Montaje cinematográfico

Con el giro archivístico, el archivo se convirtió en un concepto central en la investigación de los procesos de la memoria, aunque también de las prácticas del arte, ya que coleccionar implica también seleccionar y crear con archivos, cuya lógica está nutrida por diversidad de fuentes.
El presente artículo revisa una serie de ideas exploratorias acerca de la interpretación y aproximación al lenguaje de la obra “El final ruso” (The Russian Ending, 2001) de la artista Tacita Dean —una obra de arte de archivo— que se abre a la ambigüedad, diversidad de miradas y variados enfoques del espectador. / With the archival turn, the archive became a central concept in the investigation of memory processes, but also of art practices, since collecting also involves selecting and creating with archives, whose logic is nourished by a diversity of sources.
This article reviews a series of exploratory ideas about the interpretation and approach to the language of the work The Russian Ending (2001) by the artist Tacita Dean —a work of archival art— which is open to the ambiguity, diversity of perspectives and varied approaches of the viewer.

El objetivo de este artículo es exponer el planteamiento metodológico para desarrollar un estudio neurocinemático del cambio de plano por corte. Concretamente, el estudio se realiza mediante el análisis del event-related desynchronization/synchronization del electroencefalograma registrado sobre espectadores. Se parte desde una perspectiva general describiendo las implicaciones de aplicar las metodologías neurocinemáticas al análisis fílmico, para finalizar con la peculiaridades que implica nuestra investigación. En nuestro caso trabajamos a partir de fragmentos cinematográficos extraídos de largometrajes ya existentes, realizamos un registro neuronal con 31 electrodos y aplicamos un análisis estadístico basado en el test de permutaciones, el test de correlación de Spearman y el análisis de pendientes sobre la señal registrada transformada al dominio de la frecuencia.

Charla que forma parte de las Sesiones en Línea sobre Cine y Archivo, llevada a cabo durante 2020 por iniciativa de Tania Ruiz y Virginia Rico. Unidad de Investigación sobre Representaciones Culturales y Sociales, Universidad Nacional Autónoma de México.

"This is a moviola. A machine for editing film, but you know, when we say we’re editing or cutting a film, we’re not saying enough. Movies aren’t just made on the set. A lot of the actual making happens right here; a moviola, like this, is very nearly as important as the camera. Here films are salvaged, saved sometimes from disaster, or savaged out of existence." (Orson Welles, Filming Othello, 1978)

#apuntesdepostproducción: "Her name was Moviola"
El 2024 es el año del estreno de uno de los documentales más importantes para la historia del cine sobre el cine. Su nombre es ""Her name was Moviola", dirigido por Howard Berry a partir de un guión original de Walter Murch, con producción de "TheCURATORS!"

Tesis doctoral de Claudio Sánchez de la Nieta.
En los últimos 7 años, el director, productor y guionista madrileño Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981), ha logrado el prestigio y la repercusión que muchos directores no consiguen en toda su trayectoria. Tanto el público como la crítica coinciden en su habilidad para crear un ritmo cinematográfico que interpela al espectador. Esta investigación pretende analizar los mecanismos y estrategias utilizadas por el joven cineasta en su obra inicial para generar ese dinamismo.
Desde que S.M. Eisenstein asoció el concepto del ritmo al del montaje, los ensayos e investigaciones han seguido en buena medida esa dirección. Sin embargo, a lo largo de esta tesis se muestran algunas claves que subrayan la función esencial del guion, la interpretación, la música, la dirección de arte o la fotografía en la creación del ritmo cinematográfico. Desde su primera película dirigida en solitario, Rodrigo Sorogoyen ha procurado que cada fotograma fuese sugerente para el espectador desde diferentes niveles de lectura. En las revisiones de sus películas se observa el detallismo con el que se desarrolla la trama y los personajes. De esta manera, el público tiene un puzle que construir ante los numerosos indicios que el cineasta y su coguionista Isabel Peña han diseñado en los comienzos del proceso creativo.
Para explicar la elaboración del ritmo, esta tesis entrecruza varias fuentes de documentación. El análisis de las películas está contrastado con las declaraciones de los que han participado en su elaboración, las reseñas críticas de la prensa especializada, algunas aportaciones de manuales y ensayos cinematográficos de mayor relevancia, y varios comentarios de cineastas que han marcado la historia del séptimo arte con la creación de un universo y un ritmo cinematográfico genuino.
Como líneas secundarias de investigación, este análisis profundiza en el concepto de creación audiovisual, intrínsecamente unido al del trabajo en equipo, y también el marco en el que Sorogoyen ha desarrollado sus primeras películas: una etapa del cine español en el que una numerosa generación de jóvenes directores ha sabido superar las carencias económicas con talento y audacia.

Este texto analiza algunas de las metáforas del film experimental La fórmula secreta (1965), del mexicano Rubén Gámez, como una manera de visibilizar la crítica que se hace a la condición social de diversos sectores de mexicanos en los años 60, lo cual ocurre justo en medio del milagro mexicano, la época de construcción de una nación desarrollada e industrializada que con-virtió a las clases campesinas en obreros; creó las burocracias; y, bajo las ideas de progreso, nos hizo aceptar las ideas de un supuesto mejor vivir a través del consumo y la asunción de ciertos idea-les. Para construir esta crítica, el film de Gámez se nutre de un texto del escritor Juan Rulfo, narrado al derecho y al revés en la voz del poeta Jaime Sabines.

El libro que reseñamos, “El Montaje: la única invención del cine” (2020) de JacquesAumont, editado al español por La Marca editora, se trata de un texto ensayístico encinco partes que nos ofrece una selecta genealogía crítica sobre la invención, laimposición y la renovación del montaje cinematográfico para cuestionar la ausenteteorización actual ante su praxis contemporánea. Como advertencia considera a ladigitalización y despersonalización como fenómenos base para repensar la práctica delmontaje ante las derivas del cine y el audiovisual contemporáneos.

Mediante una lectura crítica de la cuarta película de Lucrecia Martel, Zama (2017), basada en la novela homónima de Antonio di Benedetto (1956), elaboramos una reflexión sobre la relación entre cine e historia, destacando las estrategias empleadas por la directora argentina en el montaje de su obra. Sostenemos que, más allá de un uso meramente instrumental e ilustrativo del cine, Martel permite pensar el montaje cinematográfico como un modo de desnarrativización y de desmonumentalización del relato convencional de la historia, abriendo con ello una relación con el pasado, liberado de las lógicas historicistas convencionales que parecen caracterizar tanto al género documental como al cine político en general. En este sentido, la cuestión de la historia y sus reverberaciones aparecen en Zama como elementos que permiten complicar la relación convencional de cine y política.

Resumen El libro que reseñamos, "El Montaje: la única invención del cine" (2020) de Jacques Aumont, editado al español por La Marca editora, se trata de un texto ensayístico en cinco partes que nos ofrece una selecta genealogía crítica sobre la invención, la imposición y la renovación del montaje cinematográfico para cuestionar la ausente teorización actual ante su praxis contemporánea. Como advertencia considera a la digitalización y despersonalización como fenómenos base para repensar la práctica del montaje ante las derivas del cine y el audiovisual contemporáneos. Palabras clave: Montaje cinematográfico; teoría del cine; teoría de la imagen; historia del cine; estética audiovisual.

Este artículo revisa los repertorios audiovisuales que han abordado las desigualdades sociales brasileñas en las últimas décadas con el objetivo de discutir la coincidencia entre los procesos de inclusión social y la diversificación de los mecanismos de producción y circulación de imágenes en movimiento que se produce con la transformación digital, un proceso global. En Brasil, la diversificación de medios estimula la articulación y diversificación de voces antes inaudibles e invisibles en el espacio público. Rastreo objetos audiovisuales que han extendido la amplitud de la democracia brasileña introduciendo cuestiones éticas y estéticas sobre cómo filmar la desigualdad y la discriminación de clase, color y género sin contribuir a reforzar la discriminación. Este debate moviliza la crítica, pero se desarrolla en forma fílmica, articula memorias personales, colectivas y/o ancestrales, produce archivos donde no existen o son inaccesibles, e involucra la imaginación de futuros inclusiv...

El juego fílmico se da por las necesidad de interpretación particular de dos obras de la historia cinematográfica colombiana: Agarrando Pueblo –1978– como centro del debate, utilizando uno de sus fotogramas finales en contraposición con una escena clásica del documental Chircales –1971–. La Reflexión es posible al cruce y dialogo de varios textos, aclarando que su contenido final posibilita vislumbrar una forma de acercarse al hecho fílmico desde la relación cine e historia, y si se quiere desde otras disciplinas de las ciencias humanas. El texto se divide en cinco partes, y puede servir de modelo experimental para otras realizaciones cinematográficas que por su naturaleza se parecen o contraponen en su puesta en escena.

El libro que reseñamos, “El Montaje: la única invención del cine” (2020) de JacquesAumont, editado al español por La Marca editora, se trata de un texto ensayístico encinco partes que nos ofrece una selecta genealogía crítica sobre la invención, laimposición y la renovación del montaje cinematográfico para cuestionar la ausenteteorización actual ante su praxis contemporánea. Como advertencia considera a ladigitalización y despersonalización como fenómenos base para repensar la práctica delmontaje ante las derivas del cine y el audiovisual contemporáneos.

El libro que reseñamos, “El Montaje: la única invención del cine” (2020) de JacquesAumont, editado al español por La Marca editora, se trata de un texto ensayístico en cinco partes que nos ofrece una selecta genealogía crítica sobre la invención, la imposición y la renovación del montaje cinematográfico para cuestionar la ausente teorización actual ante su praxis contemporánea. Como advertencia considera a la digitalización y despersonalización como fenómenos base para repensar la práctica del montaje ante las derivas del cine y el audiovisual contemporáneos.

Mediante una lectura crítica de la cuarta película de Lucrecia Martel, Zama (2017), basada en la novela homónima de Antonio di Benedetto (1956), elaboramos una reflexión sobre la relación entre cine e historia, destacando las estrategias empleadas por la directora argentina en el montaje de su obra. Sostenemos que, más allá de un uso meramente instrumental e ilustrativo del cine, Martel permite pensar el montaje cinematográfico como un modo de desnarrativización y de desmonumentalización del relato convencional de la historia, abriendo con ello una relación con el pasado, liberado de las lógicas historicistas convencionales que parecen caracterizar tanto al género documental como al cine político en general. En este sentido, la cuestión de la historia y sus reverberaciones aparecen en Zama como elementos que permiten complicar la relación convencional de cine y política.

Eduardo Ducay ejerció de traductor de libros de cine en tres periodos distintos de su vida. A mediados de los años cincuenta, tradujo El arte del cine. Notas para una valoración crítica del cine (1954) de Ernest Lindgren y Reflexiones sobre el cine. Notas para la historia del arte cinematográfico 1920-1950 (1955) de René Clair, ambos para la editorial Artola. En 1960, tradujo un título que devino clásico, Técnica del montaje de Karel Reisz para Taurus Ediciones. Y por último, en 1963, tradujo para la misma editorial Técnica del cine animado, de John Halas y Roger Manvell. Visto desde hoy, cabría interpretar estar labor de Ducay como una mera cuestión de supervivencia, anecdótica en la vida de uno de los más destacados productores de la historia del cine español. Desde luego, sobrevivir en el Madrid de la época, en periodos de vacío o indecisión profesional tuvo mucho que ver. Pero el papel jugado por esas traducciones en la trayectoria de nuestro personaje, incluida la repercusión alcanzada por alguna de ellas, está muy lejos de la anécdota.

Entre el 8 y el 12 de marzo de 2004, el cineasta Víctor Erice impartió un curso en el Aula de Cultura de la CAM de Alicante titulado «Documental y Ficción: un acercamiento a la doble naturaleza del cine». Un curso -el segundo de estas características que celebraba el autor de "El sol del membrillo", tras el organizado en el Centro Galego de Artes da Imaxe (CGAI) de La Coruña en 1994- planteado como una aproximación a los fundamentos de la creación fílmica desde su condición de realizador y espectador cinematográfico.

El objetivo general del presente estudio es identificar cuáles son los factores que han
incidido en que el uso del celular haya transformado los procesos de creación y producción audiovisual de algunos participantes ganadores del festival Smartfilms Colombia 2020; para lo cual  fue  necesario  indagar  cómo  el  uso  del  celular  permite  la  creación  y  producción  en participantes del festival, analizar cortometrajes de algunos participantes ganadores del festival y recopilar sus experiencias. El estudio es descriptivo con enfoque cualitativo en el cual se utilizó la entrevista para abordar a dos de los ganadores del festival en  diferentes modalidades, y la observación de seis cortometrajes de los participantes ganadores del festival Smartfilms Colombia 2020 de diferentes categorías; a los cuales se les hizo un análisis de contenido, en lo que respecta a tratamiento de imagen y sonido, aspectos técnicos (uso del soporte) y dinámicas de producción (equipo humano y su participación dentro del cortometraje); además de la recopilación de las experiencias de los realizadores.

Los resultados de la investigación muestran que el uso del celular permitió la creación y producción  de  piezas en  participantes  del  festival  Smartfilms  Colombia  2020,  además,  la observación de los cortometrajes evidenció que el recurso del celular permite el abordaje de cualquier narrativa, donde la recursividad y la creatividad son las que permite la técnica, y estética de la obra. Estos aspectos de libre acceso a la tecnología específicamente al celular y el uso del mismo para contar historias, hace de esto una práctica afín con lo que se conoce como la democratización del cine, concepto de que se habla más a profundidad en el presente trabajo

El objetivo de este artículo es exponer el planteamiento metodológico para desarrollar un estudio neurocinemático del cambio de plano por corte. Concretamente, el estudio se realiza mediante el análisis del event-related desynchronization/synchronization del electroencefalograma registrado sobre espectadores. Se parte desde una perspectiva general describiendo las implicaciones de aplicar las metodologías neurocinemáticas al análisis fílmico, para finalizar con la peculiaridades que implica nuestra investigación. En nuestro caso trabajamos a partir de fragmentos cinematográficos extraídos de largometrajes ya existentes, realizamos un registro neuronal con 31 electrodos y aplicamos un análisis estadístico basado en el test de permutaciones, el test de correlación de Spearman y el análisis de pendientes sobre la señal registrada transformada al dominio de la frecuencia.

El presente artículo analiza el documental Parábola del retorno, realizado por el director colombiano residente en Londres Juan Soto (2016), para reflexionar sobre cómo el cine
puede ser una herramienta más para hablar de los conflictos. El protagonista de la trama huye
de la violencia política y de la guerra de Colombia, por lo que la historia se centra en la rememoración de la vida de este en el exilio, en mostrar visualmente el retorno y en exponer el anhelo
de lo que pudo ser y no fue. El artículo se enmarca en el campo de los estudios culturales y utiliza una metodología cualitativa a partir del análisis histórico y contextual, así como del uso del
decoupage aplicado a la idiosincrasia del cine documental. El director explora en su obra la representación de la ausencia, del destiempo, del destierro y, por extensión, de la identidad. El documental, a partir del uso del lenguaje audiovisual, hace reflexionar al espectador sobre estos
temas y se convierte en una aproximación a la memoria histórica de un país y de una sociedad
que, tras más de 60 años de guerra, afronta el reto de construir memoria sin olvidar a las víctimas en medio de un frágil proceso de paz.

La neurocinemática permite analizar la naturaleza del film a partir de las mediciones biométricas del espectador cinematográfico. A partir de estos registros biométricos, podemos reconocer e identificar los mecanismos cognitivos del espectador cinematográfico ante los estímulos presentados durante el desarrollo del film. Partiendo del ecologismo cognitivo cinematográfico se está produciendo una revisión de las teorías cinematográficas ya existentes, configurando un nuevo corpus teórico centrado en cómo el cerebro reacciona antes los inputs cinematográficos percibidos. El cambio de plano por corte es uno de los aspectos sobre los que más se ha teorizado a lo largo de la historia del cine y la neurocinemática nos permite una nueva forma de abordar su estudio y análisis. De esta forma, podemos revisar propuestas teóricas previas como puede ser el efecto Kuleshov, así como avanzar en nuevas propuestas teóricas gracias a las evidencias que nos permite alcanzar la neurociencia.

Las teorías del montaje de Eisenstein representan unas de las contribuciones más importantes del cineasta ruso al lenguaje y la narrativa cinematográfica. Su impacto en la formación de profesionales audiovisuales y académicos es mundialmente reconocido. No obstante, esta parte de su ...

El presente artículo indaga algunas implicaciones ontológicas y políticas del fenómeno de reproducción técnica tal como se presenta a inicios del siglo XX. Hay cierto consenso básico en filosofía de la técnica sobre la idea de que las innovaciones sociales y políticas no pueden comprenderse independientemente de la emergencia y utilización de ciertos medios técnicos. Nuestro interés en este trabajo reside en explorar críticamente una faceta habitualmente subestimada en este tipo de indagación sobre la técnica: cómo las propiedades inherentemente técnicas atadas a ciertos nuevos sistemas técnicos (entre ellos, los sistemas de reproducción) favorecen fácticamente a algunos fines y, por tanto, tienden hacia una serie de utilizaciones en desmedro de otras. Con este objetivo en mente, el presente trabajo reconstruye la posición de Walter Benjamin sobre el problema de la copia reproductible y lo pone en diálogo con las críticas recientes de Hennion y Latour.

Uno de los rasgos de las sociedades contemporáneas es que cualquier momento es fácilmente apropiado por el sistema capitalista. Nos ayudará a cuestionar dicha situación, y a percibir cuales son las experiencias temporales que fugan de esta realidad, el análisis de algunas propuestas artísticas coetáneas a la autoexplotación del sujeto. La hipótesis que se plantea sugiere que a partir de estas brechas —de estos instantes— se pueda tener un punto de partida desde el cual encontrar otro tiempo.

En este trabajo se analiza la incursión en la escritura ficcional de Graciela Batticuore a través de la apropiación de los recursos narrativos de la cinematografía y su impacto en las formas de lectura actual en las literaturas de la  Argentina1.
      La producción escrita no ficcional de Graciela Batticuore se sustenta en un trabajo  minucioso y cuidado junto al registro de imágenes desde fuentes diversas,  tal es el caso de su ensayo “Lectoras del siglo XIX” que contiene varios formatos relacionados con lo visual.
        En su primera novela publicada en el 2019, “Marea”, la apropiación de la imagen desde la palabra tiene la impronta del cine,  la novela conforma con dinamismo una variante en la escritura de la autora, con la imagen como centro. La novela utiliza lo visual como herramienta que vivifica sueños y recuerdos de Nina, protagonista de las acciones.
Esta forma trae al presente del relato, lo sucedido que se reconfigura a través de herramientas estilísticas del cine del siglo XX: planos, insertos y montaje, como punto de inicio.
    La importancia del orden de las imágenes referidas junto con la configuración de lo cinematográfico son el archivo(recuerdos) en la conciencia de la protagonista, se enmarca bajo lo expresado en el epígrafe del inicio de Cesare Pavese “ Aquí, recordar, no es moverte en el tiempo sino salir de él y saber qué somos…” (Batticuore:2019:9)

Entrevista a Andrea Kleinman, Lucía Torres Minoldo y Valeria Racioppi. Montajistas argentinas con las que conversamos en torno a su oficio, a las ideas que tienen sobre el montaje, la formación profesional, los métodos de edición en la ficción y en el documental, y el trabajo con archivo. También emergen ideas relativas al trabajo colaborativo y a cuestiones de desigualdad de género, que nos invitan a revisar el sistema de funcionamiento de algunas formas de trabajo que aún operan en la industria del cine.

Resumen. Este artículo presenta un análisis descriptivo de los artículos científicos presentes en Web of Science que atienden al montaje cinematográfico entre 1976 y 2019 (n 148). El análisis bibliométrico atiende al autor, sexo, universidad de afiliación, idioma, revista, nacionalidad de la revista, año de creación de la revista, tipología del trabajo, palabras clave, año de publicación, número de citas recibidas y categoría de WoS en la que se recogen las publicaciones. Además, se realiza un análisis cuantitativo de los resúmenes y textos de las publicaciones disponibles en línea, cuya finalidad es detectar los temas, muestras y metodologías frecuentemente empleados. Los resultados ponen de manifiesto que desde 2015 se ha producido un leve aumento del interés en el montaje. Aún así, su atención es escasa. Pese a que hay un mayor número de revistas que atienden al tema, cada una publica únicamente un artículo al año sobre montaje. Las revistas con más artículos sobre montaje son británicas y estadounidenses, pero también destaca la española Atalante. La mayor parte de publicaciones se realizan en revistas que abordan el montaje desde una perspectiva cognitiva o neuropsicológica, que son las que aglutinan los artículos más citados. Las investigaciones sobre montaje suelen presentar análisis del montaje de la filmografía de algún autor o de técnicas o largometrajes específicos. Siguen mayoritariamente una metodología cualitativa, centrada en recursos o autores vinculados al montaje constructivo principalmente, o presentan experimentos neuropsicológicos. Palabras clave: Bibliometría; Web of Science; montaje cinematográfico; producción científica; artículos. [en] Research on film editing in Web of Science in communication, film, radio & television, psychology and neurosciences & neurology Abstract. This article provides a descriptive analysis of the scientific articles available on Web of Science focusing on film editing from 1976 to 2019 (n 148). The bibliometric analysis takes into account the author, gender, university affiliation, language, journal, nationality of the journal, year of creation of the journal, work typology, keywords, year of publication, number of citations obtained and the WoS category in which these publications are included. Furthermore, a quantitative analysis of the abstracts and articles of all publications available online was carried out. Its purpose is to identify the topics, samples and methodologies most frequently used. Results show that there has been a slight increase in interest in editing from 2015 onwards. However, there is little interest in it. Despite the fact that there are a greater number of magazines that cover the subject, each one publishes only one

El objetivo de este artículo es exponer el planteamiento metodológico para desarrollar un estudio neurocinemático del cambio de plano por corte. Concretamente, el estudio se realiza mediante el análisis del event-related desynchronization/synchronization del electroencefalograma registrado sobre espectadores. Se parte desde una perspectiva general describiendo las implicaciones de aplicar las metodologías neurocinemáticas al análisis fílmico, para finalizar con la peculiaridades que implica nuestra investigación. En nuestro caso trabajamos a partir de fragmentos cinematográficos extraídos de largometrajes ya existentes, realizamos un registro neuronal con 31 electrodos y aplicamos un análisis estadístico basado en el test de permutaciones, el test de correlación de Spearman y el análisis de pendientes sobre la señal registrada transformada al dominio de la frecuencia.

No es exagerado decir que Glauber Rocha fue durante más de una década una de las figuras más influyentes de la cinematografía mundial. Rocha fue realizador, productor, crítico y teórico. En sus últimos años de vida teoriza en torno a lo que él llama montaje nuclear, un tipo de montaje que quizás sea la síntesis de toda una vida de búsqueda de un lenguaje cinematográfico desde el tercer mundo. Sin embargo, el montaje nuclear ha sido aún muy poco estudiado. Quizás porque él mismo escribió y habló poco al respecto, quizás porque fue intencionalmente oscuro al hacerlo, quizás porque la crítica destrozó a su última película, quizás porque su muerte prematura impidió que desarrollara más su propuesta. En este artículo revisamos lo que Rocha y algunos de sus estudiosos han dicho sobre el montaje nuclear, para después llegar a una lectura del mismo desde la experiencia festiva barroca, tal cual la encontramos expresada en el montaje de la cinta La edad de la Tierra.

El presente artículo estudia y examina la serie fotoliteraria de Victor Burgin titulada Gradiva (1982). Este artista y teórico de la imagen reflexiona en ella acerca de las asunciones culturales que limitan el lenguaje y las posibilidades expresivas de dos medios como la fotografía y el cine. A través del argumento de la novela de Wilhelm Jensen Gradiva: una fantasía pompeyana (1903), Burgin aúna su interés por el psicoanálisis y su trabajo como filósofo de los medios de comunicación. La iconología de esta heroína se enriquece con las posibilidades de lectura surgidas gracias a la utilización del rebus como instrumento expresivo en la obra de Burgin.

Large organizations have the human, material and financial resources to undertake new product development (NPD) and innovation on a continuous basis. Skills, knowledge, technology and know-how can be purchased as required. Risks can be assessed on an on-going basis using (generally) the business approach to new product development. Small to medium sized enterprises face different challenges in new product development and innovation. Lacking the resources of the large corporations they need to be clever, selective and agile when allocating resources to NPD and innovation if they are to survive, grow and prosper in an increasingly competitive and global market. This paper provides an account of approaches and tactics currently employed by the author to assess competitiveness; it shows how plans are formulated to improve company competitiveness and how these plans are implemented.

Este artículo presenta un análisis descriptivo de los artículos científicos presentes en Web of Science que atienden al montaje cinematográfico entre 1976 y 2019 (n 148). El análisis bibliométrico atiende al autor, sexo, universidad de afiliación, idioma, revista, nacionalidad de la revista, año de creación de la revista, tipología del trabajo, palabras clave, año de publicación, número de citas recibidas y categoría de WoS en la que se recogen las publicaciones. Además, se realiza un análisis cuantitativo de los resúmenes y textos de las publicaciones disponibles en línea, cuya finalidad es detectar los temas, muestras y metodologías frecuentemente empleados. Los resultados ponen de manifiesto que desde 2015 se ha producido un leve aumento del interés en el montaje. Aún así, su atención es escasa. Pese a que hay un mayor número de revistas que atienden al tema, cada una publica únicamente un artículo al año sobre montaje. Las revistas con más artículos sobre montaje son británicas y estadounidenses, pero también destaca la española Atalante. La mayor parte de publicaciones se realizan en revistas que abordan el montaje desde una perspectiva cognitiva o neuropsicológica, que son las que aglutinan los artículos más citados. Las investigaciones sobre montaje suelen presentar análisis del montaje de la filmografía de algún autor o de técnicas o largometrajes específicos. Siguen mayoritariamente una metodología cualitativa, centrada en recursos o autores vinculados al montaje constructivo principalmente, o presentan experimentos neuropsicológicos.
Palabras clave: Bibliometría; Web of Science; montaje cinematográfico; producción científica; artículos.

Research on film editing in Web of Science in communication, film, radio & television, psychology and neurosciences & neurology

This article provides a descriptive analysis of the scientific articles available on Web of Science focusing on film editing from 1976 to 2019 (n 148). The bibliometric analysis takes into account the author, gender, university affiliation, language, journal, nationality of the journal, year of creation of the journal, work typology, keywords, year of publication, number of citations obtained and the WoS category in which these publications are included. Furthermore, a quantitative analysis of the abstracts and articles of all publications available online was carried out. Its purpose is to identify the topics, samples and methodologies most frequently used. Results show that there has been a slight increase in interest in editing from 2015 onwards. However, there is little interest in it. Despite the fact that there are a greater number of magazines that cover the subject, each one publishes only one

Estando de acuerdo con García Canclini (1995) en cuanto a que el consumo sirve para pensar, no es menos cierto que el cine también. Y mucho más en tiempos como los actuales en los que una crisis sanitaria está asolando el planeta, a lo que va aparejada una crisis económica que algunos teorizan similar o incluso peor a la de 1929. Es por ello que pensamos que dos obras cinematográficas recientes se pueden colocar en el centro de una reflexión teórica, pero no solo para comprender de mejor manera el mundo de la economía sino para exponer una socioantropología económica en clave comparativa, a la vez que poder relacionarla con ciertas teorizaciones en torno a la filosofía política. Las obras a las que nos referimos son “El Hoyo” (Galder Gaztelu-Urrutia, 2020) y “Parásitos” (Bong Joon-Ho, 2019) y el armazón teórico desde el que discutiremos está formado por conceptualizaciones sociológicas y antropológicas de diversa procedencia. Lo que pretendemos mostrar es cómo ambas películas se enf...