Recherche-Création

Faire le récit de sa pratique de recherche-création 1 Louis-Claude Paquin Professeur [titulaire] à l'École des médias Université du Québec à Montréal 1 Je tiens à remercier les étudiantes et étudiants dont je dirige la thèse ou le mémoire création qui m'ont fait confiance et accepté de faire le récit de leur pratique de recherche-création, c'est en partie à cause d'eux si j'ai pu écrire ce texte. 2 Ce texte est une reprise adaptée d'une phase de la Méthode de recherche-création par cycles heuristiques en cours d'écriture. Faire le récit de pratique de recherche-création constitue la 3 e phase d'un cycle heuristique qui suit la 2 e phase, celle d'exploration, de production, qui est initiée par la formulation d'une question de recherche-création, phase qui initie un cycle. Un cycle heuristique est complété par une 4 e phase consacrée à l'explicitation de connaissances produites durant le cycle.

Cette thèse-filmique s'articule autour de deux questions principales : comment aborder l’articulation des différences (qu’elles soient d’ordre genré, sexuel, culturel, racial, physique ou subjectif) telles qu'elles se retrouvent spécifiquement dans certains films québécois ; et, dans quelle mesure l’étude critique des différences permettent-elles de concevoir le cinéma comme un régime de la représentation (Hall 1997a) québécois articulé autour de certaines normativités (Butler, 2004)? On retrouve dans la littérature sur le cinéma québécois des préoccupations sur les questions associées à l’identité nationale liées avec des pratiques de différenciations identitaires et sociales (Poirier, 2004a, 2004b; Boulais, 2006; Barrette, 2009; Juteau et Fontaine, 1996) renvoyant à une opposition entre « nous/soi » et « l’Autre ». Afin de répondre à une urgence politique de considérer autrement ces questions, j’ai adopté une posture intersectionnelle (Bilge, 2009). L’intersectionnalité me permet d’aborder les différences de façon inductive afin d’ouvrir une discussion intégrée sur les rapports de pouvoir et l’articulation des oppressions. À ce sujet, je considère qu’une lutte de pouvoir autour de la représentation (Hall, 1997a; du Gay et al., 1997) s’inscrit dans une lutte plus large concernant des rapports de force dans la société québécoise. Inspirée par les théories queer et féministes, les études cinématographiques et les Cultural Studies, j’ai développé une méthodologie autoethnographique au sein d’une méthodologie de recherche-création (Sawchuk et Chapman, 2012). L’intermédialité de mon projet permet de nouvelles possibilités (Mariniello, 2000) notamment en créant un espace de réflexion favorisant l’échange entre diverses voix et expériences, mais également en brouillant les frontières méthodologiques et médiatiques de ma démarche, permettant d’approfondir de façon intuitive et exploratoire le concept de la rencontre. En effet, la rencontre et l’expérience de la rencontre ont joué un rôle à la fois conceptuel et personnel dans ce projet. Elle me permet d’éviter de fixer la différence, et plutôt de l’aborder dans son processus de reconnaissance et d’émergence d’une identité.

Je ne sais pas ce que c'est » Mouvement, détournement, montage Pierre Baumann Il n'y a pas de théorie de ce qui se fait (de ce que je fais : des « collages »), parce que ce qui se fait ne ressort d'aucune globalité. Tout au plus peut-on parler du geste qui inaugure la production, de son intentionnalité, de sa « musculature », de sa vitesse, de son rapport au plan, de l'espace qu'il engendre, du vent qu'il agite, etc. : « une gestualité théorique » / « une théorie gestuelle » -le moment où la forme est tout entière (inconnue-informe comme l'impossible) dans le geste suspendu 1 .

(English follows)

Le Topological Media Lab est à la fois un atelier et un centre de recherche; il a pour objectif de procéder à l’étude expérimentale des modalités gestuelles, performatives et corporelles de l’expression dans un environnement numérique interactif. Fondé à Atlanta en 2001 et transféré à Montréal en 2005, il fédère divers types de pratiques collectives, dont un atelier de création artistique, une compagnie de théâtre et un laboratoire de recherche sur les nouvelles technologies. Depuis six ans, au prix de nombreux tâtonnements, le Topological Media Lab permet un échange fragile entre des disciplines très différentes qui évoque peut-être la conversation cosmopolitique chère à Isabelle Stengers. Les expériences qui y sont menées ont pour but d’aborder, sur le mode empirique, des questions éthico-esthétiques, par exemple les problématiques relatives au mouvement corporel (intentionnel ou accidentel, collectif ou individuel) ou encore les relations entre le mouvement et la mémoire du corps ou la mémoire de l’espace. L’un des soucis qui guident en permanence le travail du Topological Media Lab consiste à aborder la question de la nouveauté en termes topologiques, matériels et poétiques, dans une perspective éthique mais non anthropocentrique. Dans cet article, je m’attache à étudier quelques-unes des modalités d’une pratique conçue en termes de “recherche-création.”

ENGLISH:

Two decades ago, Felix Guattari pointed to the heterogeneous machines around us: material, semiotic / diagrammatic / algorithmic, corporeal, mental / representational / informatic, libidinal / affective, and asked whether we could construct machines that act "transversally" across those machines.   For nine years, the Topological Media Lab has been working as atelier-laboratory transversal to computer science, performing arts, and more recently architecture and the built environment, generating insights and techniques in the domain of new media and responsive environments.

My question is to what extent can we instantiate such transversal machines as novel technologies of performance, and as novel performance practices outside conventional marked settings for performance?

Complementary to this, I also describe the political economy of running such an atelier-laboratory that has evolved as an alternative social economy which seems particularly relevant in the context of the current economy.  (This last is joint work with Niklas Damiris and Doug McDavid.)

This is the second of a two-part essay on art research and artistic practice modeled after scientific laboratory practice as well as the pre-industrial atelier.

This contributes to the STS literature on the recent hybridizing of laboratory practice with art practice that we have seen with the development of art practices that rely more systematically not only on black-boxed emerging technologies, but also on the institutional practices that give rise to those technologies.  Contexts include ATT Bell Labs E.A.T., and Xerox PARC's Artist residencies.

Este texto aborda una serie de ideas que son el germen y los primeros planteos de mi trabajo de tesis de Maestría en Metodología de la Investigación Científica, que apunta a explorar los terrenos que la práctica artística y la práctica científica comparten en el contexto actual de investigación - creación latinoamericano. Así, se busca entender cómo estas prácticas se ven implicadas una con la otra, aunque se desarrollen en diferentes espacios epistémicos. Focalizando especialmente en la medida en que la práctica artística musical es reconocida y apropiada como proceso de investigación en los espacios que proponen las distintas instituciones y los actores que las conforman, se diseñó una serie de entrevistas con grandes referentes latinoamericanos de la investigación - creación, que si bien está en proceso, deja entrever algunas problemáticas que son recurrentes y que se plantearán a continuación.

Ce mémoire de recherche-création cherche à repérer trois figures de mise en scène dans le cinéma des frères Dardenne (la caméra portée à l'épaule, le cadrage restreint, le plan- séquence) et d’identifier en quoi celles-ci sont génératrices d’une tension transnarrative qui garde le spectateur en haleine, lui procure des affects, l'engage dans la narration, le choque ou le bouleverse : bref, lui fait vivre une expérience intense. Par une analyse de la scène d’ouverture de Rosetta, nous décrirons comment la caméra mobile portée à l’épaule exprime l’affolement du personnage éponyme tout en proposant un pôle d’identification spectatoriel inédit. Le Fils sera ensuite étudié afin de cerner comment les frères Dardenne emploient le cadre comme un cache afin de générer une tension narrative dans une logique de réticence informationnelle. L’usage du plan-séquence, que nous suggérons d’interpréter comme une sorte de réalité virtuelle permettant de faire l’expérience de la solidarité sociale, fera également l’objet d’une analyse à partir de son usage dans Deux jours une nuit. En guise de conclusion, nous verrons comment nous nous sommes inspirés de ces trois figures de mise en scène dans Tala, le court-métrage de fiction qui accompagne ce mémoire.

----

This research & creation thesis aims to identify three components of the Dardenne brothers' directing style (over-the-shoulder camera, tight framing and long take) and try to describe how they generate a transnarrative tension that captivates the audience, immerses it in the story, shock it or move it : in other words, these components make the viewer go through an intense experience. We will analyze the opening scene of Rosetta to describe how the over- the-shoulder camera visually translates the character's emotions whilst suggesting a new type of spectatorial identification. Le Fils will then be analyzed, hoping to demonstrate how the Dardennes' use of tight framing creates mystery and suspense by discarding narrative information. Finally, Deux jours une nuit will allow us to examine the brothers' use of the long take, which we choose to read as a type of virtual reality that allows the viewer to experience social solidarity. As a conclusion, we will explain how these three directing components have been recuperated in Tala, the short fiction film that makes up the creation part of this thesis.

Qu'est-ce qu'une recherche-création et comment reconnaître cette méthodologie dans le milieu académique ? Cet article a pour sujet la représentation de la différence dans le cinéma québécois et propose une réflexion intersectionnelle et créative afin de réfléchir au contexte entourant cette représentation. Identifiée comme une « thèse-filmique », ma recherche se situe dans un amalgame unique de la recherche-création et de l'autoethnographie et cherche à innover en matière de recherche académique. En effet, une recherche doctorale en recherche-création est une méthode de recherche émergante dans les sciences sociales et les sciences humaines francophones. La méthodologie discutée dans cet article constitue une articulation entre autoethnographie et recherche-création.

Abstract: What is a research-creation and how can we acknowledge this methodology in academia? The latter subject of this research is the representation of the difference in Quebec cinema. It offers an intersectional and creative approach for thinking the context surrounding representation of differences. Identified as a " thesis film " , my research is a blend of research-creation and autoethnography and seeks to challenge traditional academic research. Indeed, a doctoral research in research-creation is an emerging method in the social sciences and humanities, especially in the French language. The methodology discussed in this article is a link between autoethnography and research-creation.

This article is the result of a presentation reflecting on the results of a series of interviews with contemporary “avant-garde” American and French poets from two generations who also run their own small presses. Issues such as receptivity, invisibility, distribution, collectives, the capacity for their authors to be seriously considered for literary prizes of a national and international stature, and the sense of the avant-garde as further marginalized by limited access to mainstream, recognized works, (those found in Borders/Amazon/Barnes & Noble, for example), were explored.

Publisher-authors included Lyn Hejinian (Atelos and Tuumba Press), Julie Carr (Counterpath Press—with Tim Roberts), Jérôme Mauche (Les Petits Matins), Cole Swensen (La Presse—publishing only translations from the French), Pascal Poyet (contrat maint), Charles Alexander (Chax Press), Brenda Iijima (Yo-yo labs), Tracey Grinnell (Litmus Press), Joshua Clover (**), Dan Machlin (Futurepoem Books), Michaël Batalla (éditions du Clou dans le Fer, collection expériences poétiques), Vanesse Place (Les Figues Presse) and Susana Gardner (Dusie Press, based in Switzerland).

Supplemental questions were be posed to a handful of poets who have published with these presses and/or other small presses and who have also later had the opportunity (or wish to) to see their work taken by mainstream or wider-distribution presses, such as Barrett Watten, Carla Harryman, Alice Notley, Susan Howe, Claude Royet-Journoud, Jacques Sivan, Vannina Maestri, Bhanu Kapil, Virginie Poitrasson, Frédéric Forte, Christophe Marchand-Kiss, Marie-Céline Siffert, Martin Richet, Michelle Noteboom, Laura Mullen and to such publishers who have radicalized the accessibility of avant-garde poetries, such as Al Dante, POL, or Green Integer/Sun & Moon. This article asks and reflects on the question: Have such publishing practices created not only domestic webs of contacts in the USA, thus co-publishing opportunities and readership, but even international ones?

The Topological Media Lab, is an atelier and academic research center for the experimental study of gestural, performative, and embodying expression in responsive media environments.    Established in Atlanta USA in 2001 and transplanted to Montreal Canada in 2005, the atelier amalgamates the collective practices of an art atelier, a theatre company, and an engineering research lab.  Over the past 6 years, a delicate, ungainly ecology of practices has flourished that may resemble the cosmopolitical conversation of which Isabelle Stengers has written. Its experiments constitute stammering empirical, ethico-aesthetic ventures into questions such as the spectra of intentional and accidental, or collective and solo corporeal movement, and the relation between movement and body-memory or room-memory. One fundamental stream of inquiry that this atelier has sustained over the decade is a topological, material, poetic, humane but non-anthropocentric approach to the question of novelty.  I consider some working ethos constituted in the institutional economics of "recherche-création".

Ce texte propose une méthode pour effectuer une recherche-création en milieu universitaire. Une méthode qui entrecroise création et recherche. Une méthode qui permet d'approcher le mémoire ou la thèse création de façon organique, non pas comme une finalité, mais comme un processus itératif. Il s'agit d'une version abrégée de la méthode qui se concentre les aspects procéduraux et laisse de côté les nécessaires discussions de nature épistémologique et théorique qui fondent celle-ci. La version complète sera disponible dans quelques mois.

Cette recherche, de type exploratoire, avait pour but de développer une méthodologie pour analyser l’ensemble du processus créatif dans le travail d’interprétation d’une pièce musicale et ce, grâce à une étude pilote avec un seul cas. Nous avons utilisé les moyens de collecte des données relatives au travail instrumental qui ont déjà été validés par différents auteurs, dont Chaffin et Imreh (2002) et Chaffin et al. (2003), soit l’enregistrement des répétitions comportant des verbalisations, leur description par un observateur et les questionnaires réflexifs. De plus, nous avons employé une technique d’entretien inspirée de l’autoconfrontation (Theureau 2010 ; Vermersch 1994). Nous avons procédé à l’analyse de contenu de chacune des répétitions, puis nous avons utilisé l’analyse par théorisation ancrée (Paillé 1994) pour analyser l’ensemble des données (répétitions, verbalisations, observations et entretiens). Bien que nos résultats recoupent ceux déjà mentionnés dans la littérature scientifique existante en ce qui concerne les étapes de travail du musicien (Chaffin et al. 2003), ils mettent cependant à jour de nouveaux phénomènes, relatifs notamment au travail de l’expressivité de l’oeuvre et qui font l’objet d’une nouvelle étape de travail que nous avons appelée appropriation artistique. Lors de cette étape, le sujet rattachait le sens musical abstrait de l’oeuvre à des éléments inspirés de son vécu, grâce à l’utilisation d’analogies et d’une trame narrative, dans le but de donner un sens plus personnel au texte musical et favorisant, selon lui, une interprétation plus convaincante. La nature du travail effectué durant cette phase repose sur la recherche d’un sentiment de justesse de l’expressivité du jeu (caractère, nuances, sonorité, phrasé, etc.) que le sujet utilise pour valider la qualité et l’authenticité de son interprétation musicale. La méthodologie développée permettra d’étudier, dans le cadre de futures recherches comportant plusieurs sujets, l’ensemble du processus créatif au coeur du travail d’interprétation d’une pièce musicale.
Abstract
Experimentation of a new methodology that explains the process of creation in a musical interpretation

This research, a pilot study with a single subject, aimed to try a new methodology to analyze effectively the entire creative process of interpreting a musical piece. The first step of this study was to collect data with the help of instrumental work observation techniques already validated by different researchers, e.g. Chaffin and Imreh (2002) and Chaffin and al. (2003). These means included rehearsal recordings containing verbalizations by the musician, descriptions by a third-party observer and reflexive questionnaires, followed by a content analysis of the rehearsal recordings. Afterwards, we used an interview technique inspired by the self-confrontation interview method (Theureau 2010; Vermersch 1994). All the data collected was then analyzed through a grounded-theory analysis (Paillé 1994). Although our results tally with those already mentioned in scientific literature, particularly when it comes to the different work stages of a musician (Chaffin and al. 2003), we observed a new work stage that we have named Appropriation artistique, or Artistic appropriation. In this stage, the subject associates the abstract sense of musical discourse with her own life experience through the use of analogies and narratives. This personalization of the piece results, according to the subject, in a more convincing interpretation. Therefore, work throughout this stage would consist of a search of expressive accuracy of interpretation (character, dynamics, tone, phrasing, etc.) that the subject uses as a criterion of quality, authenticity and legitimacy. The methodology developed will lead us, in future research involving several subjects, to study the entire creative process of interpreting an original musical piece.

Les enseignants ont commencé à entendre parler de cadres conceptuels à la fin des années soixante-dix, quand les premières synthèses inspirées de la recherche cognitive ont évoqué les réseaux de connaissance propres à certains secteurs d'investigation, dans les termes mêmes qui servent à qualifier les schémas, cadres et scripts dans la cognition des apprenants. Depuis, la recherche cognitive s'est étendue â la cognition des enseignants. En même temps, un secteur entier de recherche de terrain a ouvert une brèche dans la
biographie des maÎtres, dont l'impact sur les stratégies d'enseignement et les modèles de formation est indéniable. Toutefois, dans cette vague d'autorecherche en formation, personne ne semble s'être vraiment intéressé à fa
cognition des chercheurs. A quoi pensent les chercheurs quand ils pensent aux enseignants? Quels sont les cadres conceptuels qui les influencent dans leur quête? Cette note de synthèse examine les recherches d'orientation cognitive et d'orientation biographique sur la connaissance des enseignants,
à la lumière de quelques mots-clefs ou têtes de réseaux que se donnent les chercheurs pour conceptualiser la pratique éducative.

Pour bien comprendre le noeud à partir duquel ce livre se pense et s'écrit, il faut se souvenir de ce que nous avons décrit précédemment : la plasticité est mutable, labile, en perpétuel mouvement, elle ne peut donc satisfaire une théorisation de l'art où l'oeuvre reste autosuffisante, stable et absolue. Comme l'explique Gérard Pelé, dans inesthétiques musicales au XXe siècle, s'il y a un changement ontologique qui déplace la notion d'art vers celle d'oeuvre 1 , ces « oeuvres [sont] « relatives » et « contextuelles » (PELÉ 2007 : 17). Il cite fort justement Simondon, plaçant la plasticité au centre du jugement esthétique relatif et contextuel : « D'ailleurs, ce n'est jamais à proprement parler l'objet qui est beau : c'est la rencontre, s'opérant entre un aspect réel du monde et un geste humain. Il ne peut pas exister d'objet esthétique, sans que pour cela l'impression esthétique soit exclue » (SIMONDON 1958 : 191, cité par PELÉ 2007 : 16). D'une part, la plasticité associée à l'art a, au cours du temps, pris différentes acceptions, de sorte qu'elle est associée à la fois à l'aspect formel d'un objet artistique et/ou à l'action qui va lui donner forme, et a toujours été pensée selon une certaine métaphysique dont il faudrait reconnaître aujourd'hui l'impropriété. En effet, la plasticité classique est envisagée par analogie à un démiurge unique qui informe la matière (une substance) dans un protocole qui se déploierait dans un espace et un temps linéaires et distincts. La plasticité contemporaine s'approche par ce que j'appellerai premièrement « procème » et deuxièmement « conduction ». Prérequis nécessaire à la compréhension de l'ensemble de ce texte, il me faut en dire quelques mots. 1 « La fin du concept philosophique d'"art" en tant que tel marque le début du concept herméneutique d'"oeuvre". » (BELTING, 2007).

Cette version, datée 20/09/02, est mise à disposition par Louis-Claude Paquin selon les termes de la licence Creative Commons 4.0 : Attribution -Pas d'utilisation commerciale -Pas de modification. L'articulation de la recherche à la création Une définition simple, presque simpliste de la R-C serait qu'il s'agit d'une sorte de croisement entre la création artistique ou médiatique et la recherche universitaire et, par conséquent, la R-C vise un double objectif : la production d'un artefact ou événement original et inédit ainsi que la production de connaissances à propos de celuici.

Cet ouvrage  a pour but d’étayer l’enseignement de la méthodologie de la recherche-création dans des programmes universitaires de cycles supérieurs que j’ai développé et dispensé depuis plus d’une décennie au programme de doctorat en Études et pratique des arts de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) et à la Concentration recherche-création en média expérimental de la maîtrise en communication de la même université.

"Depuis la gratitude du vivant" est un essai sur l’imaginaire contemporain, le geste créateur et l’exigence du don. Dans le prolongement de mes travaux sur le don et les expressions de l’éthique dans certaines pratiques artistiques et culturelles, cet essai prend appui sur une relecture de l’économie du don chez Lewis Hyde et propose, depuis une démarche
de création interdisciplinaire où l’atelier fait terrain, une réflexion sur la performativité éthique de la création dans son rapport au vivant.

Les images honteuses, sous la direction de Gagnebin et Milly, Champ Vallon, 2006, 27 360 signes.
http://www.champ-vallon.com/Pages/PagesOrd%27A/GagnebMillydir.html
Liens vers les vidéos de l'article
https://vimeo.com/60950418
https://vimeo.com/76221578
https://vimeo.com/76220663
http://www.sos-art.com/virginiefoloppe.html

Ce mémoire de recherche et création étudie le rôle du cinéaste dans la mise en forme de documentaires interactifs diffusés sur le Web. L’auteur se réfère d’abord à ses propres documentaires conventionnels afin d’en définir le principal objectif énonciateur. Puis, il observe les nouvelles positions de spectature favorisées par les dispositifs actuels de distribution médiatique pour comprendre la forme à donner à l’œuvre interactive qu’il est à produire et juger de la possibilité d’y inscrire ses intentions de communication habituelles. L'auteur se réfère par la suite aux documentaires interactifs auxquels il a participé dans les années 1990 et détermine les dispositifs d’interaction permettant une présence active du spectateur. Finalement, l’auteur explique les étapes de production de son webdocumentaire et souligne les éléments de recherche qui ont guidé sa création. L’auteur conclut avec quelques réflexions concernant le rapport existant entre le créateur d’une œuvre documentaire interactive et le spect-acteur multitâche actuel.

This research-creation dissertation studies the filmmaker’s role in the production of interactive web documentaries. First, the author recalls conventional documentaries he directed in order to indentify their primary discursive objectives. Then, he examines the new spectatorship being defined by current media delivery devices to better understand the shape to be given to the interactive work he’s producing and assess its ability in carrying his usual communication objectives. Subsequently, the author refers to interactive documentaries in which he participated in the 1990s and points out specific interactive devices showing to be efficient in taking into account the active presence of the viewer. Finally, the author describes the making of his web documentary and highlights aspects of his research that guided its production. The author concludes with some remarks regarding his creative process and the relationship existing between the filmmaker creator of an interactive documentary and today’s new multitask spect-actor.
Note(s)
Ce texte de mémoire est accompagné du webdocumentaire interactif : De la chaise à la mer, disponible à l'adresse http://www.delachaisealamer.net. et www.texaneelsonwheels.com

[English Below]

Cette thèse de recherche-création a pour projet d'exposer les coulisses des expériences vécues de la création au sein d'un collectif artistique - nommé Pourquoi jamais - auquel je prends part activement. Mon terrain a consisté en une immersion prolongée de sept années au sein de ce groupe artistique transdisciplinaire et engagé socialement. J'aborde ici plus précisément le processus de création du projet Les disparitions d'Erika Weisz - l'un des projets majeurs réalisés durant cette période - et en analyse les différentes phases à partir de la question centrale de cette recherche : " Quel sens les personnes participantes donnent-elles à leur expérience du collectif de création ? "

J'envisage la recherche-création telle une approche chargée de potentiel tout au long de son déroulement plutôt qu'exclusivement orientée vers un résultat (Chapman et Sawchuk, 2012). En ce sens, la recherche à partir de la création ne tend pas uniquement à développer des projets artistiques autonomes, mais envisage diverses pratiques expérimentales comme étant susceptibles de générer des données pouvant faciliter la compréhension des différentes dynamiques à l'œuvre lors de la création. (Ibid. p. 16) Ainsi, cette thèse s'intéresse à ce qui motive les créateurs à agir en groupe. Elle vise à révéler le sens que les membres donnent à leur expérience. Mon projet de recherche-création s'intéresse donc prioritairement à la recherche sur la création et à l'activité artistique (au sein d'un collectif) dont la trajectoire nécessite un passage par la création (afin d'en éprouver le processus créatif).

Le choix de m'engager dans une pratique artistique et de m'y immerger s'est posé depuis l'amorce de la thèse. De cette position découle mon assemblage méthodologique qui repose sur trois postures coexistantes. D'abord, les cycles heuristiques pour la réalisation des artéfacts issus de la recherche-création (les trois itérations du projet Les disparitions d'Erika Weisz). Puis, une enquête qui croise mon autoethnographie à une ethnographie basée sur une observation participante prolongée, des entretiens semi-dirigés individuels et un entretien de groupe, et des témoignages des membres du collectif. Enfin, l'analyse s'inspire d'une approche phénoménologique et les résultats sont livrés sous forme d'un récit de pratique.

L'analyse se situe à l'intersection des processus communicationnels et créatifs au sein du groupe, des relations interpersonnelles, des pratiques sociales et de l'engagement artistique citoyen comme agent de changement social. Même si elles sont souvent reléguées à la marge, les pratiques de la création en collectifs autonomes ou autogérés gagnent à être connues et reconnues. L'expérience de la collaboration, à l'image de la création collective, est une invitation à bousculer nos certitudes. Par l'échange, l'interaction et le dialogue, elle nous invite à revisiter nos manières de créer.

-----

Title: Pourquoi jamais : the depths of the lived experience of collective artistic creation

This research-creation dissertation sets out to expose the behind-the-scenes lived experiences of creation in an artist collective named Pourquoi jamais in which I take an active part. A prolonged seven-year immersion in this transdisciplinary and socially engaged art group has formed the basis of my fieldwork. I specifically address the creation process of one of the major projects during that period, Les disparitions d'Erika Weisz, and analyze each of its phases through the lens of the central question of this research: "What meaning do participants ascribe to their experience of the creative collective?"

I take research-creation to be an approach imbued with potential even as it is being conducted rather than being directed exclusively toward achieving a result (Chapman & Sawchuk, 2012). To that extent, research-from-creation does not simply tend toward developing "art projects that then stand on their own," but also considers a variety of experimental practices as having the potential to generate "research data that can then be used to understand different dynamics" at work during the creative process (Ibid. p. 16). Hence, this dissertation is concerned with what drives creators to act as a group. It aims to uncover the meaning that members ascribe to their experience. My research-creation project therefore focuses primarily on research about creation and on artistic activity (within a collective), that necessarily passes through creation (to experience the creative process).

I chose at the very beginning of the dissertation to participate and to immerse myself in artistic practice. My methodological blend stems from this standpoint and rests on three coexisting stances. First, the heuristic cycles of the production of the artefacts born out of the research-creation (the three iterations of the project Les disparitions d'Erika Weisz). Second, an inquiry in which my autoethnography is mapped against an ethnography based on prolonged participant observation, semi-structured individual interviews and one group interview as well as testimonies from the members of the collective. Third, the analysis has been inspired by phenomenology, and the results are delivered in a practice-based narrative.

The analysis lies at the intersection of the communicative and creative processes within the group, interpersonal relationships, social practices and artistic civic engagement as an agent of social change. Often relegated to the margins, the practices of artistic creation in autonomous or artist-run collectives deserve to be known and recognized. As with collective creation, the experience of collaboration is an invitation to challenge what we believe to be certain. We are invited through exchange, interaction and dialogue to revisit the ways we create.

Keywords:
Creation collective, collective creation, communicative process, creative process, interpersonal relationships, social change through art, research-creation.

Bonne analyse des enjeux de la recherche-création, bien recherchée-Pour pousser l'analyse plus loin, il faut porter plus d'attention sur les spécificités processuelles de la science et des arts (D/G développent une telle tentative dans Qu'est-ce que la philosophie? Note pour le travail: A-Note pour le cours: A

Depuis 2017, en compagnie de Cynthia Noury, engagée dans une recherche-création doctorale sur l’entrevue de rue, nous tentons dans des textes polyvocaux de cerner la recherche-création. Plutôt que répondre à la demande de fournir une définition de la recherche-création, ce qui aurait eu pour effet d’imposer une normativité aux pratiques singulières de recheche-création, nous en sommes venus à la conclusion qu’il valait mieux cartographier celles-ci. (Paquin et Noury, 2018) Lorsqu’on nous a demandé de faire l’histoire de la recherche-création à l’UQAM et plus précisément à l’École des médias, nous avons poursuivi la réflexion amorcée précédemment autour de la recherche-création en tant que pratique, mais en tentant de distinguer pratique de la recherche-création en art d’une recherche-création média. (Paquin et Noury, 2020) Récemment, dans un texte synthèse qui visait à diffuser en anglais nos réflexions sur la recherche-création, nous avons commencé à adapter le « modèle » de pratique fourni par Theodor Schatzki, notamment en élargissant les contextes de la pratique à la société, la politique et la culture et en prenant en compte la dimension de l’engagement. (Noury et Paquin, 2020) Le présent texte se situe dans le prolongement de nos réflexions sur la recherche-création en tant que pratique

Cet article aborde, sous forme d’un dialogue, trois dimensions de la recherche-création par l’entremise métaphorique de concepts tirés de la phénoménologie : celui de chiasme pour qualifier le lien qui unit la recherche à la création, celui de chair pour qualifier le lieu où s’effectue la recherche-création et celui de aléthéia pour l’évaluation de la recherche-création. À ces dimensions sont articulés des extraits de récits de pratique.

La question de la méthode et de la méthodologie revêt une importance capitale pour la recherche universitaire. C’est un passage obligé suite à la formulation d’un problème. Il s’agit d’énoncer de quelle façon on compte s’y prendre pour apporter une solution au problème formulé. Je ne saurais trop insister sur l’importance de se référer à des modèles d’action bien balisés et reconnus pour établir la légitimité, la validité et la valeur de la recherche et de la production de connaissances qui en découle, ce qui représente un grand enjeu.
Quand on réfléchit à la méthode, de nombreuses questions surgissent qui sont parfois difficiles. Quelle est la différence entre une méthode et une méthodologie ? La même qu’entre un problème et une problématique ? Comment réconcilier le fait que les méthodes sont, d’une part, associées à une vision du monde (ontologie) et un type de connaissances qui en découle (épistémologie) et que, d’autre part, il s’agit d’opérations pour recueillir des données et les analyser ? Est-ce que la méthode doit être unique ou peut être multiple ? Comment s’assurer que le choix de méthode est approprié ? Dans quelle mesure la méthode utilisée influence les résultats de la recherche ? Et finalement qu’en est-t-il de la question de la méthode et de la méthodologie de la recherche-création ?

Depuis 2017, en compagnie de Cynthia Noury, engagée dans une recherche-création doctorale sur l’entrevue de rue, nous tentons, dans des textes polyvocaux, de cerner la recherche-création. Plutôt que répondre à la demande de fournir une définition de la recherche-création, ce qui aurait eu pour effet d’imposer une normativité aux pratiques singulières de recheche-création, nous en sommes venus à la conclusion qu’il valait mieux cartographier celles-ci. (Paquin et Noury, 2018) Lorsqu’on nous a demandé de faire l’histoire de la recherche-création à l’UQAM et plus précisément à l’École des médias, nous avons poursuivi la réflexion amorcée précédemment autour de la recherche-création en tant que pratique, mais en tentant de distinguer pratique de la recherche-création en art d’une recherche-création média. Nous avons également amorcé une réflexion sur la nature et la valeur des connaissances qui se dégagent d’une pratique de recherche-création. (Paquin et Noury, 2020) Récemment, dans un texte synthèse qui visait à diffuser en anglais nos réflexions sur la recherche-création, nous avons poursuivi notre réflexion sur la nature des connaissances – tacites, expérientielles, incarnées, et situées – qui peuvent être dégagées d’une réflexion sur sa pratique de recherche-création. (Noury et Paquin, 2020) Le présent texte se situe dans le prolongement de nos réflexions sur la production de connaissances et la pratique de la recherche-création.

Alfred North Whitehead’s most concise characterization of philosophy of process appeared early in his major work, Process and Reality : “How an entity becomes constitutes what the entity is.” In that spirit, I reverse the phrase, Relational Interfaces, which privileges the ”interface” as a sta- ble object, and consider instead the sociotetchnical conditions and the ethico-aesthetic relations in which interfaces may be invented. Here, by interface, I’ll understand a set of stable, formed material-corporeal-symbolic relations between people and their machines, used to coordinate their activity. In particular, I set this in the context of collective research-creation that happens in the milieus pioneered by the Synthesis Center since 2014 in the USA, and earlier the Topolog- ical Media Lab (2001-2005 USA; 2005-2013 Canada).

Sous l’effet du néolibéralisme et de la révolution numérique, les activités d’évaluation s’emballent, se généralisent, deviennent frénétiques et paradoxales. Le projet de recherche « Evaluation générale : l’Agence de Notation comme dispositif artistique », est soutenu par l’EUR ArTeC (ComUE UPL) et développé en partenariat avec le Centre Pompidou, le Centquatre Paris, l’EA LHE (U. Paris 8), l’EA Scènes du monde (U. Paris 8), l’UMR CRESPPA CNRS – U. Paris 8 – U. Paris 10), le groupe de recherche de l’ARGEC (U. de Gênes), les Éditions Questions théoriques. Il réunit un groupe d’artistes, éditeurs, théoriciens des arts, critiques littéraires, philosophes, sociologues, politologues et spécialistes en sciences de gestion, en vue d’explorer et de comprendre les problèmes publics spécifiques que soulève la généralisation de l’évaluation. Il se constitue autour de l’« Agence de Notation », dispositif artistique et d’enquête appelé à intervenir en situations institutionnelles réelles afin de désinvisibiliser non seulement ce qu’est l’activité d’évaluation-notation mais aussi ses effets concrets immédiats.

Mes recherches ont comme prémisse le paysage, qui recèle un dualisme
intrinsèque. En effet, le mot paysage désigne simultanément l’étendue spatiale
observée et sa représentation, la matière et l’idée. Cette condition en complexifie
la lecture, mais lui confère une richesse poétique catalysante. Une question se
précise alors : comment pratiquer et réfléchir les écarts et les échos entre la
nature, sa perception en un premier paysage – une image mentale – et son
interprétation en un second paysage, celui-ci exprimé par une image née cette
fois-ci d’une intention artistique, avec des matériaux et des techniques
spécifiques? Ainsi, la recherche s’intéresse à l’émergence d’un paysage
subséquent matérialisé en création et nommé empaysage.
L’objectif principal de la recherche devient la création et l’analyse ultérieure
d’oeuvres en dessin qui vérifieront la possibilité que le concept de carte, en tant
que principe opératoire, permette dans la pratique l’élaboration de lieux du
paysage, c’est-à-dire d’empaysages. Conséquemment, la thèse consiste en la
réalisation d’un corpus d’oeuvres, présenté à l’occasion d’expositions, et en la
rédaction d’un texte. Le texte prend la forme d’une étude d’environ 150 pages et
présente une réflexion critique et analytique dont l’objet premier en est la
production artistique. C’est là où l’approche choisie, la poïétique, trouve sa
pertinence : elle ouvre temporellement son objet par une recherche du fil
conducteur depuis ses origines et sans se limiter à l’apparaître.

hepia-Haute école du paysage, d'ingénierie et d'architecture / Ce colloque est organisé dans le cadre d'un programme de recherche financé par le Fonds national suisse de la recherche (FNS) : « Didactique du paysage. Mutualisation des expériences et perspectives didactiques à propos des controverses paysagères » (site web), qui regroupe une équipe internationale d'une dizaine de chercheurs et de formateurs autour des enjeux didactiques du paysage. Ce colloque est dédié à la mémoire de Laurent Daune, paysagiste, professeur à hepia et membre de l'équipe, décédé brutalement pendant l'été 2016.-This symposium is being organized as part of a research programme funded by the Swiss National Science Foundation (FNS): 'Didactics of the landscape. Sharing of didactical experiences and perspectives on landscape controversies' (web site), which brings together an international team of some ten researchers and trainers around the didactical issues concerning the landscape. This symposium is dedicated to the memory of Laurent Daune, landscape architect, professor at hepia and member of the team, who died suddenly in the summer of 2016. Avec le soutien de / with the support of: département de géographie et environnement, institut de gouvernance de l'environnement et du développement territorial, décanat de la faculté des sciences de la société, institut universitaire de formation des enseignants et du rectorat de l'Université de Genève (Suisse) ; hepia (Suisse) ; Fonds national suisse de la recherche scientifique (Suisse) ; Fondation Sporck (Belgique) ; Ministère de la transition écologique et solidaire (France).

Ce mémoire de maîtrise se divise en deux parties. Dimitri, qui prend la forme d’un recueil de onze courts textes, est une création hybride empruntant à la fois au roman et au recueil de nouvelles sans adhérer complètement à l’une ou l’autre de ces formules, et se construit autour du personnage singulier de Dimitri. Évoluant dans un monde qui lui est étranger, Dimitri tente d’exister par le biais de la parole, mais chacune de ses tentatives est vouée à l’échec. De la dissolution du personnage à la typologie de l’étranger aux autres et à soi-même dans Plume, d’Henri Michaux, Palomar, d’Italo Calvino et La Nébuleuse du crabe, d’Éric Chevillard s’intéresse au phénomène d’amenuisement du personnage. Cette analyse propose de voir quel sens peut revêtir la mise en scène des personnages de Plume, de Palomar et de Crab, et de quelle vision du monde participent les œuvres qui les accueillent.

Cet ouvrage est issu du colloque Réalités de la recherche (collective) en arts, qui s’est tenu les 29 et 30 novembre 2018 à l’Université Bordeaux Montaigne dans le cadre des activités développées par le projet Moby‑Dick, Laboratoire des Objets Libres, 2017-2020, coordonné par Pierre Baumann, équipe ARTES, Université Bordeaux Montaigne. Avec les contributions des équipes de recherche Moby-Dick, Biomorphismes, Éditions Incertain Sens, Réengager Freire (microsillons), La Part de l’Œil, Un film infini, Suspended Spaces, Le laboratoire des hypothèses.

Entretien avec le duo d'artistes Hippolyte Hentgen (Gaëlle Hippolyte et Lina Hentgen) réalisé en février 2020, au sujet des doctorats de recherche-création. Paru dans le dossier « Former les artistes » de la revue Marges. En ligne : https://journals.openedition.org/marges/2027

Un essai publié chez Friville éditions en 2017, dans l'ouvrage collectif "Les avancées de l'art multiplié" (Dir. O. Delleaux, J-F. Robic).
Une analyse de mon travail de recherche-création, notamment la série "Google Pages" : https://stephanemroczkowski.tumblr.com/tagged/google-pages ) en la mettant en relation avec différents contextes. D'une part celui de l'imprimé à l'heure d'Internet; puis celui des relations entre art et document, notamment au travers de la notion d'Atlas.