianas e sofre as inflexões de seu tempo.

Este catálogo foi editado pela então Fundação do Cinema Brasileira, órgão provisório desmembrado da Empresa Brasileira de Filmes/Embrafilme onde seria o correspondente ao departamento cultural da empresa. Foi editado em 1990, em versão quase artesanal, como resistência à inexistência de verbas que caracterizou o governo de Fernando Collor de Mello na área de arte e cultura. Foi elaborado com o software Word para DOS. Para obter a presente versão-feita no ano 2021 da pandemia-precisei converter praticamente todo o documento, ocasião que aproveitei para reformatar partes, mas sem tocar no conteúdo. Como pode ser lido na Introdução, o símbolo (*) é utilizado para os filmes que não existiam mais à época da elaboração do catálogo. Atualmente não é possível estabelecer a quantas dezenas de outros títulos esse símbolo deveria ser adicionado.

Resumo: Análise do documentário Bixa Travesty (Kiko Goifman e Claudia Priscilla, 2018), centrado na artista multimídia Linn da Quebrada, com participação de Jup do Bairro, a partir da abordagem do queerlombismo. Essa justaposição gera um termo conceitual para pen-sar o cinema negro, no campo do documentário, que elabora artisticamente sua expressão visual e sonora por meio da performatividade artística transexual/travesti. Figurações não identitárias como invenção de mundo negras. Palavras-chave: Bixa Travesty, Linn Da Quebrada, Queerlombismo, documentário.
Abstract: Analysis of the documentary Bixa Travesty (Kiko Goifman and Claudia Priscilla, 2018), centered on the multimedia artist Linn da Quebrada, with the participation of Jup do Bairro, by queerlombismo approach. This juxtaposition generates a conceptual term for thinking black cinema in the field of documentary, which artistically elaborates its visual and sound expression through transsexual / transvestite artistic performativity. Non-identity fig-urations as black world invention.

Anais de Textos Completos do XXIII Encontro SOCINE [recurso eletrônico] / Organização editorial Angela Freire Prysthon... [et al.]. São Paulo: SOCINE, 2020.

Esta pesquisa teve por finalidade identificar as ações educativas da Cinemateca Brasileira, com relação, especialmente às atividades do Departamento de Cinema Infantojuvenil. O recorte temporal escolhido, entre 1954 e 1966, abarca a criação do Departamento de Cinema Infantojuvenil, momento em que ocorreu na instituição uma intensa ação no campo educativo, dirigido pela poetisa e professora Ilka Brunhilde Laurito. Para tanto, buscou-se analisar a bibliografia referente aos arquivos de filmes educativos e a Cinemateca Brasileira, além de documentos administrativos do Departamento Infantojuvenil. Também foram analisadas as notícias veiculadas pelos jornais O Estado de S. Paulo, Correio Paulistano e Diário do Povo, do período em questão, que trataram do tema.

This research was aimed to identify the educational activities of the Brazilian Cinematheque, specifically regarding the activities of the Department of Children and Youth Film. The time frame chosen, between 1954 and 1966, includes the creation of the Department of Children and Youth Film, which at the time was in an intense action at the educational field, headed by the poet and teacher Ilka Brunhilde Laurito. To this end, we sought to examine the literature on the educational film archives and the Brazilian Cinematheque, as well as official documents of the Department of Children and Youth Film. It was also analyzed the news published by the newspapers O Estado de S. Paulo, Correio Paulistano and Diário do Povo that dealt with the topic at the period in question.

Livro que analisa a representação da Amazônia no cinema, desde um recorte histórico no cinema internacional e nacional, chegando ao cinema produzido no Amazonas, destacando experiências pioneiras de cinema na região que permitem ver a imagem da Amazônia de outros pontos de vista.

É de pouco conhecimento geral, e até mesmo entre pesquisadores
do cinema brasileiro que, em meados dos anos 1970 e 1980, houve uma
série de eventos e reuniões das mulheres profissionais do cinema e do
vídeo. Dentre suas demandas, estavam a exibição de seus filmes, a
formação de mais profissionais e, em menor escala, a busca pelo próprio
entendimento do que seria fazer um “cinema de mulheres”. As realizadoras
brasileiras dialogavam com um movimento global de inserção do
feminismo no campo cinematográfico, iniciado no exterior no começo
da década de 1970, quando surgiram os primeiros coletivos feministas
de cinema, as primeiras publicações especializadas, os primeiros
festivais dedicados a filmes dirigidos por mulheres e a consolidação de
uma crítica cinematográfica feminista (Veiga, 2013). Trata-se de uma
importante página do cinema nacional que permanece amplamente
desconhecida por profissionais e pesquisadores, desconhecimento que
se deve em grande parte ao fato de essas mesmas realizadoras raramente
figurarem em nossa historiografia. Assim, buscamos realizar uma
re-visão da história das mobilizações políticas das mulheres no cinema
brasileiro, tendo como recorte o Coletivo de Mulheres de Cinema e Vídeo
do Rio de Janeiro (1985 - 1987). A pesquisa foi empreendida a partir de consultas aos acervos da Cinemateca do Museu de Arte Moderna do Rio
de Janeiro (MAM), dos jornais O Globo e Jornal do Brasil e na Hemeroteca
Digital da Biblioteca Nacional, cujos resultados complementaram as
entrevistas feitas com quatro cineastas ativas nos movimentos da época:
Eunice Gutman, Tereza Trautman, Rose La Creta e Edyala Yglesias.

Dissertação de mestrado defendida em 2002 no Programa de Pós-graduação em Música da UniversidadeFederal do Rio de Janeiro (UNIRIO).

Esta dissertação investiga, sob uma perspectiva functional, as operações da música extradiegética em filmes do cinema brasileiro comercial contemporâneo. No primeiro capítulo são abordados estudos de alguns autores sobre as funções da música no cinema. As estratégias de uso de música no cinema clássico hollywoodiano, a partir do estudo realizado por Claudia Gorbman no livro Unheard Melodies (1987), constituem o paradigma principal desta investigação. Para a autora, o modo de fazer música, no contexto do cinema clássico, é dominante no cinema desde a gênese do filme sonoro e tem forte influência no cinema comercial contemporâneo de vários países. Com o objetivo de iluminar por outros ângulos o tema central desta pesquisa, foi considerado relevante levar em conta alguns aspectos das perspectivas práticas e teóricas de pesquisadores, cineastas e compositores como Michel Chion, Sergei Eisenstein, Philip Tagg e Adorno & Eisler. As abordagens destes autores complementam o enfoque de Gorbman e discutem algumas propostas anti-hollywoodianas de uso de música no cinema.No segundo capítulo são apontados exemplos de estratégias clássicas em filmes das companhias cinematográficas Cinédia, Atlântida e Vera Cruz, e de procedimentos heterodoxos em filmes dos movimentos conhecidos como Cinema Novo e Cinema Marginal. No terceiro e último capítulo o foco dirige-se ao cinema brasileiro comercial contemporâneo e é realizado um estudo comparativo entre as funções da música extradiegética nos filmes O Quatrilho, O Que É Isso Companheiro? e Central do Brasil.

A nossa hipótese é que determinadas estratégias utilizadas pelo production designer/diretor de arte podem levar à constituição de certas atmosferas e favorecer a sua criação, dando-lhe tangibilidade e permitindo, inclusive, a análise de sua eficácia no campo da recepção. O que se busca mostrar é que a atmosfera pode ser tratada como um elemento concreto de criação, viabilizada por diferentes técnicas pró-fílmicas, alcançadas com a composição visual, a escolha de locações, a construção cenográfica, a iluminação e, extra- fílmicas, como efeitos visuais e especiais, fazendo uso das tecnologias digitais disponíveis na atualidade. Enquanto metodologia no ensino da direção de arte na Universidade Federal Fluminense, o conceito de atmosfera fílmica tem se revelado uma estratégia potente, pois desloca a direção de arte de uma perspectiva material para mobilizar aspectos conceituais e sensoriais, produzindo significados que contribuem para o desenvolvimento de filmes de todos os estilos (narrativos, documentais e experimentais) e gêneros.

O cineasta Mário Peixoto realizou apenas um filme em toda sua vida, o lendário Limite, e passou o resto dela trabalhando em textos literários dos quais constam aqueles reunidos nos anos 2000 na edição Poemas de permeio com o mar. Este trabalho procura  relacionar o filme à poesia de Mário tentando entender os processos de renovação, repetição e circularidade que constroem formalmente suas obras. Ao mesmo tempo, os temas do paradoxo e dicotomias fundamentais da existência formam um imaginário que se conjuga com estas formas, constituindo uma poética pessoal e radical.

Neste artigo analisaremos, numa perspetiva comparativa, o conto “Sargento Garcia” do escritor brasileiro Caio Fernando Abreu, inserido na antologia Morangos Mofados (1982), e duas das suas readaptações cinematográficas. A primeira curta-metragem, de Tutti Gregianin (2000), reconstrói uma narrativa mais fiel ao texto do conto, apesar do diferente enfoque. Efetivamente, este filme foi elaborado anos depois da queda da ditadura militar, catalisadora da narrativa de Abreu. Por outro lado, a segunda curta-metragem, realizada em 2016 por alunos do Colégio de Aplicação da UFRGS, apresenta uma recontextualização da narrativa no século XXI. Destacando a teatralidade deste conto, nas suas reformulações encontramos uma condensação de questões em constante ebulição na sociedade brasileira como o patriarcado, a homofobia, o autoritarismo e a violência.

GIGANTE, Matteo. "Sargento Garcia de Caio Fernando Abreu: entre a narrativa escrita e as readaptações audiovisuais". In: MARCOS RAMOS, María (org.). El cine como reflejo de la historia, de la literatura y del arte en la filmografía hispano-brasileña, p. 376-388. Salamanca: Universidad de Salamanca - Centro de Estudios Brasileños, 2019.

Disponível em:

https://cebusal.es/publicacion_ceb/el-cine-como-reflejo-de-la-historia-de-la- literatura-y-el-arte-en-la-filmografia-hispano-brasilena/

Esta monografia aborda a distribuição cinematográfica com enfoque nos filmes independentes brasileiros e como uma plataforma de streaming do tipo VoD (video on demand) pode favorecê-los nesse campo. Para a realização dessa monografia, ao longo do trabalho são analisadas questões referentes a mecânica da estrutura da distribuição cinematográfica no Brasil e dos serviços de streaming VoD, assim como também é feita a definição de um filme independente brasileiro. Por fim, são analisadas duas plataformas de streaming que disponibilizem esse tipo de filme e o que essa tecnologia favorece na sua distribuição.

Playlist Para conhecer o Rio e a Herança Africana de Zózimo Bulbul
https://open.spotify.com/playlist/4bvlCmsrrWwlCxE6fXu0dD?si=RNP2TaKYQCKt_BKpc2OCSg&utm_source=whatsapp


Resumo: Cineasta e precursor do Cinema Negro no Brasil, Zózimo Bulbul constrói arquivos, registra a memória e retira o véu de uma cidade escondida até então, ao mesmo tempo em que aponta suas potencialidades e dilemas. Este artigo tem como objetivo analisar as histórias contadas por Zózimo Bulbul sobre o Rio de Janeiro e sua herança africana, a partir dos seus curtas-metragens produzidos e dirigidos em um período de vinte e cinco anos e antes da criação do Encontro de Cinema Negro Brasil, África, Caribe e outras diásporas: Aniceto do Império – Em Dia de Alforria? (1981, 11’), Pequena África (2002, 14’), República Tiradentes (2005, 36’), Samba no Trem (2005, 18’) e Zona Carioca do Porto (2006, 28’).


Palavras-chave: Zózimo Bulbul, cineastas negros, Rio de Janeiro, Pequena África, resistência.

Citação: Ribeiro, Ana Paula Alves (2020). Rio de Janeiro e sua herança africana: histórias contadas por Zózimo Bulbul. Todas as Artes: Revista Luso-Brasileira de Artes e Cultura, 3(3), pp. 66-84. ISSN: 2184-3805. 
DOI: 10.21747/21843805/tav3n3a5

Disponível em:
https://ojs.letras.up.pt/index.php/taa/article/view/10753

This dissertation aims to analyze flux cinema, to understand how it manifested itself in recent brazilian production and to propose a film analysis approached through the sentience. In order to achieve that, at first, we will conceptualize flux cinema, seeking for its main characteristics. We then present a theoretical debate around the idea of real, time and sentience and the construction of meaning at flux cinema. For this, we rely in authors such as André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia and Jacques Rancière. Finally, we make an analysis, built on the concept of filmic figure (from Philippe Dubois), on a corpus consisting of two fiction features, representatives of Brazilian flux cinema: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti and Ricardo Pretti, 2011) and Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011).
Keywords: Cinema. Flux Cinema. Real. Sentience. Time.

Futuros menores usa las palabras y las imágenes como dispositivos filosóficos para pensar sobre el tiempo y el espacio. A partir del análisis de cuentos, novelas, ensayos, libros de viaje, ficciones teóricas, experiencias antropológicas, exhibiciones de arte y de diseño, dispositivos curatoriales, arquitectura y cine de los siglos veinte y veintiuno brasileños, busca reflexionar sobre el nudo que ata las palabras y las imágenes con el tiempo y la materialidad. Al iluminar el lazo estructural entre el momento contemporáneo de crisis política, social, económica, sanitaria y ecológica mundial y un imaginario latinoamericano que se terminó de asentar a mediados de siglo veinte –y en el que Brasil ocupa un lugar fundamental: el de un territorio preñado de un futuro pensado como progreso–, el libro rescata una imaginación subterránea que, a partir de la atención a los restos materiales, permite realizar una apertura epistemológica. Una imaginación en la que se adivina un reordenamiento de los espacios de saber y de poder: otros futuros posibles y menores cuyos contornos no terminan de definirse si pensamos dentro del marco conceptual de lo utópico y esperanzado, pero que tampoco entran en el de lo apocalíptico y desesperado.