Montaje cinematográfico

La presente tesis busca analizar el uso de la edición como técnica de reciclaje de material audiovisual, entendiendo la edición como el proceso donde se sintetizan todos los elementos que conforman el producto final. El proceso de investigación se divide en tres capítulos: La edición y el reciclaje de material audiovisual, el potencial de la reedición en la creación audiovisual y por último  análisis de casos pertinentes al tema. El propósito de este estudio es aplicar el conocimiento adquirido en la realización de un largometraje a partir de material preexistente de la serie televisiva Everything Sucks! (Ben York Jones, Michael Mohan, 2018).

El montaje es la esencia del cine, dirían algunos. Pudovkin (1956) consideraba que "para el director cada plano del film terminado cumple el mismo propósito que la palabra para el poeta (…) el montaje es el lenguaje del director de cine". Detrás de cada cuadro por segundo hay una compleja selección de tomas cuya totalidad da como resultado una película con su significación. En los inicios del cine, los pioneros del celuloide tuvieron que analizar la naturaleza del nuevo lenguaje, encontrarle una gramática, una sintaxis y, por qué no, una semántica. Uno de los puntos relevantes de la obra de Sergei Eisenstein (1898-1948) está en su teoría del montaje.

Esta tesis doctoral presenta un modelo de análisis cualitativo del montaje desarrollado a partir del procedimiento aplicado por S.M. Eisenstein para explicar el valor significante de la construcción de sus propias obras.
Atiende al diseño de montaje (que no se puede aislar del estudio de la planificación y el uso del sonido)  en el cine  norteamericano contemporáneo de espectáculo,  en el que la fragmentación se ha hecho mucho más visible y busca condicionar la respuesta emocional, la inmersión y el compromiso del espectador. Se plantea que dicho efecto se obtiene a partir de la incorporación de determinadas técnicas de Eisenstein en el tradicional sistema analítico norteamericano.
Específicamente esta investigación estudia el valor expresivo y simbólico que adquiere el diseño del montaje en el cine bélico, un género ideológico. Busca detectar qué recursos de planificación, sonido y montaje traducen el mensaje de las películas de este género, en las que la visión ideológica que presentan se ha hecho menos explícita con el fin de atraer a la mayor cantidad de público posible.
Aquí se analizan, mediante la metodología dialéctica que se presenta, el valor significante que han adquirido los recursos de planificación, sonido y montaje empleados en Salvar al soldado Ryan y Black Hawk derribado para forzar las respuestas emocionales del espectador y conducirle al compromiso ideológico con la visión que presentan.
La aplicación de este modelo de análisis permite trascender los sistemas cuantitativos o narratológicos tradicionalmente aplicados al estudio del montaje, que únicamente permiten acceder a su función estructural o rítmica y que desatienden a su relevancia como recurso de indudable valor expresivo y significante.

Discusión teórico-práctica sobre la teoría conocida como la regla de los seis del montador de cine Walter Murch sobre la que se aplicará como caso práctico el análisis de las secuencias iniciales de las películas cinematográficas Sleepy Hollow (Tim Burton, 1999) y Amadeus (Milos Forman, 1984)

El presente trabajo es la presentación del primer acercamiento a la filmografía de Chris Marker, principalmente al período que se inicia en los momentos preliminares al Mayo Francés y que se extiende durante la década del '70. Se trata de esa etapa inicial de la investigación en que la balanza aún se inclina más del lado de los interrogantes que del de las certezas.

El objetivo de este artículo es exponer el planteamiento metodológico para desarrollar un estudio neurocinemático del cambio de plano por corte. Concretamente, el estudio se realiza mediante el análisis del event-related desynchronization/synchronization del electroencefalograma registrado sobre espectadores. Se parte desde una perspectiva general describiendo las implicaciones de aplicar las metodologías neurocinemáticas al análisis fílmico, para finalizar con la peculiaridades que implica nuestra investigación. En nuestro caso trabajamos a partir de fragmentos cinematográficos extraídos de largometrajes ya existentes, realizamos un registro neuronal con 31 electrodos y aplicamos un análisis estadístico basado en el test de permutaciones, el test de correlación de Spearman y el análisis de pendientes sobre la señal registrada transformada al dominio de la frecuencia.

RESUMEN Los textos que Jacques Derrida dedica a Sthéphane Mallarmé permiten plantear una noción de escritura como operación diseminante que ejerce dispersión espacial y temporal (diffèrance) sobre el libro, el sentido, el sujeto. La diseminación va acompañada de procedimientos de composición que no siguen criterios necesariamente semánticos, puesto que son espaciales y contingentes. Se remite a Un golpe de dados jamás abolirá el azar, a Mímica y a las lecturas que Derrida propone al respecto de estos textos, ya que cuestionan la lectura temática soportada en núcleos de significado, la reducción a unidades indivisibles o sustanciales. Con ese propósito, inicialmente, se tratará la cuestión del libro, de la imposibilidad de su totalización y clausura. A continuación, se destaca que la escritura opera como reiteración de huellas, como redoblamiento de marcas. Finalmente, se muestra cómo está en marcha esta noción de la escritura diseminante en el poema Un golpe de dados jamás abolirá el azar. PALABRAS CLAVE: diseminación; destinerrance; composición; escritura. RESUMO Os textos que Jacques Derrida dedica a Sthéphane Mallarmé permitem expor uma noção de escritura como operação disseminante que exerce uma dispersão espacial e temporal (diffèrance) sobre o livro, o sentido, o sujeito. A disseminação vai acompanhada de procedimentos de composição que não seguem critérios necessariamente semânticos, já que são procedimentos espaciais e contingentes. Ele se remete a Um golpe de dados jamais abolirá o acaso, a Mímica e às leituras que Derrida propõe a respeito destes textos, já que questionam a leitura temática suportada em núcleos de significado, a redução a unidades indivisíveis ou substanciais. Com esse propósito, inicialmente, se tratará a questão do livro, da impossibilidade de sua totalização ou fechamento. Na continuação, se destaca que a escritura opera como reiteração de rastros, como redobramento de marcas. Finalmente, se mostra como está em marcha esta noção da escritura no poema Um golpe jamais abolirá o acaso. PALAVRAS-CHAVE: disseminação; destinerrance; composição; escritura. Ahora debemos intentar escribir la palabra diseminación. Y explicar por qué, con el texto de Mallarmé, encontramos siempre alguna dificultad para proseguir. DERRIDA Escritura y crisis del libro Si se quisiera sintetizar en un breve esquema temático-analítico el "contenido" y las partes del libro La diseminación (1975) se podría decir que: 1) la primera parte titulada "Fuera del libro" se ocupa de la imposibilidad del prefacio; 2) que "La farmacia de Platón" se ocupa de la escritura y la mímesis en los Diálogos; 3) que "La doble sesión" problematiza las lecturas temáticas, metaforicistas o psicologistas de Mallarmé; 4) que la parte titulada "La diseminación" presenta una lectura de la novela Números de Phillipe Sollers.

Si existe alguien obsesionado con la nostalgia del pasado ese es Guy Maddin, artista visual y cineasta nacido en 1956 en Winnipeg, Canadá que comenzó haciendo películas en su patio trasero y en la mesa de su cocina. Actualmente, ostenta el título de director en al menos 54 proyectos audiovisuales entre los cuales se incluyen cortos, largos, documentales, piezas de video-arte e instalaciones. Su trabajo, considerado único, se basa en utilizar medios arcaicos como formatos cinematográficos pequeños en blanco y negro y, en ocasiones, la realización de filmes silentes.

EN
The worldwide ICT massive appropriation, one of the consequences of web 2.0 has made millions of people approaching to mobile media production and webapps to produce content, spread by social networks. Scenario that during the twentieth century seemed unlikely . To approach this phenomenon it has been made an empirical- analytical reaching to three specific consequences of this anomaly : The mobile cinema, Web Television, and  Videoloop as a new form of film editing. The first two show the decline in the learning curve of the media production tools and their costs specially mobile "apps", because there are many free options. On Videoloop matters, it’s proposed as a new cinema montage form , thanks to Web 2.0 user’s appropriation, mobility and cloud computing , regardless of the dynamic of audiovisual language creation conducted by traditional mass media during the twentieth century. Finally, it is evident that the overall social mobilization towards a multimedia Internet for everyone, not only affects users but to traditional media, which have had to become into big websites with an important presence in mobile app stores. Opening panorama benefiting prosumers, giving diversity to media offer and inviting non-professional users to participate in media production, meanwhile the role and scope of the mass media of the twentieth century has to be rethought towards the XXI century society.

ES
La apropiación masiva de TIC en el mundo, una de las consecuencias de la web 2.0 ha hecho que millones de personas se acerquen a la producción mediática con herramientas móviles y web para producir su contenido, y difundirlo por redes sociales. Escenario que durante el siglo XX parecía poco probable.  Para acercarse a este fenómeno se ha hecho una aproximación empírico-analítica a tres consecuencias más específicas de este fenómeno de apropiación:  El cine con móviles, la televisión web y el Videoloop como nueva forma de montaje cinematográfico.  Los dos primeros evidencian el descenso de la curva de aprendizaje de las herramientas de producción de medios y el de su costo que en caso de las “apps” móviles, hay muchas opciones gratuitas.  En el caso del Videoloop, se quiere proponer como una  nueva forma de montaje cinematográfico, producto de la apropiación de usuarios de la web 2.0, de la movilidad y de la computación en la nube, al margen de las dinámicas de creación del lenguaje audiovisual llevadas a cabo por los mass media tradicionales durante el siglo XX.  Finalmente, es muy claro que dicha movilización social global hacia la un Internet multimedia para todos, no solo afecta a usuarios sino a los medios de comunicación tradicionales, que han tenido que transformarse en grandes portales web con presencia en almacenes de aplicaciones móviles.  Panorama de apertura que beneficia a prosumidores, que le da diversidad a la oferta mediática, y que invita a usuarios no profesionales a participar de la producción de medios, mientras replantea el papel y alcances de los medios masivos del siglo XX en la sociedad del siglo XXI.

RESUMEN Chris Marker es autor de una extensa obra audiovisual a través de la cual trata de hallar una política de la forma capaz de constituir las imágenes como memoria colectiva. Su trayectoria artística está marcada por una intensa experimentación técnica y estilística en torno a la imagen audiovisual. Esta experimentación le conducirá a romper constantemente los moldes, llevando su propia expresión más allá de la inflexibilidad de las tradiciones y las disciplinas. Este ensayo regresa concretamente sobre un proyecto tardío, su instalación interactiva Zapping Zone, para analizar las técnicas de ensamblaje y las tácticas empleadas respecto al visitante de la instalación. La obra es un buen ejemplo de un personalísimo trabajo centrado en la escritura de la historia y en los procesos de la memoria colectiva. En ella, Marker no trata de imitar o reproducir los mecanismos individuales y sociales, sino justamente de crear las condiciones técnicas y estéticas para la producción de nuevas formas de recuerdo y olvido. ABSTRACT Chris Marker is author of an extensive audiovisual set of work through which pursues a political form of images able to establish itself as collective memory. His career is marked therefore by a strong technical and stylistic experimentation around the audiovisual image. This experimentation will push him to constantly break molds, bringing his way of expression beyond the inflexible traditions and disciplines. This essay comes back over his interactive installation Zapping Zone to analyze the montage techniques and assemblage tactics employed. Zapping Zone is a great example of a very personal work that deals with the writing of history and the processes that take part in the constitution of the collective memory. In it, Marker does not try to imitate individual and social mechanisms, but just to create the technical and aesthetic conditions to produce new forms of memory and forgetfulness.

En 1931 Vicente Huidobro publicó Cagliostro, la novela-film que le valdría un premio de 10.000 dólares otorgado por The League for Better Pictures por el libro con mayores posibilidades de ser llevado al cine. Este hecho marcaría las posteriores lecturas que se han realizado de la novela, siendo en su mayoría análisis que parten del presupuesto de que surgió de la adaptación del guión, debido a la imposibilidad de llevarlo al cine tras la llegada de cine sonoro. Pero a pesar de que el guión si existió, Cagliostro no es simplemente una adaptación, sino que es una apuesta vanguardista que debiese ser considerada dentro de las obras creacionistas de Huidobro. Por eso, en la presente ponencia quiero proponer una lectura de Cagliostro a partir de un análisis creacionista, que se fundamenta a partir de los puntos de encuentro que existen entre los presupuestos estéticos que fija en cuatro de sus manifiestos, Non Serviam (1914), La poesía (1921), La creación pura (1924) y El creacionismo (1925), y ciertos postulados acerca del montaje a nivel técnico y estético que
establecen los directores y teóricos soviéticos Lev Kuleshov, Vsévolod Pudovkin y Serguéi Eisenstein. Para ello, propongo un análisis comparativo entre ambos presupuestos estéticos con el fin de demostrar que Cagliostro se construye a partir de un elaborado montaje creacionista

El auto-retrato videográfico, el anti-archivo familiar y el montaje dialéctico son la tríada de herramientas con las cuáles Jonathan Caouette, un chico de clase media del sur de los estados unidos, hijo de una madre esquizofrénica, esboza un paisaje estético brutal y sublime de su entorno y al mismo tiempo de sí mismo. Esta película marcaría un punto de inflexión en el género del autoretrato personal al conseguir un éxito rotundo comercial a nivel mundial luego de su paso por festivales de cine independiente. Palabras clave: auto-retrato, Tarnation, Jonathan Caouette, documental, videografía. Abstract: The videographic self-portrait, the family anti-archive and the dialectical montage are the

Barcelona, 16.8.1900,  ¿ 1975. Montador. Desarrolla su actividad en su ciudad natal. En 1921, es director comercial de la productora Goodsilver films, con la que coproduce el western Lilian (J. Pallejá, 1921). Entre 1922 y 1934 ejerce de crítico en diversas publicaciones como El cine y Popular Films. Lo compagina con otras tareas como redactor de intertítulos de películas mudas y director artístico de la productora Emérita Films (1928-1931). Pero acaban siendo sus conocimientos técnicos y sus contactos con los laboratorios fílmicos ―en 1931, es encargado técnico de Cinefoto― los que le decantan hacia la profesión de montador a la llegada del sonoro. Sus primer trabajo tiene lugar en 1932, El canto del ruiseñor (C. San Martín). En 1935, es cofundador de la Unión de Técnicos Cinematográficos Españoles, absorbida por la C.N.T. al año siguiente. Durante la guerra civil, monta numerosos títulos del sector anarcosindicalista, colaborando, por ejemplo, en el muy conocido Reportaje del movimiento revolucionario en Barcelona (1936, M. Santos) o en la ficción Nosotros somos así (V.R. González, 1936). Acabado el conflicto, se encarga del Servicio de Recuperación de los films de la zona republicana, al parecer llega a montar el noticiero del Departamento Nacional de Cinematografía ...

El presente artículo se propone analizar el concepto de montaje como categoría analítica y metodológica para pensar las formas de narrar la historia y de producir imágenes. Se parte de la premisa de que el montaje constituye una forma particular de narrativa histórica y sus variaciones estéticas dan cuenta de una noción atravesada por múltiples dimensiones. En un primer momento, se rastrean las intervenciones estéticas de autores como Dziga Vertov, Sergei Eisenstein y de la vanguardia francesa a fin de presentar un posible enfoque teórico sobre el montaje que, a nuestro entender, asentó las bases para problematizar la articulación entre imagen e historia, retomada luego por autores contemporáneos. En un segundo momento, se analiza esta articulación a través de los aportes de Walter Benjamin (2009), Gilles Deleuze (2005a y 2005b) y Georges Didi-Huberman (1997, 2004a, 2004b, 2008). A partir de estas contribuciones teóricas, se irá delineando un posicionamiento de la actividad de montaje propicia para pensar no sólo las imágenes de la historia sino las formas de la memoria de acontecimientos y experiencias límite en los modos de rememoración del pasado. Estos aportes permiten comprender la escena de memoria como una “experiencia imaginal”, donde el proceso de recordación acontece y se expone entre imágenes, fragmentos y testimonios de los/as sujetos de la rememoración. En este sentido, se sitúa esta experiencia imaginal de la memoria sobre las formas del montaje que desarrollan ciertas intervenciones audiovisuales realizadas por hijos e hijas de militantes detenidos-desaparecidos durante la última dictadura a fin de dar cuenta de una construcción novedosa de la escena de rememoración y de los modos de comprender la militancia revolucionaria de los años setenta en Argentina

El presente trabajo pretende profundizar en la problemática teórica derivada de las decisiones en la edición de películas relacionadas con el Holocausto. Se parte de un aparataje bibliográfico que apuesta por las posibilidades de la representación de la Shoah para encarar tres problemas bien definidos: las relaciones entre edición, representación y verdad mediante el uso del plano secuencia, la mostración de las
cámaras de gas y, por último, la inserción de imágenes de archivo en un contexto ficcional. Tras la exposición teórica se realizará un breve análisis textual de diferentes trabajos contemporáneos que permitan ver cómo el cine ha respondido a dichos retos durante los últimos quince años

Mayo-Junio 2014 p. 94-95. I "Según mi modo de pensar la función del poeta es hacernos conscientes de lo que sabemos y no sabemos que sabemos." William Burroughs. Aproximarse a la obra de William Burroughs supone introducirse y transitar por un pensamiento nómada, que discurre y crea Interzonas que van de la literatura a la música, el cine y la filosofía. En donde la máquina de escritura deviene máquina de guerra cuya arma es el cut-up. El cut-up es una técnica de collage pictórico que utilizara Brion Gysor, quien sugiere a Burroughs transplante la técnica de la pintura a su literatura, misma que al ser incorporada a su proceso de creación devendrá en el modo de articulación de su pensamiento. "El cut-up más simple consiste en cortar una página por la mitad a lo largo y luego a lo ancho en cuatro partes. La parte 1 se ubica luego junto a la parte 4 y la parte 3 junto a la parte 2 en una nueva secuencia." 1 1 Burroughs, William. La revolución electrónica. Caja Negra. Buenos Aires. 2009, p. 54.

Resumen: El presente artículo analiza las características y funcionamiento de la representación objetual en la obra reciente (2007-2016) del escritor argentino Sergio Chejfec. Partiendo de una perspectiva interdiscursiva, el concepto de "montaje", tanto en su dimensión audiovisual, como en la epistemológica, vinculada a las teorías estéticas de Walter Benjamin, articulará la investigación. Así, en un primer momento, se analizarán la disposición o sintaxis de estos objetos, y posteriormente, se examinará el diálogo transmedial existente entre las formas de representación y enunciación chejferianas y el ensamblaje cinematográfico. Al mismo tiempo, en un tercer apartado, se demostrarán las conexiones entre la poética objetual de este autor y la del montaje benjamiano, considerando la potencia simbólica de estos objetos, y su relación con los materialismos, la anacronía histórica y la imagen dialéctica.

Abstract:This article analyzes the characteristics and functions of objectual representation in the recent work (2007-2016) of Argentine writer Sergio Chejfec.From an interdiscursive perspective, the concept of "montage"will articulate this research, both in its audiovisual and epistemological dimensions, linked to Walter Benjamin's aesthetic theories.First,the disposition or syntax of these objects will be analyzed, and later,we will examine the transmedia dialogue between Chejferian representation an denunciation,and cinematographic montage.At the same time, in a third section,we will prove the connections between the objectual poetics of this author and Benjamian montage, considering the symbolic power of these objects, and their relationship with materialism,historical anachronism and the dialectical image.
Keywords:
Sergio Chejfec; Objects; Montage; Walter Benjamin;Interdiscursivity

Análisis de la Teoría de Theodor Adorno en relación al Cine y al Montaje que busca refutar la connotación negativa de la industria cinematográfica que yace en gran parte de su obra, desde su mismo corpus teórico.
Trabajo hecho en el marco del Seminario 'Las Aventuras del Marximo Occidental, primera parte' dictado por Ezequiel Ipar y Gisela Catanzaro.

Resumen:
El Incidente (2014), primer largometraje del cineasta mexicano Isaac Ezban, es un filme de fantasía que cuenta dos historias paralelas en las que un grupo de personajes quedan atrapados en espacios “imposibles” por décadas. A través de sus escenarios claustrofóbicos, la película toma postura respecto a las rutinas diarias, aburridas y exhaustivas de la cotidianidad, y el fantasma de vivir otra vida, de haber tomado decisiones diferentes. Con esto se señala que la construcción del mundo real habita entre construcciones de mundos alternativos, posibles, colocando a cada sujeto entre diferentes y posibles versiones de sí misma/o. Este texto examina, con secuencias seleccionadas y usando herramientas teóricas de la arquitectura crítica y la crítica del ciberespacio, por qué diferentes versiones de nosotros coexisten, y por qué es importante reconocerlas para así imaginar diferentes mundos y mejores vidas.
Palabras clave: Diégesis; Heterotopía; Interpasividad; Montaje cinematográfico; Otredad

Abstract:
The Incident (2014) first long feature film of Mexican filmmaker Isaac Ezban, is a fantasy movie with two parallel stories where the characters are trapped in “impossible” places for decades. Through its claustrophobic scenarios, the film takes a stand with respect to boring, exhausting daily routines, and the phantasm of living a different life, of having made different choices. This means that the construction of the real world inhabits among constructions of alternative, possible worlds, placing each subject among different and possible versions of her/himself. This article examines, through selected sequences and using theoretical tools of critical architecture and cyberspace critique, why different versions of ourselves exist, and why it is important to recognize them in order to imagine different worlds and better lives.
Keywords: Cinema editing; Diegesis; Heterotopy; Interpassivity; Otherness.

Sangro, P. (2001): “Apuntes para el estudio del montaje en los primeros años del cine: el discreto segundo plano de la técnica”. En: Primeras jornadas sobre 100 años de inventiva tecnológica en imagen y sonido en el cine español (ed. J. Romaguera i Ramió). Orphea, Barcelona. pp. 47-63

Este artículo presenta un análisis descriptivo de los artículos científicos presentes en Web of Science que atienden al montaje cinematográfico entre 1976 y 2019 (n 148). El análisis bibliométrico atiende al autor, sexo, universidad de afiliación, idioma, revista, nacionalidad de la revista, año de creación de la revista, tipología del trabajo, palabras clave, año de publicación, número de citas recibidas y categoría de WoS en la que se recogen las publicaciones. Además, se realiza un análisis cuantitativo de los resúmenes y textos de las publicaciones disponibles en línea, cuya finalidad es detectar los temas, muestras y metodologías frecuentemente empleados. Los resultados ponen de manifiesto que desde 2015 se ha producido un leve aumento del interés en el montaje. Aún así, su atención es escasa. Pese a que hay un mayor número de revistas que atienden al tema, cada una publica únicamente un artículo al año sobre montaje. Las revistas con más artículos sobre montaje son británicas y estadounidenses, pero también destaca la española Atalante. La mayor parte de publicaciones se realizan en revistas que abordan el montaje desde una perspectiva cognitiva o neuropsicológica, que son las que aglutinan los artículos más citados. Las investigaciones sobre montaje suelen presentar análisis del montaje de la filmografía de algún autor o de técnicas o largometrajes específicos. Siguen mayoritariamente una metodología cualitativa, centrada en recursos o autores vinculados al montaje constructivo principalmente, o presentan experimentos neuropsicológicos.
Palabras clave: Bibliometría; Web of Science; montaje cinematográfico; producción científica; artículos.

Research on film editing in Web of Science in communication, film, radio & television, psychology and neurosciences & neurology

This article provides a descriptive analysis of the scientific articles available on Web of Science focusing on film editing from 1976 to 2019 (n 148). The bibliometric analysis takes into account the author, gender, university affiliation, language, journal, nationality of the journal, year of creation of the journal, work typology, keywords, year of publication, number of citations obtained and the WoS category in which these publications are included. Furthermore, a quantitative analysis of the abstracts and articles of all publications available online was carried out. Its purpose is to identify the topics, samples and methodologies most frequently used. Results show that there has been a slight increase in interest in editing from 2015 onwards. However, there is little interest in it. Despite the fact that there are a greater number of magazines that cover the subject, each one publishes only one

El presente trabajo discute el concepto de montaje a partir de los conceptos stiglerianos de estereotipo y estándar. La hipótesis de trabajo es que el montaje descontextualizado de su condición eminentemente técnica, y dentro de la técnica, eminentemente industrial, puede inducir a equívocos al aplicarlo a poéticas experimentales. Se introduce también el concepto de soporte como medio asociado y se desarrolla su relación con el estándar así como  los modos en que esta relación habilita el montaje dentro del contexto industrial. Una vez planteado este breve marco conceptual se discuten algunos rasgos de poéticas experimentales y el modo en que las desestandarizaciones impedirían hablar de montaje.

En este trabajo se analiza la incursión en la escritura ficcional de Graciela Batticuore a través de la apropiación de los recursos narrativos de la cinematografía y su impacto en las formas de lectura actual en las literaturas de la  Argentina1.
      La producción escrita no ficcional de Graciela Batticuore se sustenta en un trabajo  minucioso y cuidado junto al registro de imágenes desde fuentes diversas,  tal es el caso de su ensayo “Lectoras del siglo XIX” que contiene varios formatos relacionados con lo visual.
        En su primera novela publicada en el 2019, “Marea”, la apropiación de la imagen desde la palabra tiene la impronta del cine,  la novela conforma con dinamismo una variante en la escritura de la autora, con la imagen como centro. La novela utiliza lo visual como herramienta que vivifica sueños y recuerdos de Nina, protagonista de las acciones.
Esta forma trae al presente del relato, lo sucedido que se reconfigura a través de herramientas estilísticas del cine del siglo XX: planos, insertos y montaje, como punto de inicio.
    La importancia del orden de las imágenes referidas junto con la configuración de lo cinematográfico son el archivo(recuerdos) en la conciencia de la protagonista, se enmarca bajo lo expresado en el epígrafe del inicio de Cesare Pavese “ Aquí, recordar, no es moverte en el tiempo sino salir de él y saber qué somos…” (Batticuore:2019:9)

ES - Ni el cine ni la moda pueden prescindir del cuerpo, de su imagen. Un cuerpo que se explora y reconstruye; que es un simulacro, una ilusión. A través del cine se disuelve, deja de ser materia para convertirse en fantasma de luz y movimiento. La cámara captura el tiempo y lo fija, arrastrando las imágenes grabadas a un espacio ambiguo, el de los no-muertos. Por otro lado, la vestimenta rediseña el cuerpo y sus proporciones, lo transforma de una manera temporal, ilusoria y no radical. La moda nos permite metamorfosearnos una y otra vez, cambiar nuestra imagen y a nosotros mismos. A partir de aquí identificaremos una serie de rasgos o puntos que nos ayudan a entender esta relación y lo que puede aportar a la creación y al pensamiento desde la imagen y desde las Bellas Artes. / / EN - Neither film nor fashion can get rid of the body, its image. A body that is explored and rebuild, which is a simulacrum, an illusion. Through cinema body dissolves, ceases to be matter to become a phantom of light and movement. The camera captures time and fixes it, dragging the recorded images to an ambiguous space, that of the undead. On the other hand, clothes redesign the body, its proportions, transforms it in a temporary, illusory and not radical way. Fashion allows us to metamorphose again and again, to change our image and ourselves. From here we will identify a series of features or points that will help us to understand this relationship and what it can contribute to creation and knowledge from the image and from the Fine Arts.

Recibido: 30 de junio de 2017 / Aceptado: 26 de mayo de 2018. Resumen. El artículo muestra qué recursos de montaje se emplean en la película Black Hawk Down para corregir la impresión del público estadounidense sobre la derrota militar en la Batalla de Moga-discio. Su montaje convierte al espectador en un ranger haciéndole compartir su experiencia bélica y principios, así como enfatiza en la profesionalidad y ética del soldado estadounidense. Convierte una debacle militar en un triunfo ético. Como trasfondo se pone de manifiesto la importancia del montaje cinematográfico para definir (o redefinir) la visión del espectador sobre un hecho histórico. Metodoló-gicamente se emplea un tipo de análisis deducido de las teorías de Eisenstein. Palabras clave: Montaje; historia y cine; guerra y cine; ejército norteamericano.

[en] Film editing as a tool for historical revisionism: the case of Black Hawk Down. Abstract. This paper describes the editing strategies used in the film Black Hawk Down in order to correct North American viewer's impression on the Battle of Mogadishu. Its editing style forces the audience to share the rangers experience and principles, and stresses on the ethics and professionalism of US soldiers so as to transform a military debacle into an ethical triumph. This study presents the underlying role of film editing when defining (or redefining) the audience's impression of a historical event. The methodological approach is based on Eisenstein theories and key concepts.

Sumario: 1. Introducción. 2. Metodología. 3. Análisis y resultados: esquemas y colisiones del montaje de Black Hawk Down. Cómo cambiar la visión de un hecho histórico. 3.1. Esquemas y colisiones cua-litativas que sirven a la construcción de la sensación de "vivir" el combate. 3.2. Esquemas y colisiones que acusan el mensaje ideológico del episodio. 4. Conclusión. 5. Referencias bibliográficas.

Cómo citar: Fernández-Ramírez, L. (2019). El montaje cinematográfico como herramienta para la revisión histórica: el caso de Black Hawk Down, en Historia y comunicación social 24.1, 259-276.

Sangro, P. (2001): “Por una teoría del espectador cinematográfico”. En: Valores y Medios de Comunicación. De la Innovación Mediática a la creación cultural. II Foro Universitario de Investigación en Comunicación. De la innovación mediática a la creación cultural. J. Benavides Delgado y E. Fernández Blanco (eds.). Universidad Complutense de Madrid. Madrid. pp. 315-330. ISBN: 84-88365-10-1

El objetivo de este artículo es exponer el planteamiento metodológico para desarrollar un estudio neurocinemático del cambio de plano por corte. Concretamente, el estudio se realiza mediante el análisis del event-related desynchronization/synchronization del electroencefalograma registrado sobre espectadores. Se parte desde una perspectiva general describiendo las implicaciones de aplicar las metodologías neurocinemáticas al análisis fílmico, para finalizar con la peculiaridades que implica nuestra investigación. En nuestro caso trabajamos a partir de fragmentos cinematográficos extraídos de largometrajes ya existentes, realizamos un registro neuronal con 31 electrodos y aplicamos un análisis estadístico basado en el test de permutaciones, el test de correlación de Spearman y el análisis de pendientes sobre la señal registrada transformada al dominio de la frecuencia.

No es exagerado decir que Glauber Rocha fue durante más de una década una de las figuras más influyentes de la cinematografía mundial. Rocha fue realizador, productor, crítico y teórico. En sus últimos años de vida teoriza en torno a lo que él llama montaje nuclear, un tipo de montaje que quizás sea la síntesis de toda una vida de búsqueda de un lenguaje cinematográfico desde el tercer mundo. Sin embargo, el montaje nuclear ha sido aún muy poco estudiado. Quizás porque él mismo escribió y habló poco al respecto, quizás porque fue intencionalmente oscuro al hacerlo, quizás porque la crítica destrozó a su última película, quizás porque su muerte prematura impidió que desarrollara más su propuesta. En este artículo revisamos lo que Rocha y algunos de sus estudiosos han dicho sobre el montaje nuclear, para después llegar a una lectura del mismo desde la experiencia festiva barroca, tal cual la encontramos expresada en el montaje de la cinta La edad de la Tierra.

En los años de la Transición española el documental cinematográfico revisa el relato audiovisual construido por el franquismo en torno a la guerra civil y la posguerra con un claro objetivo: subvertir la memoria histórica de aquellos tiempos construida por el régimen. El artículo analiza el díptico de Basilio Martín Patino que forman Canciones para después de una guerra y Caudillo por destacar en esta tarea debido a su empleo de materiales de archivo preexistentes y la utilización de un montaje exhibicionista asentado en tres estrategias: la mostración del proceso de fabricación de la obra como garantía de continuidad, el enriquecimiento formal de los materiales que integra y la construcción de nuevos significados mediante el choque de imágenes y sonidos apelando a las emociones del espectador. Se concluye que esta opción discursiva favorece en Canciones para después de una guerra un ejercicio de catarsis para las víctimas del conflicto mediante su emocional relectura audiovisual del pasado. En el caso de Caudillo, el montaje desmitifica la iconografía y figura de Franco y le señala como responsable de la escisión de los españoles en dos bandos ideológicamente enfrentados.