Sémiologie

The semiotics of the face studies the meaning of the human face in contemporary visual cultures. There are two complementary research foci: widespread practices of face exhibition in social networks like Facebook, Instagram, Snapchat, and Tinder; and minority practices of occultation, including the mask in anti-establishment political activism (Anonymous) and the veil in religious dressing codes. The meaning of the human face is currently changing on a global scale: through the invention and diffusion of new visual technologies (digital photography, visual filters, as well as software for automatic face recognition); through the creation and establishment of novel genres of face representation (the selfie); and through new approaches to face perception, reading, and memorization (e.g., the ‘scrolling’ of faces on Tinder). Cognitions, emotions, and actions that people attach to the interaction with one’s and others’ faces are undergoing dramatic shifts. In the semiotics of the face, an interdisciplinary but focused approach combines visual history, semiotics, phenomenology, visual anthropology, but also face perception studies and collection and analysis of big data, so as to study the social and technological causes of these changes and their effects in terms of alterations in self-perception and communicative interaction. In the tension between, on the one hand, political and economic agencies pressing for increasing disclosure, detection, and marketing of the human face (for reasons of security and control, for commercial or bureaucratic purposes) and, on the other hand, the counter-trends of face occultation (parents ‘hiding’ their children from the Internet, political activists concealing their faces, religious or aesthetic veils, writers and artists like Bansky or Ferrante choosing not to reveal their identity), the visual syntax, the semantics, and the pragmatics of the human face are rapidly evolving. The semiotics of the face carries on a comprehensive survey of this socio-cultural phenomenon.

Le présent article propose une analyse musicale de la Ballade op. 52 en fa mineur de Frédéric Chopin. De nombreuses méthodologies existent pour investir l'oeuvre musicale, mais l'auteure défend l'importance et la complémentarité de deux niveaux essentiels que sont la partition et son langage technique ainsi que l'expressivité de la pièce, qui peuvent s'assimiler au couple signifiant/signifié de la sémiotique générale. Par la détection des unités signifiantes (appelées topiques) et l'étude de leur concaténation, Julie Walker tente de démontrer que la pièce présente une stratégie narrative complexe qui sera également mise en avant par l'interprète musical.

Ventriloquo è colui che parla col ventre, che simula uno slittamento della voce dalla bocca allo stomaco, da un’interiorità che si apre all’altro attraverso l’inter-faccia del volto, a un’intestinità che nega l’altro nella figura dell’in-volto, dell’in-viso, da una parola nutrimento a una parola escremento, e non quello della sua eiezione naturale ma quello di una parola-vomito, borborigma che parla a sé stesso, che inverte la traiettoria del bolo dal dentro al fuori. Ma ventriloquo è anche colui che parla al ventre, nel senso che non si rivolge al viso, alle orecchie, alla bocca, al volto dell’altro, ma spinge l’interlocutore a dismettere il proprio volto per farsi ventre, per rimanere nel chiuso del proprio io, nel rimuginare la parola ricevuta dal ventriloquo finché essa non diviene a sua volta sterco, e non viene eietta come natura vorrebbe ma vomitata verso il volto altrui, negandone la purezza fenomenologica, frustrandone la funzione di volto, oppure spingendolo a diventare anch’esso pancia, in una asemiosi illimitata che spegne il senso invece di accenderlo, che chiude l’esistenza nell’angolo buio dell’essere, che restituisce i corpi alla natura e li rende ferini, invisi gli uni agli altri, nemici, barbari.

The article proposes a typology of meaninglessness based on the semiotics of Charles S. Peirce: meaningless as indecipherable; as incomprehensible; and as uncanny. Each type is exemplified with reference to anecdotic semiotic experience gained while riding Japanese buses. Meaninglessness, however, is not insignificance. Insignificance is a much more disquieting anthropological condition, which the article describes with reference to two symmetrical processes: on the one hand, the euphoric passage from significance to insignificance, a passage meant as the “birth of new meaning”; on the other hand, the dysphoric passage from significance to insignificance, a passage which coincides with the alienation of human existence. Through several examples take from present-day societies, the article advocates for an active role of semiotics in warning human communities against the “emergence of insignificance” and its potential of violence and exploitation.

Interview mit Algirdas Julien Greimas, realisiert im April 1983 in Paris. In diesem Interview werden folgende Themen diskutiert:
1) Präsentation der "Pariser Schule" der Semiotik durch Greimas.
2) Platz der Bedutungssemiotik innerhalb der verschiedenen semiotischen Forschungsrichtungen.
3) Die zentralen Modelle der Bedeutungssemiotik: narrative Syntax, modale Syntax, narratives Schema, Aussageweise (Enunziation) und Aussage; Diskurs.
4) Semiotik als transdisziplinäre Methodologie.

Türk halk anlatılarından efsaneler bugüne kadar birçok açıdan incelenmiştir. Temelde sözlü bir anlatı türü olan efsaneler yazıya geçirildiğinde edebîlik vasfı olan metinler olarak var olmaya devam eder. A.J.Greimas tarafından geliştirilen ve değişik temellere dayandırılan bir yazınsal göstergebilim yöntemi olan “aktansiyel model” tüm metinlere uygulanabilen bir yöntemdir. İncelememizde bu yöntemi bir efsane metnine uygulayarak yöntemi halkbilimsel bakış açısıyla beslemeye çalıştık.
Abstract
Many Turkish folk narratives have been studied from different perspectives.  The legend that is basically an oral narrative form, achieves literary value when transferred into written form. A.J. Greimas has elaborated the actantial model for semiotic analysis that can be applied to all types of written texts. This paper uses Greimas’s ‘Actantial Model’ through a folkloristic perspective in interpreting a legend.

Definitions of art are on about sociality in recent years .This also allows art to be studied as an interdisciplinary subject. The study focuses on the communicative dimension of art. Because the artist expresses emotions with a visual language. This study painter Prof. Dr Mehmet BAŞBUĞ’s work focuses on the CentralAsian narrative. For this reason, analyzed by Barthes’ semantics through semantics method, It has been solved communicative codes’the artists. The artist is acting on mental information whit background while revealing his work. Prof.Dr. Mehmet BAŞBUĞ’s works have been detected. Works are identified that Central Asia stories meaning with traditional and cultural codes.

"Una sceneggiatura sociale: analisi semiotica dell'aperitivo".
Il presente lavoro è incentrato sul fenomeno dell'aperitivo letto come uno dei temi della semiotica del gusto e del cibo. Il momento dell'aperitivo non è dettato prettamente dal bisogno di nutrimento e non possiede la natura di carburante corporeo, rappresenta piuttosto uno spazio altro in cui vivere un'esperienza conviviale e tornare ad esercitare le forme del vivere sociale fondate sull'incontro, sulla conversazione e sulla corporeità.

« La plupart du temps, on se laisse parler par la langue sans avoir conscience de ce qu'elle transmet »
Entretien avec Anne-Marie Houdebine, printemps-été 2016-deuxième partie (republication 2021) Pour rappel, il ne s'agit pas de propos transcrits, c'est Anne-Marie Houdebine qui a rédigé ses réponses, dans un contexte d'échanges réguliers entre elle et moi.) Anne-Marie Houdebine est devenue une « figure institutionnelle » dans les années 1980. Elle est nommée professeure de linguistique et de sémiologie à l'université d'Angers en 1980 puis, entre 1983 et 1986, elle joue un rôle essentiel dans la commission de terminologie présidée par Benoîte Groult et mise en place par Yvette Roudy pour féminiser « le vocabulaire concernant les activités des femmes ». A.-M. Houdebine faisait alors suffisamment autorité pour imposer des travaux sur le genre au sein des sciences du langage ; mais pas assez pour parvenir à ce que leur pertinence scientifique soit pleinement reconnue. En 1995, cependant, elle est nommée professeure à l'université Paris-Descartes : la Sorbonne... c'est la consécration. Reste que ses travaux sur les femmes et la langue n'ont pas été applaudis tout de suite et que ceux de la « commission Groult » ont suscité un ferraillage d'épées dans les colonnes du Figaro, brandies par des hommes en habit vert plus énervés qu'affutés. Anne-Marie Houdebine a dérangé, elle tient à le souligner, mais pas à s'y attarder. Dans cette partie de notre entretien, elle évoque aussi le féminisme différencialiste et la valorisation de l'écriture féminine, auxquels elle n'a jamais souscrit. Et elle expose sa conception du sujet-en proie à une situation qui le précède, à des représentations de genre aliénantes, à une langue qui le parle tout autant qu'il la parle, mais aussi singulier, et quelquefois capable de faire des pas de côté. Conception qui doit autant à ses positions linguistiques qu'à sa pratique psychanalytique.

Les textes réunis dans ce livre étudient les langages de la stigmatisation et les réponses que des sujets stigmatisés peuvent produire, individuellement ou collectivement, pour s'en défendre. La stigmatisation se manifeste dans les discours d'une société donnée à un moment donné, elle se nourrit d'une culture de la haine et repose sur la construction arbitraire d'une domination. Désigner une différence, attribuer un nom injurieux, assigner un rôle, exclure, légitimer des actes de violence, telles sont les étapes qui scandent le processus de stigmatisation. Classes sociales, genres, origines, couleurs de peau, professions, confessions, appartenances politiques, maladies, handicaps apparaissent alors comme la justification de rejets, de violences symboliques et physiques. Pour lutter contre la discrimination et la ségrégation, des formes multiples de résistances voient le jour qui peuvent s'inscrire dans le registre du politique et du militantisme. Certains groupes se saisissent des mots et des images qui stigmatisent pour les resignifier, et ainsi proposer des représentations qui combattent les préjugés.

An International, Interdisciplinary Conference Organized by


SILC, Semiotic Interdisciplinary Laboratory on Cultures, Shanghai University and University of Turin

Co-Sponsored by

The Department of Chinese Language and Literature, Shanghai University, Shanghai, China

CIRCE, the Interdisciplinary Center for Research on Communication, University of Turin, Italy

The European Research Council (This project has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme (grant agreement No 819649 – FACETS).

Dall’esame delle definizioni del lessema ipocrisia e dei suoi equivalenti in varie lingue emergono due concetti diversi:” l’ipocrisia comportamentale”, una forma di imbroglio simulativo che usa l’azione per farsi accettare e intrappolare  chi ci crede, e “l’ipocrisia discorsiva”, che ha al centro l’occultamento di opinioni politiche e religioe. Il suo opposto è la parresia, studiata da Foucault, Si considera quindi lo sviluppo storico etimologico della parola, che nella cultura greca ha una deriva che la porta dall’”accezione di “separare, distinguere” a “intervenire in un dialogo”, fino al “recitare a teatro”. E’ su questa base che si costruisce, nel linguaggio evangelico, la nozione polemica moderna di ipocrisia, con pesanti connotazioni antigiudaiche.

From an examination of the definitions of the lexeme "hypocrisy" and its equivalents in various languages, two different concepts emerge: "behavioral hypocrisy", a form of simulative cheating that uses action to be accepted and trapped by those who believe in it, and " discursive hypocrisy ”, which has at its center the concealment of political and religious opinions. Its opposite is parrhesia, studied by Foucault. We therefore consider the historical etymological development of the word, which in Greek culture has a drift that leads it from the "meaning of" separate, distinguish "to" intervene in a dialogue ", up to to "acting in the theater". It is on this basis that the modern polemical notion of hypocrisy is built in evangelical language, with heavy anti-Jewish connotations.

Las fronteras tienen caras. No se trata solamente de atributos metafóricos, en el sentido de partes del espacio que una comunidad organizada dirige y muestra hacia lo exterior, sino de caras físicas, humanas, que contribuyen al funcionamiento semiótico de las fronteras como dispositivos creadores de comunicación espacial, geográfica, y política. Por un lado, las fronteras están habitadas por las caras de los hombres y de las mujeres que protagonizan estos entornos espaciales, o sea porque los presidian, o sea porque quieren cruzarlos, o incluso desafiarlos y destruirlos. Por otro lado, las caras se vuelven de sujetos objetos, a la vez en la iconografía de las fronteras (pinturas, fotografías, videos, películas, imágenes digitales) y en el control más y más automático de sus entornos. ¿Qué hacen las máquinas con las caras en las fronteras? ¿Quién está detrás de estos dispositivos de control bio-político, y qué forma de poder expresa? ¿De qué manera la pandemia de COVID-19 ha cambiado la presencia de las caras en las fronteras y el control que las máquinas ejercen sobre ellas? ¿En qué medida se desarrolla el proyecto bio-político de un control de las emociones que las caras expresan en el espacio físico, geográfico, y político de la frontera? ¿Nos espera un futuro en el que los dispositivos de control de las fronteras leerán en nuestros rostros no solamente nuestras identidades civiles, sino también nuestras emociones?

Hablar de márgenes permite imaginar las fronteras físicas o simbólicas de todo lo que este lenguaje hace posible. Se dice que la naturaleza del lenguaje es excluyente, principalmente bajo la noción de que afirmar algo implica, circunstancialmente, negar otra cosa. Han sido varios los autores que han insistido en revisar con cierto escrutinio lingüístico, histórico, filosófico y/o antropológico la manera en que nos relacionamos con el mundo y el entorno a partir del lenguaje. Nombrar las cosas va más allá de un proceso de categorización del mundo, involucra relaciones diversas de orden cognitivo, identitario y, por supuesto, de poder.

Le colloque "s'habiller pour travailler" qui s'est tenu à l'université Lumière Lyon 2 le 30 et 31 mars 2010 avait pour objet d'établir, une "anthropologie" du vêtement de travail, dans une perspective interdisciplinaire (histoire, ethnologie, sociologie, sciences de l'information et de la communication, sciences du langage...)
Le vêtement de travail y est traité au travers de ses fonctions de symbole, d'image ou de protection, et de ses valeurs, individuelle ou corporative, dans l'histoire comme dans la mode contemporaine.

Notre intervention aborde l'expérience du vêtement de travail à partir de la notion d'aisance vestimentaire, approchée à travers un prisme méthodologique qui mêlera les approches ethnographique, sémiotique et communicationnelle.

La notion d'aisance nous paraît en effet centrale pour qualifier ce qui se joue dans le choix d'un vêtement au travail. Elle ouvre plusieurs pistes dignes d'être investies :
- L'aisance est transversale, et n'est pas attachée à un type de vêtement particulier. Elle constitue à ce titre, en termes sémiotiques, une forme de vie qui se manifeste, notamment, par un système de corrélations entre l'expression (le vêtement) et le contenu (l'aptitude du sujet).
- L'aisance est évolutive : elle se manifeste dans un jeu de présence / d'absence, tributaire aussi bien des situations de travail que du degré d'incorporation du vêtement. Elle est une forme signifiante évolutive.
- L'aisance qualifie aussi bien un rapport vêtement / corps qu'un rapport individu / collectif (être à l'aise dans son vêtement, être à l'aise socialement). Elle est par conséquent un bon analyseur des normes à l'oeuvre en entreprise.

Y a-t-il une dimension performative du vêtement qui confère une aisance relationnelle à celui qui le porte ? A l'inverse, qu'est-ce qui se joue quand on ne se sent pas à l'aise dans son costume, son uniforme, etc.? Une expression comme "être à côté de ses baskets" montre bien le lien qui peut exister entre corps / vêtement / situation sociale.

En définitive, notre approche est caractérisée par une hypothèse forte : l'apparence construite par le vêtement au travail serait une fiction de la compétence du sujet. Il importe moins d'être "bien habillé" que d'être habillé avec pertinence… L'originalité de notre approche consiste ainsi à interroger les relations entre l'aisance et le professionnalisme, à partir d'une enquête de terrain menée dans le monde des agences de communication et de conseil en RH.

El ensayo se concentra en el caso de estudio uruguayo, de excepcional interés a la vez histórico e semiótico, del retrato del rostro de José Gervasio Artigas. Como no existe un retrato al natural del héroe nacional que lo represente en su juventud o en su madurez, y como el único retrato existente fue dibujado por Alfred Demersay en Paraguay cuando Artigas ya era muy mayor y en condiciones físicas precarias, la imagen arquetípica de su rostro se debe a una reconstrucción (y rejuvenación) de Juan Manuel Blanes, autor de la celebre pintura Artigas en la puerta de la Ciudadela (1884).
El viento caprichoso de la historia sopla a veces impetuoso, a veces con ráfagas sutiles como suspiros, y soplando encuentra paisajes, arboles, flores, animales, pero sobre todo hombres y mujeres, reproduciendo generación tras generación el destino de nuestra especie, e insinuándose entre sus cuerpos a lo largo de los siglos este viento inefable moldea lenguas, dibuja culturas, pinta gestos y palabras, un momento separando y el momento siguiente uniendo vidas, emociones, sueños, haciendo y deshaciendo comunidades, empujando los unos contra los otros en batallas sangrientas e interminables, o al revés sugiriendo caminos de dialogo y de paz, trazando y borrando fronteras, enfatizando o matizando límites, en un juego que no parece tener fin ni finalidad. A veces hombres o mujeres moldeados por este viento se iluminan de una luz distinta, se destacan del fundo ciego de la historia, se vuelven siluetas doradas, estatuas vivientes: comunidades enteras se cierran alrededor de estos héroes y de estas heroínas, se reconocen en sus vidas, su hazañas, sus valores y sus muertes, a través de ellos y ellas participan vicariamente en una humanidad diferente, más resplendente, cercana de lo divino, casi inmortal. Surge la necesidad de una cara, la cara del héroe o de la heroína, que no sea como la cara de los demás, sino pueda resistir al viento de la historia y dar aliento con su mirada a un mundo frágil de vidas cotidianas, nacimientos, casamientos, funerales, comidas y festejos, esperanzas y miedos. Los héroes nacionales fundan las naciones pero al mismo tiempo estas fundan a sus héroes atribuyéndoles no simplemente la cara con la que vivieron sino la cara con la que sobrevivieron, y resistieron al viento de la historia.

In societies that uncritically embrace and endorse a digitalization not only of memory but of the same idea of memory, déjà-vus manifest themselves as the impossibility of subtracting culture from a disquieting feeling of recognition. Similarly, a hallucinating culture is one that is not able to distinguish any longer between its fears and its current state. It is a culture in which fake news proliferates because individuals have lost contact with the capacity for distinguishing what is present to perception from what is presentified to it. The article carries on a cultural diagnosis of the abnormalities of present-day cultural memory and proposes some antidotes to them.

Lire Marin, bien sûr. Mais le regarder, la chose est moins évidente. Et pourtant, il a produit un grand nombre de dessins accompagnant ses études des systèmes de la représentation. Quelle place et quelles fonctions accordait-t-il à l’outil graphique dans l’enquête ? Comment dessin et écriture dialoguent-ils dans l’élaboration de l’analyse ? C’est en observant un certain nombre de dessins consacrés aux fresques de Pinturicchio à Spello ou de Filippo Lippi à Prato que ces questions sont affrontées.

The paintings painted by this poet are, in fact, the framework of life grapiúna, under his nostalgic look of an era in which the night had the chocolate filled in the streets of Itabuna and the mornings were populated with the rafts and with the laundresses in the Cachoeira river, the transvestite youths were in the afternoon in the Teatrinho ABC of the old square Camacan, and Jean Paul Sartre came to visit us with his companion Simone de Beauvoir. In each simple trait set on the canvases, a gesture of poetry that seeks to portray the images lived in the daily life of the artists or in their imagination as a poet. In each painted canvas, we find not only the simple features of Valdirene, but his own face, it is as if in painting she had painted herself, in a kind of self-portrait. In this work, we present some brief reflections about the work of this artist grapiúna.

Resumo:
Os quadros pintados por esta poeta são, na verdade, o enquadramento da vida grapiúna, sob seu olhar cheio de nostalgia de uma época em que a noite tinha o cheio de chocolate nas ruas de Itabuna e as manhãs eram povoadas com as jangadas e com as lavadeiras no rio Cachoeira, a juventude transviada se encontrava à tarde no Teatrinho ABC da antiga praça Camacan, e Jean Paul Sartre vinha nos visitar com sua companheira Simone de Beauvoir. Em cada traço simples deflagrado sobre as telas, um gesto de poesia que busca retratar as imagens vividas no cotidiano da artistas ou na sua imaginação de poeta. Em cada tela pintada, encontramos não apenas os traços simples de Valdirene, mas o seu próprio rosto, é como se em quadro ela tivesse pintado a si mesmo, numa espécie de autorretrato. Neste trabalho, apresentamos algumas brevíssimas reflexões acerca da obra desta artista grapiúna.

Industrial design has become a well-known and important discipline today.
Industrial design is a truly interdisciplinary field, encompassing engineering, social
sciences, economics and basic sciences. Overtime, the dynamics that affect the design
discipline have become more oriented towards user and product. As the technology and
the market develop, it has become ever increasingly difficult to impress the user with the
designed product.
It is necessary to give correct signals to the user with the designed product in order
to attract their attention. It is a difficult but important step to bring the user and designer
together at the same point. Accordingly this study thrives to explore whether semiotics
have been integrated into the industrial design profession and to what extent. To this end,
a survey with professional industrial designers in Izmir has been conducted to understand
their use of semiotics in their practice.
Keywords: Semiotics/Semiology, Industrial Design, Product Design, Education,
Industrial Design Proffesion

Во македонската книжевна критика и воопшто во современата македонска книжевност значајно место зазема Венко Андоновски – писател, поет, есеист, драмски автор, публицист и универзитетски професор. Овој труд претставува осврт кон книжевно-критичката и книжевно-теориската мисла што Андоновски ја презентира во книгата „Дешифрирања (литературни студии)“. Прво се презентираат општи податоци за творештвото на Андоновски, а потоа се елаборираат суштинските специфики на текстовите што се дел од оваа книга. Во заклучокот од овој труд се нагласува дека во книгата „Дешифрирања (литературни студии)“ се елаборираат суштински прашања од повеќе спознајни дисциплини како што се книжевната теорија со нејзините базни поддисциплини (наратологија, драматургија, теорија на поезијата), книжевната историја, книжевната критика, семиологијата и филозофијата.

In the context of contemporary art we are presented many objects and other spectacles under the pretense not only that they are works of art, but that they allude to ideological discourses that are not apparent in the work of art itself, nor in its museographic setting. In this text, we propose that there is no other meaning in the work of art than that which is materially encoded and there is no more discourse than that which is connected to some configuration physically present in the piece by means of a convention from the general culture that said work belongs to.

La plupart des textes de Roland Barthes sont le produit d’une commande – amicale, événementielle ou éditoriale. L’inscription dans un genre ou l’investissement d’un mode d’écriture s’appuie donc sur une situation de communication dont les paramètres sont bien déterminés et qui est elle- même guidée par une demande préalable, de sorte que dispositif générique et horizon d’attente s’entre-déterminent. Plus encore, les commandes passées à Barthes, avant d’être des livres, prennent souvent la forme d’articles dans des périodiques. Ce constat rappelle la dimension intrinsèquement circonstancielle de l’écriture barthésienne, propice à la relation d’actualité. L'article examine dans quelle mesure la pratique de la chronique peut rendre compte du cheminement de pensée et d’écriture de Barthes. Il apparaît que c’est l’ensemble d’un parcours intellectuel et professionnel qui peut ainsi être passé en revue(s).

Article on line, in French and in Spanish
This article commemorates the publication of Jacques Bertin's treatise : Semiologie graphique. The first edition of Jacques Bertin's seminal treatise, Graphic Semiology, Diagrams, networks, maps was published in 1967.  This work seems to have opened up a new field of knowledge, "graphic semiology", or the science of graphic representation of data. The expression was coined by the linguist and semiotician Georges Mounin, who welcomed the work with great praise in the pages of the newspaper Le Monde on March 16, 1968. He hailed Bertin as the "Saussure of graphic semiology". Why dwell on this publication, half a century later?

Il canto gregoriano, in quanto categoria storica, musicale ed epistemologica, è diventata una manifestazione performativa in cui l’interpretazione – intesa come tradizione e ricezione – si è evoluta in modi assai diversi sin dalle origini medievali fino ad oggi. La moderna opera di studio e restaurazione gregoriana – ovvero l’intenzione intellettuale di riportare la prassi esecutiva al suo stato primordiale – portata avanti da personaggi come Guéranguer o Cardine, si è fondamentata su un approccio semiologico che potrebbe considerarsi una forma di medievalismo esegetico in cui la grammatica gregoriana, intesa come la memoria e il significato di un segno, va oltre qualsivoglia possibilità espressiva e comunicativa della notazione musicale moderna. Sebbene molti manuali e trattati siano stati scritti sulla teoria notazionale di questo repertorio, sulla sua pedagogia, analisi e interpretazione, la semiologia in quanto disciplina medievalistica è in grado di rivelare solo parzialmente ciò che il canto gregoriano ha da dire, poiché i diversi modi in cui ha da dirlo, in cui può dirlo, e il perché di essi, va oltre i suoi confini naturali. Allora l’ermeneutica viene nel suo ausilio. Rampi e De Lillo (2019) nella loro opera “Nella mente del notatore. Semiologia gregoriana a ritroso” hanno fatto un grande tentativo di ricostruzione e approccio alla semiografia gregoriana non soltanto dallo studio della ricezione semiologica, ma elaborando una teoria innovativa di retroversione attraverso non di un trattato grammaticale in senso tradizionale, bensì dello sviluppo graduale del pensiero primordiale del trascrittore medievale. Una sorta di esercizio pratico-filosofico alla base dell’espressione semiologica gregoriana. Quindi, il presente studio cerca di capire i suddetti presupposti nell’opera di Rampi e De Lillo (2019) e comprendere in quale modo questi funzionino come base di una dimensione ermeneutica superiore negli studi sul canto gregoriano.

The goal of this chapter is to understand the role of Christian Metz’s work
in the history of theories of film editing, and in particular with respect
to alternation devices. The authors discuss how Metz’s propositions
(with the Grand Syntagmatique in particular) cleared up a great deal
of ambiguity around definitions of these editing devices. They examine
Metz’s syntagmatic analysis of the images in the film Adieu Philippine
(Jacques Rozier, F 1962) in order to identify three problems that the
Grand Syntagmatique’s ‘alternating’ techniques posed for him. These
three problems represent areas for future research that will have to be
pursued if new light is to be cast on the forms in which crosscutting
first emerged.

Le jouet est l’un des témoins privilégiés des changements sociaux : au centre des transactions familiales,
intimement lié à l’enfance, historiquement différencié entre les sexes, il permet de mettre au jour l'évolution
de la place de l’enfant au sein de la famille ainsi que les transformations des catégories de genre au fil du
temps. Dans cette perspective, les catalogues de jouets apparaissent comme un matériau particulièrement
riche à étudier : ces espaces de commercialisation sont autant de traces écrites permettant d'observer
l'évolution des pratiques culturelles et de consommation ainsi que les mouvances du genre et plus
spécifiquement les représentations sexuées qui accompagnent l’enfant, ses besoins et désirs supposés. A partir
de l'analyse d'un corpus constitué de catalogues de jouets d'enseignes diverses des années 1980 à nos jours,
nous focaliserons notre propos autour de trois axes : l’évolution de l’offre en matière de jouet, des catégories
« garçons » et « filles » et de leurs frontières respectives ; l’évolution du discours linguistique associé aux
jouets, en particulier des injonctions ; l’évolution du discours iconique. Nous verrons ainsi dans quelle mesure
le jouet, pris comme objet d'étude, permet de réinterroger les catégories de genre, leur construction et leurs
variations.

Cette thèse a pour origine le constat de la non prise en charge des ouvrages se caractérisant par leur seule iconicité scripturale en histoire du livre et de l’édition ainsi que de l’absence de définition d’une catégorie les regroupant aussi bien dans cette discipline qu’en littérature, histoire du graphisme, sémiotique ou histoire de l’art. Notre première hypothèse est que cette catégorie correspond au « livre graphique ». C’est par les littéraires, soit dans une approche par auteur, soit à travers l’étude de la poésie visuelle, que certains de ses ouvrages ont été abordés, avec les lacunes inhérentes à la discipline. Il nous a donc semblé essentiel d’adopter un point de vue pluridisciplinaire, en insistant sur l’histoire des techniques. Cette exigence nous a permis de distinguer au sein du « livre graphique », le livre (typo)graphique, au côté du livre (calli)graphique, (dactylo)graphique, etc., et de choisir de nous consacrer à la première sous-catégorie, afin de défendre notre deuxième hypothèse : le sursaut de la création typographique, réaction à son industrialisation de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années 1980. Aux incunabula typographiae répondrait donc cinq siècles plus tard un livre(typo)graphique comme « ultima typographiae ».La première partie consiste en une identification théorique du livre (typo)graphique. Une enquête historiographique analyse les barrières épistémologiques à la considération critique de notre objet tout en dégageant nos outils conceptuels : les thèses de Johanna Drucker et d’Anne-Marie Christin. Suivent une histoire du livre (typo)graphique puis la définition d’un ensemble de traits génériques et typologiques.La deuxième partie consiste dans la recherche des producteurs de livres (typo)graphiques par le prisme des auteurs. Le premier chapitre se fonde sur l’histoire littéraire, et procède donc par mouvement. Cette méthode présente toutefois deux écueils. D’abord, la spécificité de l’objet d’étude - le livre et non pas le texte graphique - implique une approche technique mais aussi génétique sur le plan éditorial que favoriserait plutôt un biais par éditeur.
D’autre part, il ressort qu’un certain nombre d’auteurs de livres (typo)graphiques n’ont paradoxalement pas été retenus par ce premier tamis. Ceci nous permet d’énoncer deux nouvelles hypothèses. Premièrement, le livre(typo)graphique semble aussi caractéristique d’auteurs impliqués dans le discours sur l’art et l’évolution de l’appropriation de ce dernier par les poètes, une des causes du développement de notre objet. Il s’agit donc dans le deuxième chapitre de mettre en évidence le fil rouge reliant les productions de Claudel, Segalen, du Bouchet et Tardieu pour conclure au caractère d’« appropriation » littéraire de procédés picturaux de leurs livres (typo)graphiques. Deuxièmement, nous proposons une équivalence entre le livre(typo)graphique de ces auteurs et la « peinture lettrée », en nous fondant sur leurs textes critiques et transpositions d’art et sur la dernière thèse d’A.-M. Christin.
Au terme de la deuxième partie, il ressort que la grande majorité des livres (typo)graphiques identifiés n’a pas été embrassée. La troisième partie consiste dans un balayage par le biais des éditeurs. Un résultat beaucoup plus fructueux permet de proposer une cinquième hypothèse : le livre (typo)graphique est principalement un livre d’éditeur.
Le premier chapitre met en avant cinq évolutions de ce producteur de 1890 aux années 1980. Dans le dernier chapitre, nous nous penchons sur la production du « poète-typographe ». On établira un lien de causalité entre la maîtrise totale de la chaine de production de cet ouvrier-homme de lettre, et le fait qu’il soit le plus important contributeur de livres (typo)graphiques.
Parvenue à son terme, cette thèse vise à constituer une contre-histoire du livre illustré ou un complément à celle du livre de création.

Nuestro viajero pasea por calles feas, come en bares feos, compra por tiendas feas, encuentra por todo lado personas feas, pero al rodearse de esta fealdad siente como un brote de felicidad en su pecho, una felicidad que no podría experimentar paseando por las ramblas, o entrando en los bares de copas a la moda de Sant Antoni, o comprando ropas de diseño el El Born. Este brote de felicidad le dice: todo lo que te rodea es feo, pero es verdaderamente tuyo. Es horrible, en el sentido que es estéticamente opuesto a todo lo que la historia y la cultura te empujan a desear, pero es auténtico. Lo feo no se presenta como feo y tampoco se suele sospechar que lo haga. Lo feo es feo fenomenológicamente porque lo es ontológicamente. La belleza auténtica puede ser una mentira (como en una famosa serie de anuncios publicitarios de Dove), pero la fealdad auténtica no: no deseando gustar de ninguna manera a nadie, lo feo transmite a quien lo elija un momento de presencia absoluta: yo estoy aquí, en este lugar horrible, pero este lugar no me miente, no me propone nada y tampoco me pide nada: este lugar feo sencillamente es, como un dios primitivo.

Cette étude s'intéresse à l'espace utopique dans le théâtre de Marivaux. Il s'agit d'une lecture sémiologique,
inspirée de Lire le théâtre d'Anne Ubersfield, de trois pièces théâtrales de Marivaux (L'Île de la Raison, L'Île des
Esclaves, La Colonie). Nous tentons, tout d'abord, d'étudier le mot "île", son symbolisme et ses significations
dans la pièce pour pouvoir analyser l'espace scénique et son investissement à la lumière de l'analyse
sémiologique pour représenter les fondements des sociétés idéales proposées par le dramaturge. Cette approche
sémiologique nous permet de décrire et d'interpréter le symbolisme de l'espace théâtral et son fonctionnement en
relation étroite avec l'espace utopique. De plus, cette approche nous permet de faire une lecture tridimensionnelle
de l'espace utopique.

Hay distintas maneras de escribir la historia del arte y de sus imágenes. En la tradición occidental, el relato de la pintura se origina en el siglo XVI como discurso que relaciona unas biografías de artistas con sus obras más importantes, juzgadas según el gusto personal del autor (Giorgio Vasari); a partir del siglo XIX, y sobre todo en consecuencia del enorme impacto de la teoria evolucionista de Charles Darwin sobre la cultura, teóricos como Alois Riegl, Gottfried Semper, o Aby Warburg empiezan a deshacer y reconstruir este relato de otra manera, como si las imágenes fueran organismos que encarnan en sus formas el paulatino pero inexorable cambio de la imaginación humana y de sus expresiones. En la segunda mitad del siglo XX, el aporte principal de la semiótica al estudio de las imágenes artísticas consiste en considerarlas como proyectos de comunicación en los que unas formas determinadas producen unos efectos especificos de sentido, según el contexto de recepción pero también a partir de un sentido visual común compartido por una “comunidad de interpretes” (Umberto Eco). Al mismo tiempo, la semiótica del arte se enfrenta con una dificultad mayor: no es posible reconstruir un código, y aún menos una gramatica, que formalize la manera en la que una cultura lee sus imágenes (Omar Calabrese). Las variables subjetivas y conceptuales son tan numerosas que todo proyecto de modelo universal es destinado a fracasar. Sin embargo, a partir de una intuición de Algirdas J. Greimas, desarrollada por Jean Marie Floch et Felix Thuerlemann, las imágenes del arte se pueden interpretar no solamente en su dimensión figurativa, o sea como conjuntos de formas que se refieren a la “macro-semiótica del mundo”, sino también en su dimensión plástica. Es esta la “vida secreta de las imágenes”, un hormigueo de lineas, formas, colores, y configuraciones espaciales que está debajo de las figuras y las anima. Analizar esta vida secreta permite sondear el nivel más profundo de las imágenes del arte, donde las culturas visuales expresan su contenido antropologico más universal y se manifiesta, por lo tanto, la posibilidad de una gramática transcultural, de una descripción general del funcionamiento plástico de las imágenes. Durante las tres conferencias, cada una dedicada a un aspecto distinto del nivel plástico de las imágenes, se intenterà comprobar esta hipótesis de trabajo semiótico con referencia a un corpus trans-cultural de imágenes provenientes de varias epoca históricas y areas geo-culturales.

Il coraggio della contaminazione ragionata fra discipline e il coraggio dell’esemplificazione trasversale si uniscono, in Omar Calabrese, con il coraggio della teorizzazione. Abbracciare con un unico sguardo, all’interno di un volume densissimo ma pur sempre limitato, l’intera produzione culturale di un’epoca, o perlomeno delle sue linee di tendenza più evidenti, richiedeva infatti un’ipotesi di lettura articolata ma forte, che consentisse a Calabrese d’innestare su un nucleo comune una molteplicità multiforme di manifestazioni del senso. L’ipotesi che l’autore trovò per realizzare questa complessa strategia interpretativa è proprio quella che dà il titolo al volume, ovvero il neobarocco. Questa ipotesi si può oggi valutare secondo due criteri.

JOLY, Martine. Introduction à l’analyse de l’image, Paris, Edition Armand Colin, 2011, 124 p.
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Cet ouvrage contient quatre chapitres et huit sous-chapitres :
1- Qu’est-ce qu’une image
a) La notion d’image : usages et significations
b) L’image et la théorie sémiotique
2- L’analyse de l’image : enjeux et méthode
a) Prémisses de l’analyse
b) L’image, message pour autrui
3- Image prototype
a) Image de pub
b) Exemple d’analyse d’une pub
4- L’image et les mots.
a) Quelques préjugés
b) Interaction et complémentarité

Nous nous proposons de le résumer au vingt-cinquième. Pour cela, nous procéderons par chapitres.

What does Saussure really mean by "semiology"? This is the question we try to answer in this text. In fact, reading his writings and notes, we realize that Saussure uses the term "semiology" in di erent contexts and with di erent meanings. So the notion of "semiology" issued from his works is more complex than it seems because it undergoes several transformations throughout the development of Saussurian thought. The term "semiology" never appears in the texts published during in his lifetime, but we find several mentions of this notion in the manuscript sources that make up the Saussurian corpus. While this term appears first during the period between 1881 and 1891, especially in all the documents known under the title of Phonétique (1881-1885), in the Gothic lessons (1885-1886), and in the manuscript "De l'essence double du langage" (1891), the notion of "semiology" is presented to the public in the Cours de linguistique générale with a very precise meaning that has been taken up in Adrien Naville's Nouvelle Classification des sciences (1901). Then, after the publication of a large part of Saussure's autograph writings, Ecrits de linguistique générale (2002), we can return to this notion not only to trace its genesis, but also to better understand its complexity. And this is what we propose to do in this article.

كتاب ينقسم في ثلاثة محاور:
1. سيمياء اللباس (الأسئلة المرتبطة باللباس وأساليبه وظروف لبس كل منها)
2. الهيئات وما يرتبط بها من التحيات والاستقبال
3. الإشارات والإيماءات (الأوامر والطلبات، المشاعر والاحاسيس، الصفات والأحوال)
The book is in three chapters:
1. Semiotics of clothing
2. Postures
3. Gestures and NVC

Philippe Hamon - "Pour un statut sémiologique du personnage / Hacia una constitución semiológica del personaje" (Notas bilingües)

Notas extraídas del artículo de  Philippe Hamon, "Pour un statut sémiologique du personnage." Segunda versión, aparecida en Roland Barthes et al., Poétique du récit (Paris: Editions du Seuil, 1977). 115-180.

Notes extraites de l'article de  Philippe Hamon, "Pour un statut sémiologique du personnage." Deuxième version, parue dans Roland Barthes et al., Poétique du récit (Paris: Editions du Seuil, 1977). 115-180.

L'enigma dei volti artificiali è che non esistono volti completamente naturali, eppure non esiste volto che non sia anche naturale. I simulacri di volti, indi-pendentemente da come vengano creati-disegno, pittura, scultura, fino alle creazioni algoritmiche delle reti neurali-in fondo devono sempre basarsi su volti biologici preesistenti in qualche tempo, in qualche spazio e in qualche modo. Al contempo, ognuna di queste facce biologiche presenta un fenotipo che è influenzato dal linguaggio, dalla cultura e dalla moda, a inclusione della stessa moda dei simulacri facciali. I nostri ritratti rimandano a volti naturali, ma questi si atteggiano spesso prendendo quelli a modello. Lo studio semioti-co del volto non può però limitarsi a proclamare questo enigma. Deve anche sviscerarlo. Deve, per ogni categoria e caso di volto significante, delineare la soglia tra natura e cultura, trasmissione genetica e linguaggio.

A comparison of two theoretical trends in cartography, Map Design and "semiologie graphique", following the works of Arthur H. Robinson (in the US) and Jacques Bertin (in France). The paper questions their development, respective influence and relationships (or absence of relationships)

Edebî metinler çok katmanlı anlamsal yapıya sahiptir. Bu bağlamda şiirler farklı yöntemlerle incelenip çözümlenmeye, derin yapıdaki anlamları ortaya çıkarılmaya ve üzerinde çalışıldıkça yeni anlamlar
oluşturmaya açık türlerdir. Metin çözümlemesi geçmişten günümüze yazar odaklı olarak gelişmektedir. Göstergebilimsel çözümleme
yöntemleri ise metne okur odaklı olarak bakmaktadır. Metin incelenirken yazarın hayatı, yaşadığı yer, yaşadığı toplum, dönemin olayları gibi unsurları gözardı etmek mümkün olmasa da asıl önemli olanın metni
okuyan okuyucunun, o anda neler düşünebileceği, metinden neler anlayacağıdır. Metne bu gözle bakmak,derin yapıdaki anlamsal oluşumu ortaya çıkarmak için uygulanacak en önemli yöntemdir. Bu çalışmada Âşık Seyrânî’nin “Can İpini Ten Yününden” isimli şiiri göstergebilimsel yöntemlerle, kesitlere ayrılacak, okura mesaj veren, derin yapıda farklı anlamsal çağrışımlar yapan metaforlar tespit edilip incelenecek, Greimas gibi bazı göstergebilimcilerin çözümleme yöntemleri kullanılarak eserin derin yapıdaki anlam haritaları ortaya çıkarılmaya çalışılacaktır.
Anahtar Kelimeler: Seyrânî, göstergebilim, çözümleme, derin yapı
Literary texts have a multi-layered semantic structure. In this context, poems are open to analysis with different methods, to reveal their deep meaning and to create new meanings as they are studied. Text analysis is developing from the past to the present with a focus on authors. Semiotic analysis look at the text as reader oriented. While it is not possible to ignore the author’s life, place of residence, society and
events of the period, the important thing is that the reader who reads the text can understand what he or she can think of at that moment. From this point of view, it is the most important method to reveal the semantic
formation in the deep structure. In this study, Seyrânî’s poem titled “Can İpini Ten Yününden” will be divided into sections by semiotic
methods, metaphors that give message to the reader, make different semantic connotations in deep structure, and the semantic maps of the work in order to reveal the semantic structures of the work using Greimas. It will be studied.
Keywords: Seyrânî, semiotics, analysis, deep structure

Signatim è termine raro. Compare in un passo attribuito all’autore Caio, all’interno dei cosiddetti Gromatici veteres, una raccolta di testi di agrimensura compilata nel V secolo d.C. “Gromatico” è infatti tutto ciò che si riferisce alla misurazione, divisione, e rappresentazione di terreni. Il termine deriva da “groma”, uno strumento che gli Etruschi prima, e poi i Romani, utilizzarono per tracciare sul territorio allineamenti ortogonali, necessari per la delimitazione di nuove città, quartieri, e strade, ma anche per suddividere il terreno in quadrati o rettangoli, e renderne così calcolabile la superficie.
Nel passo di Caio si descrive una tecnica gromatica. Al fine di poter identificare anche in futuro i paletti interrati che delimitano il terreno, è necessario contraddistinguerli con un segno a forma di stella, la cosidetta “stella junior”. In questo contesto, “signatim” è dunque avverbio che designa la scrittura e la lettura di segni nella delineazione di frontiere. Quale parola più appropriata per evocare il lavoro della semiotica della cultura, la quale pure si occupa dei segni, delle tracce, delle marche che gli individui e le società producono nell’istituire la diversità? Per cartografare non colture ma culture, non gromatiche ma grammatiche, riconducendone le forme esuberanti all’ortogonalità di strutture soggiacenti?

Este artigo propõe uma reflexão teórica a respeito da descrição da moda como um sistema de significação, considerando também sua relação com a sociedade. Com base em pesquisa bibliográfica, são explorados autores como Lipovetsky (1989, 2007 e 2015), Serroy (2015), Calanca (2011) e Barthes (2009), para aproximar e relacionar conceitos como hiperconsumo, moda consumada e sistemas de significação. Dentre as conclusões deste trabalho está a que o sistema da moda comunica o espírito de um tempo, uma vez que opera segundo uma dinâmica de efemeridades.