Vanguardias Artísticas

El pintor y escritor Gabriel García Maroto coordinó la publicación del Almanaque de las artes y las letras para 1928, que se editó ese mismo año en Madrid. Por sus páginas, con una clara vocación de diálogo ibérico, desfilan muchos de los escritores y artistas plásticos más importantes de los diferentes espacios culturales de la península ibérica, en diálogo con voces destacadas del panorama internacional.

La experiencia de la ciudad moderna europea de las primeras décadas del siglo XX se proclama como el gran catalizador de diversas expresiones artísticas dentro el futurismo, el expresionismo, el suprematismo, el constructivismo y el cubismo. Así, el estímulo de la metrópolis será el gran tema sobre el que el artista de la primera mitad de siglo XX se volcará a reflexionar sobre su composición y complejidad.

Guillermo de Torre encarna una de las personalidades más ricas del ámbito cultural hispánico. Promovió la llegada a España del impulso renovador de la vanguardia con su papel este-lar en el ultraísmo, participó en la forja de revistas tan señeras como La Gaceta Literaria o Sur y fraguó, al lado de Gonzalo Losada, la fundación de un sello editorial de enorme prestigio y transcendencia. Estrechó lazos de amistad con lo más granado de la literatura y el arte contemporáneo y se empeñó en construir puentes de diálogo entre España y América. Por desgracia no acabó de redactar unas memorias en las que ocasionalmente se vio enfrascado y para las que incluso elaboró un índice muy detallado. Sin embargo, esos textos, en su mayor parte inéditos, sumados a otros manuscritos conservados en su archivo y fragmentos de sus obras en los que se advierte un claro perfil autobiográfico permiten recomponer un itinerario intelectual y vital de enorme valor en el que, además, se refleja la silueta de un tiempo tan convulso y a la par tan incitante como lo es el siglo xx.
Guillermo de Torre (Madrid, 1900-Buenos Aires, 1971). Fue el crítico literario mejor informado de su tiempo, dueño de una pluma ligera, versátil y sugestiva. Hizo de la literatura profesión de fe y elevó la crítica al nivel de otras ramas artísticas más reputadas. Desplegó sin tasa su enorme talento en infinidad de artículos, muchos de ellos recogidos posteriormente en libros y antologías. Obras suyas como Literaturas europeas de vanguardia, La aventura y el orden, Problemática de la literatura o Historia de las literaturas de vanguardia se cuentan entre lo más granado del fructífero siglo xx español.
Pablo Rojas. Profesor de literatura en el IES Padre Juan de Mariana de Talavera de la Reina. Su tesis doctoral se centra en la figura de Guillermo de Torre. La vanguardia ha ocupado parte de su quehacer investigador con la publicación de libros como Ernesto López-Parra, el ultraísta remolón o Poetas de la nada. Huellas de Dadá en España. Junto a Carlos García prepara la edición anotada del epistolario intercambiado entre Ricardo Gullón y Guillermo de Torre y coordina un Dossier en el que varios especialistas indagan en la poliédrica figura del autor de Literaturas europeas de vanguardia.
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Renacimiento biblioteca de la memoria.

RESUMEN La historiografía cubista desarrollada a lo largo de los años sesenta y setenta insiste en fechar el desarrollo del movimiento entre 1907 y 1914. Sin embargo, esta datación, dando por hecho que el estallido de la guerra dispersa a artistas y marchantes, pasa por alto una realidad que algunas publicaciones de los años ochenta y posteriores tratan de poner en evidencia: la continuación del cubismo por parte de una serie de artistas ya cubistas con anterioridad a la guerra y de la talla de Juan Gris, Georges Braque o Fernand Léger, a los que se unen otros que aportarán nuevas vías de investigación como son Jacques Lipchitz o Henri Laurens, todos ellos al amparo de un joven marchante francés, Léonce Rosenberg, y su galería L'Effort Moderne. ABSTRACT The history of Cubism established during the nineteen sixties and seventies that the movement developed between the years 1907 and 1914. This date however, due to the outbreak of the war, which meant that artists and art-dealers were dispersed around the world, ignores a fact which some publications during the nineteen eighties attempted to point out: the continuation of cubism by certain artists who had already been cubists before the war such as Juan Gris, Georges Braque or Fernand Léger, in addition to others who were to join them and contribute new lines of investigation such as Jacques Lipchitz or Henri Laurens, all of whom were supported by a young French dealer, Léonce Rosenberg and his gallery L'Effort Moderne. PALABRAS CLAVES: Cubismo, Historiografía. KEY WORDS: Cubism, Historiography. Diversas y enormemente amplias pueden ser las vías de investigación que se nos abren cuando hablamos de cubismo, así como enormemente vasta es la bibliografía que se ha dedicado al tema desde la propia época de formación del movimiento hasta nuestros días. Sin embargo, y aunque parezca imposible, aún hay reductos poco estudiados dentro del marco del cubismo. Sin salir del París que lo vio nacer, sin lugar a dudas no será la época heroica del cubismo la que esté falta de investigación; y por el contrario no podemos decir lo mismo de lo

Resumen: El estridentismo, movimiento cultural de vanguardia de la década de 1920, tuvo su auge en la ciudad de Xalapa, Veracruz, en el periodo de 1925 a 1927; sin embargo, los estudios del movimiento han dado poca atención a la relación entre ello y la particularidad de la historia regional. En este artículo se analiza el estridentismo como parte integral del proyecto modernizador de la administración del
general Heriberto Jara, destacando algunos aspectos clave, como la urbanización, el deporte, la comunicación y algunos conflictos políticos, particularmente el petrolero, trascendente tanto a nivel regional como nacional y transnacional.

Resumen:
La crisis de las vanguardias y el debate Modernidad – Posmodernidad.
En el presente artículo se debaten las propuestas filosóficas que parten de la constatación de un presente caracterizado por una "estetización generalizada" y de la afirmación del carácter ficcional de la realidad. Se da cuenta de la reconfiguración del arte como paradigma de la posmodernidad, como su clave hermenéutica, con la consiguiente revitalización que para la filosofía significa el salir del estrecho ámbito en que permanecía recluida por el paradigma cientificista aceptado y canonizado por la tradición moderna. También se intenta mostrar cómo la expansión de las categorías estéticas proporciona el único paradigma posible en las nuevas condiciones de nuestro trato con la realidad.  Así, nuestra concepción -posmoderna- de la realidad, nuestra "filosofía primera", se ha vuelto, en un sentido elemental, estética. "Filosofía primera" es el título de aquel capítulo de la ciencia en donde se hacen las afirmaciones fundamentales sobre la realidad. Metodológicamente, al ocuparnos del problema de la crisis de la modernidad y de la naturaleza del así llamado momento postmoderno, estaremos dando cuenta de cómo el devenir de los movimientos artísticos jamás ha sido indiferente o ajeno a la marcha y desarrollo de las ideas o de lo que llamamos pensamiento filosófico y viceversa.
La presente entrega es una versión revisada y ampliada de un Ensayo publicado bajo el mismo título -La crisis de las vanguardias y el debate Modernidad – Posmodernidad- en  “Arte, Individuo y Sociedad”1 Revista  de la Facultad de Bellas Artes de Universidad Complutense de Madrid – Año 2005 – vol. 17.ISSN 1131-5598 pp.133 – 154 y reproducida tanto en “Suma” Revista Científica de Estudios Histórico-artísticos, Málaga, Nº 2, de 2005, como en “Ábaco”, Revista de Cultura y Ciencias Sociales, 2005, Número doble 44-45, Editada por CICEES, Gijón (Asturias),asociada a ARCE y FIRC (Federación Internacional de Revistas Culturales) pp.141-153.

ya estaba presente» ZÚRICH 28 HANS ARP-Relieve dadá 3 0 HANS ARP-Collage ordenado según las leyes del azar 3 2 HANS ARP-Cuadro i BERLÍN 3 4 RAOUL HAUSMANN-Tatlin vive en casa 3 6 RAOUL HAUSMANN-El crítico de arte 3 8 RAOUL HAUSM ANN-Cabeza mecánica (Espíritu de nuestro tiempo) 40 RAOUL HAUSM ANN-ABCD 4 2 HANNAH HÓCH-Da Dandy 44 HANNAH HÓCH-El cuchillo de cocina dadá saja el vientre cervecero de la última época cultural Weimar de Alemania 4 6 HANNAH HÓCH-Mis lemas domésticos 48 G EORGE GRO SZ-El culpable permanece anónimo 50 G EORGE GRO SZ-Daum se desposa con su pedante autómata «George» en mayo de 1920, John Heartfield lo celebra (Const. Meta-mee. según prof. R. Hausmann) 52 JOHN HEARTFIELD (en colaboración con GEORG E G RO SZ)-Tierra soleada 54 JOHN HEARTFIELD-Portada de «Der Dada 3» 56 JOHANNES BAADER-El autor del libro «Catorce cartas de Cristo» en su hogar 58 JOHANNES BAADER-Gran Plasto-Dio-Dadá-Drama HANNOVER 6 0 KURT SCH W ITTERS-El cerdo estornuda hacia el corazón 62 KURT SCH W ITTERS-Sin título (mayo 191) 64 KURT SCH W ITTERS-Imagen Merz 29A. Imagen con ruedecilla 66 KURT SCH W ITTERS-Dibujo i COLONIA 6 8 MAX ERNST-Fruto de una larga experiencia 70 MAX ERNST-el dormitorio del amo vale la pena pasar en él una noche 72 MAX ERNST-maquinita construida por el propio minimax dadamax 74 MAX ERNST-el ruiseñor chino 76 JOHANNES TH EO D O R BAARGELD-El rey rojo 78 JOHANNES THEO DO R BAARGELD-Venus en el juego de los reyes NUEVA YORK

Resumen /Abstract El interés por la gastronomía en los medios no es una moda pasajera, sino la consecuencia de que la cocina-o al menos la que denominamos de vanguardia-se ha convertido en una nueva forma de arte. Por primera vez en la historia, la cocina-vinculada siempre con la tradición y la artesanía-es un fiel reflejo, como otras formas de arte, del marco conceptual en el que ha nacido, la postmodernidad. Por una parte es abiertamente globalizadora, tanto en los ingredientes como en las técnicas. Por otra, aun enmarcados en un mismo estilo, la diversidad de enfoques de los cocineros adheridos a esta tendencia se corresponde con el pensamiento débil que caracteriza a la postmodernidad.

Erik Satie ha sido una de las figuras más influyentes en la música y la cultura del siglo XX. Su postura antiacadémica favoreció la renovación del lenguaje musical –anticipándose a corrientes y técnicas como el minimalismo o el piano preparado–, mientras que su concepción del arte –entendido como objeto cotidiano y desligado de todo trascendentalismo– constituyó un punto de partida para el desarrollo de las primeras vanguardias.
Artistas que trabajaron en su órbita –como Picasso, Cocteau, Massine, Picabia o René Clair– se dejaron seducir por su personalidad. Desde entonces y hasta fechas muy recientes, su huella ha estado presente en diferentes autores procedentes de los ámbitos de la música, las artes plásticas, la danza, la literatura, el cine, el videoarte y la fotografía. Pero además, tras la Segunda Guerra Mundial, el compositor francés fue objeto de una relectura, convirtiéndose en uno de los precursores de las segundas vanguardias. En definitiva, y pese a ser visto como un músico marginal, Satie fue uno de los artistas que mejor contribuyó a edificar las bases de la modernidad, inspirando a creadores de muy diferentes épocas y disciplinas.
Concebido como continuación del encuentro celebrado en Montpellier en octubre de 2019, el Coloquio internacional "Música en los márgenes: reflejos de Erik Satie en la creación artística" pretende reunir a investigadores y especialistas para analizar desde diferentes puntos de vista cuáles fueron las aportaciones del músico francés, qué huellas ha dejado en la creación artística contemporánea y qué otras propuestas afines surgieron en los márgenes de la cultura oficial.

Capítulo do livro "Desigualdades globais e sociais em perspectiva temporal e espacial", org. por Norberto O. Ferreras. A partir da análise da prática da colagem na obra de Rosana Paulino, o texto discute o papel do arquivo e do historicismo na construção de desigualdades nos protocolos de visualidade, bem como na atribuição de teor e função reducionistas à produção e recepção da arte afro-brasileira.

E-book gratuito disponível em: https://lojahucitec.com.br/produto/desigualdades-globais-e-sociais-em-perspectiva-temporal-e-espacial-norberto-o-ferreras-org/

En el Salón de Otoño de París Le Corbusier dio a conocer sus inquietudes y sus propuestas, sirviéndose de los más variados vehículos expresivos. Concurrió al Salón en múltiples ocasiones entre 1908 y 1929, recorriendo el camino del arte-paisaje a la arquitectura y, dentro de ella --en un orden inverso, anti-clásico--, de la gran escala o escala urbana a la escala edificatoria y a la pequeña escala de los espacios interiores y el amueblamiento.
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Paris's Salon d'Automne was the place chosen by Le Corbusier to raise awareness of its concerns and proposals, using the most varied expressive vehicles. Le Corbusier attended the Salon on multiple occasions between 1908-1929, going on from art-landscape to architecture and to small scale of interiorism and furnishing, within an inverse, anti-classical order.

espanolEste estudio analiza los resultados obtenidos tras el diseno e implementacion de una unidad didactica sobre las vanguardias artisticas en la asignatura de Historia del Arte de 2.o de Bachillerato basada en el pensamiento historico, los contenidos actitudinales y la visibilidad de las mujeres artistas. Posteriormente, se analizo la informacion recogida antes y despues de la aplicacion de la unidad didactica de innovacion. Los resultados obtenidos nos indican que el alumnado ha desarrollado una vision mas completa de las vanguardias artisticas, su contexto y la finalidad de las obras, facilitando su comprension. Ademas, esta metodologia innovadora ha permitido que el alumnado conozca otra historia del arte, donde las mujeres artistas tienen su papel, ademas de trabajar contenidos procedimentales y actitudinales, participar mas en las clases y adquirir conceptos de segundo orden. EnglishThis study analyzes the results obtained after the implementation of a didactic unit on the a...

ADVERTIMENT. La consulta d'aquesta tesi queda condicionada a l'acceptació de les següents condicions d'ús: La difusió d'aquesta tesi per mitjà del servei TDX (www.tdx.cat) i a través del Dipòsit Digital de la UB (diposit.ub.edu) ha estat autoritzada pels titulars dels drets de propietat intel·lectual únicament per a usos privats emmarcats en activitats d'investigació i docència. No s'autoritza la seva reproducció amb finalitats de lucre ni la seva difusió i posada a disposició des d'un lloc aliè al servei TDX ni al Dipòsit Digital de la UB. No s'autoritza la presentació del seu contingut en una finestra o marc aliè a TDX o al Dipòsit Digital de la UB (framing). Aquesta reserva de drets afecta tant al resum de presentació de la tesi com als seus continguts. En la utilització o cita de parts de la tesi és obligat indicar el nom de la persona autora. ADVERTENCIA. La consulta de esta tesis queda condicionada a la aceptación de las siguientes condiciones de uso: La difusión de esta tesis por medio del servicio TDR (www.tdx.cat) y a través del Repositorio Digital de la UB (diposit.ub.edu) ha sido autorizada por los titulares de los derechos de propiedad intelectual únicamente para usos privados enmarcados en actividades de investigación y docencia. No se autoriza su reproducción con finalidades de lucro ni su difusión y puesta a disposición desde un sitio ajeno al servicio TDR o al Repositorio Digital de la UB. No se autoriza la presentación de su contenido en una ventana o marco ajeno a TDR o al Repositorio Digital de la UB (framing). Esta reserva de derechos afecta tanto al resumen de presentación de la tesis como a sus contenidos. En la utilización o cita de partes de la tesis es obligado indicar el nombre de la persona autora. WARNING. On having consulted this thesis you're accepting the following use conditions: Spreading this thesis by the TDX (www.tdx.cat) service and by the UB Digital Repository (diposit.ub.edu) has been authorized by the titular of the intellectual property rights only for private uses placed in investigation and teaching activities. Reproduction with lucrative aims is not authorized nor its spreading and availability from a site foreign to the TDX service or to the UB Digital Repository. Introducing its content in a window or frame foreign to the TDX service or to the UB Digital Repository is not authorized (framing). Those rights affect to the presentation summary of the thesis as well as to its contents. In the using or citation of parts of the thesis it's obliged to indicate the name of the author.

Nuestra sociedad contemporánea a nivel global está afincada sobre un modelo cultural, económico y de producción que  se  sostiene  desde  el  exacerbado  fenómeno  del  consumo,  dando  forma  a  lo  que  entendemos  como  Sociedad  de  Consumo.  Esté  fenómeno  tuvo  sus  inicios  durante  la  industrialización  en  todo  el  mundo,  pero  sus  fórmulas  y  modelos  para  acceder  a  la  población  generalizada  del  mundo  están  reflejados indudablemente en la producción y consumo  masivo  de  los  objetos  de  diseño.  En  este  documento  proponemos  reflexionar a partir de un aparato teórico cómo es que, desde las enseñanzas y la sensibilidad que el arte propone en el  observador,  se  fue  matizando  a  los  objetos  de  diseño  masivo  para  generar  el gran dominio contemporáneo con el que hoy cuentan sobre la sociedad y sus conductas habituales.
Our  contemporary  society  at  a  global  level  is  based  on  a  cultural,  economic  and production model that is sustained from  the  exacerbated  phenomenon  of  consumption,  shaping  what  we  understand  as  a  Consumer  Society.  This  phenomenon had its beginnings during industrialization throughout the world, but  its  formulas  and  models  to  access  the generalized population of the world are  undoubtedly  reflected  in  the  mass  production and consumption of design objects.  In  this  document  we  propose  to  reflect  from  a  theoretical  apparatus  how  it  is  that,  from  the  teachings  and sensitivity that art proposes in the observer,  massive  design  objects  were  nuanced to generate the great contemporary domain that they now have over society and its habitual behaviors.Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-CompartirIgual 4.0 Internacional

Desde los años 60 del siglo XX hasta nuestros días la performance ha sido uno de los campos más controvertidos de la práctica artística. Muchos artistas desbordan todo tipo de convenciones utilizando las técnicas del grabado más tradicional para darles una aplicación performativa y, aunque encuentra muchos detractores, se trata de una realidad contemporánea que cada vez alcanza mayor repercusión plástica y filosófica. La estampa performativa es una reacción de profundo rechazo al mercantilismo que supone la gráfica hiper-estetizada sustituyéndola por algo más comprometido y conceptual.En inglés Performance quiere decir actuación, representación.Este términofue difundido en los años 50 por John Cage para referirse a un tipo de acción artística que reunía varios medios expresivos dispares: teatro, danza, fotos, poesía, música… Tuvo su precedente en las veladas dadaístas del Cabaret Voltaire de
Zurich y alcanzó su auge en los años 60 y 70 del siglo pasado.En los años 80 pasó a ser aceptada como forma de arte crítico y subversivo que combatía contra la falsa moral y los sistemas políticos extremos.
From the 1960s until today performances have been one of the most controversial facets in art. Many artists over run all types of established conventions by using the most traditional printmaking techniques in order to convey a performance essence and even though it faces many sceptical views, it can be all brought down to a contemporary reality which reaches out to larger type of artistic and philosophical repercussion.The printmaking performance is a reaction to a total rejection towards the mercantilism that is implied in the hyper-aestheticprint replacing it by something more committed and conceptual.The term Performance in English was made popular by JohnCage in the 1950s in order to explain the artistic representation which brought together several and different means of expression: theatre, dance, photography,poetry, music… It had been preceded during the Dadaist nights at the Cabaret Voltaire in Zurich and it reached its peak during the 1960s and 70s. During the 1980s it went on to become a critical and subversive type of art which fought against double moral and the extreme political systems. Nowadays, and given its long lasting presence, we now can even talk about a post-performance period.

"Con la organización y curadoría de Guido Herzovich la sala trae la figura de Aldo Pellegrini (1903-1973), a través de un ensayo de Raúl Antelo, de una reseña de Isabel Cadenas Cañón, de una serie de poesías del propio Aldo traducidas por primera vez al portugués por Paloma Vidal, y finalmente, a través de una crónica de Guido Herzovich. Nuestro objetivo ha sido acercarnos a una figura importante y a la vez marginal de la cultura argentina, para reflexionar sobre alguien que hizo del surrealismo no una etapa en su vida artística, sino una premisa de vida, y también, como se sostiene en la reseña, dar a conocer su poesía sobre la que no se ha escrito casi nada. Pensando en Brasil, presentar a Aldo Pelligrini significa poner de relieve un movimiento como el surrealismo, que parece no haber tenido lugar. Pensando en el presente, convocar a Aldo Pellegrini significa no ceder totalmente a las urgencias del momento, de lo que hay que leer "ya", y convocar, para reactivar, objetos, nombres, escrituras obturadas por la historia."

Las vanguardias artísticas europeas han sido generalmente entendidas por los intelectuales como una revolución en el arte. En lo que difieren estos análisis es por el status de esta revolución: si fue puramente artística o, si fue también, política y cultural. También existe la pregunta por el rol de las
vanguardias en Europa que, no casualmente, emergen en un momento tan excepcional de su historia, plagado de guerras, estados autoritarios y revoluciones políticas. Estas cuestiones serán abordadas a lo largo del trabajo desde una perspectiva historiográfica, pero también, dando lugar a un cuerpo teórico que se dedicó específicamente a estas problemáticas, que
envuelven al arte y la vanguardia, esto es, el análisis histórico y filosófico de la Teoría Crítica. Si intentamos recuperar la Teoría Critica de los anales es porque, sin duda, marcaron la agenda de las ciencias sociales durante la segunda mitad del siglo pasado, con una recepción muy amplia en Europa y Latinoamérica. Revisitar las vanguardias nos brinda la oportunidad de discutir con la Teoría Crítica, a la vez que podría ayudarnos a establecer nuevas interpretaciones.

El objetivo del presente trabajo, Arqueología del objeto encontrado, es estudiar y analizar en qué consiste lo que conocemos como objet trouvé. Mediante un recorrido por la Historia del Arte nos detendremos para ver qué vanguardias del siglo XX y qué artistas han recuperado objetos en desuso y les han dado una segunda vida para convertirlos en obras de arte. Analizaremos sus precedentes para ver cómo han podido influir en los procesos artísticos posteriores.
Este trayecto nos llevará inevitablemente al inicio de los pequeños museos, y a hacer una reflexión sobre lo que supone el coleccionismo. Se hará especial hincapié en el cambio de valor de los objetos al convertirse en obras de arte.
A través de ejemplos de exposiciones de los últimos años y museos destinados a albergar colecciones de esta índole, veremos cómo en la actualidad se siguen empleando los objetos encontrados para la elaboración de discursos artísticos y obras. Todo esto se hará a partir de una mirada poéticamente arqueológica en cuanto a hallazgos se refiere que concluirá en una propuesta plástica.

Una investigación interdisciplinar
Mediante un proceso casi detectivesco de lo que Umberto Eco llamaba semiosis abductiva que busca, mediante la elaboración de un relato, que incluya como hipótesis el origen y supuesta finalidad de un objeto o fragmento de objeto encontrado —como sucede en el proceso lógico del pensamiento de Sherlock Holmes, veremos la razón que ha guiado, no sólo la presencia de tres directores de tesis, sino fundamentalmente su distinta adscripción disciplinar, necesaria para dar coherencia al hilo epistemológico que sustenta nuestra reflexión. Al tratarse de una investigación interdisciplinar busqué la ayuda de tres conocidos especialistas en los temas principales que se desarrollan en la tesis.
La parte general de la mirada arqueológica y paleontológica que se le ha querido dar a la investigación y que forma parte de ese proceso de búsqueda, encuentro y análisis y escribir/crear a partir del hallazgo que, está presente a lo largo de todo el trabajo viene estudiada tras las lecturas que ha aportado tanto la bibliografía como el trabajo de campo del catedrático en Paleontología Juan Luis Arsuaga.
La retórica de la pintura viene planteada como forma de entender esta disciplina a partir del libro Retórica de la pintura de Alberto Carrere y el director de esta tesis, pintor y catedrático de Pintura José Saborit.
Finalmente, y para explicar el objeto como signo dentro de la Historia del Arte y la importancia de los cambios de valor han sido imprescindibles las aportaciones del semiótico y catedrático en Teoría de los lenguajes y Ciencias de la comunicación Jenaro Talens.
Los tres campos disciplinares de mis directores, articulándose entre sí, han hecho posible el desarrollo de Arqueología del objeto encontrado.

SUMMARY
The aim of the present work, Archaeology of the found object, is to study and analyze what we know as objet trouvé. In our way through Art History we will take a pause to see what avant-gardes from the twentieth century and which artists have recovered disused objects and have given them a second life by turning them into works of art. We will analyze their precedents to see how they could have influenced later artistic processes.
This journey will inevitably lead us to the beginning of the small museums, and to think about what collectionism means. We will emphasize in the change of value of objects as they become works of art.
Across examples of exhibitions of the last recent years and of museums devoted of hosting this type of collections, we will see how found objects are still being used currently for the elaboration of artistic discourses and works. All this will be done from a poetically archaeological look at findings that will conclude in a plastic proposal.
An interdisciplinary research
Through an almost detective process of that Umberto Eco called abductive semiosis, our research will seek to elaborate a story, in order to include as an hypothesis the origin and the supposed purpose of an object or a fragment of a found object —as it happens in the logical mental process followed by Sherlock Holmes— we will see the reasons that have guided my decision to look for, not only the presence of three Ph. D. advisors, but fundamentally their different disciplinary approach, necessary to give coherence to the epistemological thread that sustains my own work. Being an interdisciplinary research I sought the help of three acquaintances specialists in the main topics that are developed in the dissertation.
The archaeological and paleontological perspective that is in the basis of the process of looking for, finding, analyzing, and writing / creating from what has been found, that is present throughout the work, has taken as referent both the bibliography and the fieldwork of Professor in Paleontology Juan Luis Arsuaga.
The rhetoric of painting as a way of understanding the discipline owes its intellectual position to the book Rhetoric of painting by Alberto Carrere and the director of this research, painter and painting Professor José Saborit.
Finally, and to explain the object as a sign within Art History and the importance of the changes of value the contributions of the semiotician and Professor of Theory of Languages and Communication Jenaro Talens have been very important.
The three disciplinary fields of my three advisors, articulated among them, have made possible the development of Archeology of the found object.

(English below)
1a. edición: Editorial El Cielo por Asalto, 2000.
2a. edición: Editorial Eudeba, 2008.
Premio “Jorge Barón Biza” al aporte de investigación del año 2000, Asociación Argentina de Críticos de Arte.

En 1968, un grupo de artistas de vanguardia porteños y rosarinos protagonizó una serie de radicales acciones que pusieron en escena su ruptura con las instituciones artísticas modernizadoras y las formas establecidas de concebir y practicar el arte. Al postular que sus realizaciones experimentales eran efectivas contribuciones al proceso revolucionario (cuya resolución vislumbraban inminente) estos artistas redefinieron también los modos consabidos de articular arte y política.
Cuando este libro se publicó por primera vez, en 2000, apostaba a intervenir en un incipiente espacio de luchas por definir el sentido y el impacto de aquella experiencia radical, apuntando al rescate de su condición de desafío sobre su tiempo y el nuestro. Ante la insistente (casi redundante) recuperación de estas experiencias  -en particular Tucumán Arde- que viene teniendo lugar en la última década, resulta indiscutible hablar de su definitivo ingreso al canon. La tarea hoy ya no es reconstruir Tucumán Arde en tanto episodio olvidado o silenciado, reunir sus escasos restos materiales y devolverles alguna legibilidad, sino terciar en medio del clamor glamoroso por insistir en la condición radicalmente política de su herencia, que se resiste a quedar reducida a formas pacificadas, estilos renovados y clasificaciones tranquilizadoras, y que sigue obligándonos a preguntar –una y otra vez- por lo que aún no entendemos ni resignamos.
Escribió el artista y teórico español Marcelo Expósito: “No hay concesiones en este libro ejemplar. Sus autores hacen lo que muy poca historiografía del arte: asumir las coordenadas autorreflexivas y de crítica de los lenguajes que caracterizan a su caso de estudio, para volverlas hacia la propia trama narrativa. Atacan la manera en que la historia recupera experiencias periféricas como ‘Tucumán Arde’, categorizándolas como arte conceptual y/o político, para restituirle su riqueza, límites y contradicción en un relato no reducido a la unidimensionalidad de lo estético.”

Abstract:
This book presents a reconstruction of the actions and definitions of a significant group of avant-garde artists in Argentina who were involved in experimental visual arts. Throughout 1968, they decided to break with the institutions of art to which they were related (particularly Instituto Di Tella) in order to take their production elsewhere, away from the art milieu.
We have called this process “the itinerary of ‘68”, for it is composed of a series of productions and public interventions carried out between April and December 1968. This was the path chosen by several groups of experimental artists to show that –in Raymond Williams’ words- they were forsaking an alternative stance to become engaged in one of opposition. Their intention was to confront not only with the institutions of art but also with the military regime then in power, and even with capitalism.
We understand the itinerary of ’68 as an ephemeral yet paradigmatic expression of the tensions that strained the Argentine intellectual field at a time when a spiralling succession of events shook our country. Coincidentally, the two key trends of the decade became apparent. For the sake of brevity, let us say that modernising movements and revolutionary thinkers either struggled or reached some sort of agreement in the form of discourse, institutions, and cultural production.

Con el término francés avant-garde se designa a aquellos movimientos artísticos que se oponen a la estética anterior radicalmente, y que proponen en manifiestos su concepción del arte y de las letras. Se trata de nuevas corrientes caracterizadas por su afán de ruptura con las formas tradicionales.
Las vanguardias fueron movimientos que surgieron al término de la I guerra mundial. Tienen trascendencia porque rompen con el tabú de las técnicas consagradas por la historia. El arte es lo que se ve.
Futurismo. Dadaísmo. Cubismo. Ultraísmo. Creacionismo. Surrealismo.

Este ensayo defiende la reactivación de las estrategias vanguardistas en valiosas manifestaciones estéticas de nuestra época. Se incide en aquellos aspectos propios de nuestro tiempo -avances tecnológicos, convulsión histórica- y estéticos -recurso a las escrituras "fuera de campo", "éticas"- que avalan esta hipótesis.

En las décadas de 1920 y 1930, la ciudad de Buenos Aires protagonizó un rico período creativo, donde la producción literaria y estética mantuvo un intenso diálogo con las corrientes de la vanguardia internacional. Una lectura de esa producción permite establecer que dos grupos antagónicos pero también complementarios –Florida y Boedo– se manifestaron intelectualmente tomando como escenario a la ciudad.

Estudio que señala algunas de las interacciones entre lo sobrenatural y el arte durante las Vanguardias Históricas y otras manifestaciones artísticas de la primera mitad del siglo XX.

Palabras clave: teosofía, espiritismo, mediumnidad, arte, vanguardias, bruja, ocultismo, magia

Se hace un recuento del "período rosa" de Picasso, marcado por el amor y con antecedentes catalanes del período azul, en un París bohemio, signado por la relación con Fernande Olivier, quien fuera su inseparable musa, mientras el artista se va abriendo camino hacia el cubismo, donde otra amada, gobernará la escena.

El propósito de esta tesis doctoral es analizar un conjunto de obras realizadas por el grupo artístico parisino de los Incohérents, aparecido en 1882 y disuelto en 1893. También se estudian otras obras no realizadas directamente por los Incohérents pero que sí presentan vinculaciones claras con el citado movimiento, como es el caso de algunas películas del cine primitivo y del Dadaísmo. El objeto de estudio es por tanto una selección de escritos, de dibujos y de películas que se detallan en el apartado Selección de piezas para su análisis. Los Incoherentes constituyen una oportunidad muy aprovechable para abordar esa relación entre los medios y las propuestas artísticas. De hecho, una hipótesis de partida en esta investigación es la de que la caricatura, que prolifera en los periódicos del S. XIX, resulta determinante para la popularización masiva de las deconstrucciones de los códigos de la representación asumiendo, a la vez, que tales prácticas constituyen el primer principio de la vanguardia. Otro asunto no menos importante es el hecho de que los Incoherentes hayan sido ignorados por las vanguardias de principios del S. XX y también por la Historia del Arte. Cuestiones éstas que forman parte del debate que se ha ido abriendo acerca del sentido de las vanguardias a finales del S. XX y principios del XXI.
…

El presente artículo tiene como objeto el estudio de la fotografía en el contexto de las denominadas vanguardias históricas o clásicas, remarcando el valor poco reconocido de este medio frente a las artes plásticas. La interconexión de medios expresivos -fotografía y artes plásticas-apenas ha sido considerada en la crítica e historiografía tradicionales, unos por enfatizar los procedimientos técnicos, los otros por marcar la primacía de los valores pictóricos, o bien por considerar que las artes tradicionales eran las que marcaban las pautas.

Aunque las conferencias de Federico García Lorca cobraron cierto interés a la hora de tratar de analizar las
obras poéticas y dramáticas del artista, muy pocos investigadores han tratado de ellas como un conjunto
significativo que determine la percepción que el granadino tenía del arte. Esta tesina es el fruto de un trabajo
de investigación que intenta destacar la coherencia de las conferencias lorquianas como obras reflexivas sobre
la poesía y el arte en general, partiendo de su legitimidad dentro de la obra de Federico García Lorca para
luego demostrar su importancia en la definición de los valores estéticos de una época caracterizada por una
profunda renovación artística. Pero no sólo se pueden considerar las conferencias de Lorca como ecos a su
obra o como caja de resonancia de las preocupaciones de toda una generación de artistas: representan
fragmentos de un puzzle que fija la base de una teoría de la creación artística propiamente lorquiana sintetizada
en la figura del duende, esta fuerza creadora que fue el primero en nombrar y definir.

Even though Federico García Lorca’s conferences were found useful to analyse his poetic and dramatic works,
very few researchers considered them as a whole which could define the artist’s perception of art. This
dissertation is the result of a research project aimed at demonstrating the conferences’ coherence as works of
reflection on poetry and art in general. Taking as a starting point their legitimacy within Federico García
Lorca’s complete works, we want to present these conferences as fundamental in the definition of new
aesthetic values which reflect the artistic renewal of the time. But not only can we regard Lorca’s conferences
as echoes to his works or as a sounding board of an entire artistic generation’s concerns: they are authentic
puzzle pieces which constitute the cornerstone of an original artistic creation theory synthesized in the creative
force of the duende Federico García Lorca was the first to talk about.

Citado por Maiakovski y su grupo como maestro e inspirador y al mismo tiempo autor de una obra monumental donde la imaginación del futuro compite con la resonacia romántica de los tipos eslavos, la figura extraña, casi secreta, de Velimir Khlebnikov (1885-1922) aparece en el centro del pandemonio de ideas y obras artísticas que la Rusia de las primeras décadas del siglo XX. Parte del dossier "La ecuación Khlebnikov", dirigido por Daniel Samolovich, este trabajo comprende la traducción del francés de  "Sombrío y otros poemas" (1912-1914), así como la traducción  del inglés de los escritos programáticos "Cachetada al gusto del público" (1912), "Manifiesto de los Presidentes del Globo Terráqueo" (1917) , "El país de los cisnes en el futuro" (1918) y "Sobre la poesía (1920), a partir de las únicas ediciones de Khlebnikov hasta entonces disponibles en Occidente. Todos los textos llevan notas del traductor. Se presenta aquí el dossier completo.

“Jacinta la Pelirroja —ha dicho Moreno Villa— es un libro auténtico porque brota de una experiencia absolutamente concreta y personal: la de mis amores con Jacinta. Pero no por esto sólo, sino por el tono empleado en él, sin parecido con el de ningún otro poeta conocido […] Si alguien mañana lo estudia y lo compara con lo que se producía entonces, tendrá que reconocer su originalidad”. Detrás de la mítica “Jacinta” se esconde Florence Ruth Louchheim, la hija de un millonario neoyorquino que la desheredó por díscola y libertina, y por amasar una exquisita colección de arte moderno que hoy se guarda en el University of Michigan Museum of Art. Esta es la primera edición cuidadosamente anotada del texto y la primera en incluir documentos y fotografías inéditos de la “Jacinta” histórica, comprendidas las memorias familiares de su sobrina predilecta, Mary Evangelista. La edición incluye también una cronología y etopeya actualizadas de Moreno Villa, repletas de datos acerca de su vida en España (1887-1937) y en México (1937-1955), una vida partida en dos por el estallido de la Guerra Civil.

La recuperación historiográfica de Ángel Ferrant se aborda como una monografía centrada en la relación de este artista con el contexto artístico español e internacional, valorando la incidencia de sus aportaciones, a través de un análisis de su producción escultórica, escogiendo el formato cronológico para permitir un discurrir ajustado de las posibles influencias y sus conocimientos sobre el arte de vanguardia y su impacto posterior, aunque este no sea inmediato.

En el presente texto se exponen las razones que facilitaron el surgimiento del Estridentismo en México, los ideales que abrazaron sus integrantes y propósitos: desde descentralizar la cultura hasta convertir a Jalapa, Veracruz, en “Estridentópolis”. Se analiza la obra conocida como “la primera novela estridentista”: “La Señorita Etcétera”, de Arqueles Vela, y con la revisión se le despoja de semejante título, sin dejar a un lado los motivos por los que es un texto Estridentista.

This paper exposes the factors that explain the origins of the Estridentista movement in Mexico and its poetical and ideological perspective: take to the margins the cultural manifestations and transform the Veracruzean city of Jalapa into their “Estridentópolis”. Also we will analyze“La Señorita Etcétera”, by Arqueles Vela, a text that was called “the first estridentista novel”. It will be shown that such epigraph is not accurate at all; nevertheless it is an example of the Estridentista poetical perspective.